Musée gruérien | Bulle
26. November 2023 – 26. Mai 2024

Esprits de la montagne
Daniel Pittet

Hat die Natur ein einziges Gesicht oder ist sie eine ständige Metamorphose, veränderlich und schwer fassbar? Der Fotograf Daniel Pittet gibt eine Antwort mit seinen Berggeistern, die den Landschaften ihre Züge verleihen, indem sie sich die Eigenschaften der Symmetrie zunutze machen.

Die Arbeit des Künstlers ist eine wahre Hymne an die Schönheit der Welt und regt uns dazu an, die tiefere Natur der Dinge, die uns umgeben, zu erforschen und in sie einzutauchen. Von seiner Intuition geleitet, begab sich der Fotograf mit Freiburger Wurzeln auf eine leidenschaftliche Suche nach diesen Berggeistern.

Manchmal fiel es ihm leicht, manchmal musste er stundenlang warten und suchen, bis sich die Geister offenbarten. Doch das Ergebnis kann sich sehen lassen: Auf rund 50 Bildern sehen wir, wie diese symmetrischen Formen vor unseren Augen erscheinen.

Die ersten Geister, die Daniel Pittet mit seinem Objektiv einfing, befanden sich am Fuße des Basodino-Gletschers im Tessin, doch inzwischen hat sich die Familie der Berggeister vergrößert.

Einige der Fotos wurden zuerst im Tal des Gletschers aufgenommen, dann in den Voralpen des Greyerzerlandes, in den Bündner und Walliser Alpen, in Island und sogar im Himalaya, was die universelle Dimension des Projekts unterstreicht.

Dank der Cello-Noten von Sara Oswald wird die Ausstellung in eine bezaubernde Klangatmosphäre getaucht. Das Ganze ist eine Einladung, die Welt um uns herum mit anderen Augen zu sehen, in der Natur nach Symmetrie zu suchen und nach Gesichtern Ausschau zu halten, die in Fels oder Eis gemeißelt sind.

Die Fotografien dieser Ausstellung werden in einem Buch veröffentlicht, das 2024 im Slatkine-Verlag erscheinen wird.

La nature revêt-elle un visage unique ou alors est-elle une métamorphose constante, changeante et insaisissable? Le photographe Daniel Pittet apporte une réponse via ses Esprits de la montagne qui prêtent leurs traits aux paysages en exploitant les propriétés delà symétrie.

Véritable hymne à la beauté du monde, le travail de l’artiste nous pousse à chercher la nature profonde de ce qui nous entoure et à nous en imprégner. Guidé par son intuition, le photographe d’origine fribourgeoise s’est lancé dans une quête passionnée à la rencontre de ces esprits de montagne.

Ces présences se révélèrent à lui, parfois facilement, parfois au prix de longues heures d'attente et de recherche. Mais le résultat est là: à travers une cinquantaine de clichés, nous voyons ces formes symétriques apparaître sous nos yeux.

Si les premiers esprits capturés par l’objectif de Daniel Pittet se situaient aux pieds du glacier du Basodino au Tessin, la famille des esprits de la montagne s’est depuis agrandie.

Certaines photographies ont d’abord été prises dans la vallé e où s’é coulent les eaux du mê me glacier et ensuite dans les Pré alpes de la Gruyère, dans les Alpes grisonnes et valaisannes, en Islande et même en Himalaya, affirmant ainsi la dimension universelle du projet.

Grâce aux notes de violoncelle de Sara Oswald, l’exposition est plongée dans une ambiance sonore envoûtante. Le tout forme alors une invitation à porter un regard différent sur le monde qui nous entoure, à chercher la symétrie dans la nature, à être à l’affût de visages gravés dans la roche ou dans la glace.

Les photographies de cette exposition seront publiées dans un livre à paraître en 2024 aux éditions Slatkine.

La natura ha un unico volto o è una metamorfosi costante, mutevole e sfuggente? Il fotografo Daniel Pittet fornisce una risposta con i suoi Esprits de la montagne, che conferiscono le loro caratteristiche ai paesaggi sfruttando le proprietà della simmetria.

Vero e proprio inno alla bellezza del mondo, l'opera dell'artista ci incoraggia a ricercare la natura profonda di ciò che ci circonda e a immergerci in essa. Guidato dalla sua intuizione, il fotografo friburghese ha intrapreso una ricerca appassionata per incontrare questi spiriti della montagna.

Queste presenze gli si sono rivelate, a volte facilmente, a volte a costo di lunghe ore di attesa e di ricerca. Ma il risultato è lì: attraverso una cinquantina di fotografie, vediamo apparire queste forme simmetriche davanti ai nostri occhi.

Se i primi spiriti catturati dall'obiettivo di Daniel Pittet si trovavano ai piedi del ghiacciaio del Basodino, in Ticino, da allora la famiglia degli spiriti di montagna si è allargata.

Alcune fotografie sono state scattate dapprima nella valle dove scorrono le acque dello stesso ghiacciaio, poi nelle Prealpi della Gruyère, nelle Alpi grigionesi e vallesane, in Islanda e persino sull'Himalaya, a conferma della dimensione universale del progetto.

Il violoncello di Sara Oswald aggiunge un'incantevole colonna sonora alla mostra. Il risultato è un invito a guardare in modo diverso il mondo che ci circonda, a cercare la simmetria nella natura, a essere alla ricerca di volti incisi nella roccia o nel ghiaccio.

Le fotografie di questa mostra saranno pubblicate in un libro che sarà edito nel 2024 da Slatkine.

Does nature have a single face, or is it a constant, changing, elusive metamorphosis? Photographer Daniel Pittet provides an answer with his Esprits de la montagne, which lend their features to landscapes by exploiting the properties of symmetry.

A veritable hymn to the beauty of the world, the artist's work encourages us to seek out and immerse ourselves in the profound nature of what surrounds us. Guided by his intuition, the Fribourg-born photographer embarked on a passionate quest to meet these mountain spirits.

These presences revealed themselves to him, sometimes easily, sometimes at the cost of long hours of waiting and searching. But the result is there: through some fifty photographs, we see these symmetrical forms appear before our very eyes.

While the first spirits captured by Daniel Pittet's lens were at the foot of the Basodino glacier in Ticino, the family of mountain spirits has since expanded.

Some of the photographs were first taken in the valley where the waters of the same glacier flow, and then in the Pre-Alps of Gruyère, in the Graubünden and Valais Alps, in Iceland and even in the Himalayas, thus affirming the universal dimension of the project.

Thanks to Sara Oswald's cello notes, the exhibition is immersed in an enchanting soundscape. The whole is an invitation to take a different look at the world around us, to search for symmetry in nature, to be on the lookout for faces etched in rock or ice.

The photographs from this exhibition will be published in a book due out in 2024 by Editions Slatkine.

(Text: Musée gruérien, Bulle)

Cons Arc Galleria | Chiasso
25. November 2023 – 28. Januar 2024

REVISITED
Christof Klute

In der Ausstellung REVISITED zeigt Christof Klute Werke, die in den letzten Jahren entstanden sind. Der Titel bezieht sich u.a. auf ein Album von Bob Dylan: "Highway 61 Revisited". Dabei handelt es sich um eine Straße, die Dylans Heimatstadt mit wichtigen Blues-Metropolen verbindet, in denen wichtige Musiker für Dylan gearbeitet haben.

Auch die Fotoserien von Christof Klute sind an Orten entstanden, die den Künstler persönlich interessieren und die mit Ideenwelten wie Philosophie, Mystik und Literatur verbunden sind. So folgen die gezeigten Fotografien Wanderungen, entstehen bei Besuchen in Kirchen oder bei Aufenthalten in Klöstern. In der aktuellen Ausstellung sind aber auch Beispiele für programmatische Architekturen zu sehen, die sich aus bestimmten Idealen und Utopien des menschlichen Lebens und Zusammenlebens ergeben. Es ist immer ein spekulativer Blick auf den sinnlichen Aspekt von Ideen.

In der künstlerischen Arbeitsweise spielen die Konzepte von Serie und Wiederholung eine zentrale Rolle. Christof Klute produziert Fotos immer in Serien. Meist sind es einfache Bewegungen vor Ort, die den fotografischen Blick lenken. So entstehen Bilder, die sich oft nur geringfügig unterscheiden, zum Beispiel in der Richtung des Lichts, wobei Abstraktion und Atmosphäre in ein besonderes Spannungsverhältnis treten. Und die Einzelbilder werden dann in Gruppen, in Reihen oder Blöcken zusammengefasst.

Das wiederholte Aufsuchen von Orten hat durchaus eine meditative Bedeutung. So wird der Aspekt der Zeit zum Thema: Die Orte wechseln, aber auch der Blick des Fotografen. Klutes fotografische Arbeit kann auch als biografische Absicherung verstanden werden.

Dans l'exposition REVISITE, Christof Klute présente des œuvres créées ces dernières années. Le titre fait référence, entre autres, à un album de Bob Dylan : "Highway 61 Revisited". Il s'agit d'une route qui relie la ville natale de Dylan à d'importantes métropoles du Blues, où d'importants musiciens ont travaillé pour Dylan.

De même, les séries de photos de Christof Klute sont prises dans des lieux qui intéressent personnellement l'artiste, des lieux liés à des mondes d'idées tels que la philosophie, le mysticisme et la littérature. Ainsi, les photographies présentées font suite à des déambulations, sont prises lors de visites d'églises ou de séjours dans des monastères. Mais dans l'exposition actuelle, il y a aussi des exemples d'architecture programmatique résultant de certains idéaux et de certaines utopies de la vie et de la coexistence humaine. Il s'agit toujours d'un regard spéculatif sur l'aspect sensuel des idées.

Dans la méthode de travail artistique, les concepts de série et de répétition jouent un rôle central. Christof Klute produit toujours des photos en série. En général, ce sont de simples mouvements sur place qui guident le regard photographique. Il en résulte des images qui ne diffèrent souvent que légèrement, par exemple dans la direction de la lumière, où l'abstraction et l'atmosphère entrent dans une relation de tension particulière. Les images individuelles sont ensuite combinées en groupes, en rangées ou en blocs.

La visite répétée de lieux a certainement une signification méditative. L'aspect temporel devient ainsi le sujet : les lieux changent, mais le regard du photographe aussi. Le travail photographique de Klute peut également être compris comme une sécurité biographique.

Nella mostra REVISITED Christof Klute espone opere realizzate negli ultimi anni. Il titolo si riferisce, tra l’altro, ad un album di Bob Dylan: “Highway 61 Revisited”. Si tratta di una strada che collega la città natale di Dylan con importanti metropoli del Blues, nelle quali per Dylan hanno lavorato importanti musicisti.

Allo stesso modo, le serie fotografiche di Christof Klute vengono realizzate in luoghi di interesse personale per l’artista, luoghi legati a mondi di idee come la filosofia, il misticismo, la letteratura. Così, le fotografie mostrate seguono vagabondaggi, vengono scattate durante le visite alle chiese o durante i soggiorni nei monasteri. Nella mostra in corso, però, ci sono anche esempi di architettura programmatica frutto di certi ideali e certe utopie della vita e della convivenza umana. Si tratta sempre di uno sguardo speculativo sull’aspetto sensuale delle idee.

Nel metodo di lavoro artistico, i concetti di serie e ripetizione svolgono un ruolo centrale. Christof Klute produce sempre foto in serie. Di solito sono semplici movimenti sul luogo a guidare lo sguardo fotografico. Risultano immagini che spesso differiscono solo minimamente, ad esempio nella direzione della luce, dove astrazione e atmosfera entrano in un particolare rapporto di tensione. E le singole immagini vengono poi combinate in gruppi, in righe o blocchi.

La visita ripetitiva dei luoghi ha sicuramente un significato meditativo. Così l’aspetto del tempo diventa argomento: i luoghi cambiano, ma anche lo sguardo del fotografo. L’opera fotografica di Klute può essere intesa anche come sicurezza biografica.

In the exhibition REVISITED Christof Klute exhibits works made in recent years. The title refers, among other things, to a Bob Dylan album, "Highway 61 Revisited." This is a road that connects Dylan's hometown with important Blues metropolises in which important musicians worked for Dylan.

Similarly, Christof Klute's photographic series are taken in places of personal interest to the artist, places linked to worlds of ideas such as philosophy, mysticism, and literature. Thus, the photographs shown follow wanderings, are taken during visits to churches or during stays in monasteries. In the current exhibition, however, there are also examples of programmatic architecture resulting from certain ideals and certain utopias of human life and coexistence. It is always a speculative look at the sensual aspect of ideas.

In the artistic working method, the concepts of series and repetition play a central role. Christof Klute always produces photos in series. Usually it is simple movements on location that guide the photographic gaze. They result in images that often differ only minimally, for example in the direction of light, where abstraction and atmosphere enter into a special relationship of tension. And the individual images are then combined into groups, rows or blocks.

The repetitive visiting of places certainly has a meditative meaning. Thus the appearance of time becomes a subject: the places change, but so does the photographer's gaze. Klute's photographic work can also be understood as biographical security.

(Text: Cons Arc Galleria, Chiasso)

WestLicht. Schauplatz für Fotografie | Wien
24. November 2023 – 11. Februar 2024

PAPARAZZI!

Verschrien, verkannt, vergöttert: Paparazzi gehören ohne Zweifel zu den schillerndsten Figuren der Fotogeschichte!

Ihre mit ebenso findigen wie ruchlosen Mitteln erjagten Bilder werden von Millionen Menschen gesehen, gleichwohl sind die Namen der Fotograf:innen kaum bekannt, ihre öffentliche Reputation ist gering. Der Begriff Paparazzi geht auf den gleichnamigen Fotografen in Federico Fellinis Filmklassiker La Dolce Vita zurück und galt lange als Schimpfwort, erst in jüngerer Zeit hat sich der Blick auf die Geschichte des Genres gewandelt. Heute werden die Bilder von herausragenden Vertreter:innen wie Ron Galella oder Marcello Geppetti als unverstellte Porträts und Zeugnisse einer Ära gewürdigt.

PAPARAZZI! vereint rund 120 Arbeiten von etwa 20 Bildautor:innen und spannt einen Bogen von den späten 1950er-Jahren bis in die 2000er. Ein Schwerpunkt liegt auf den 1960er- und 1970er-Jahren, als Fotografen wie Galella, Geppetti, Tazio Secchiaroli oder Elio Sorci das Metier zwischen Rom und den USA, Cinecittà und Hollywood definierten. Auf der Suche nach dem ultimativen Scoop rückten sie mit ihren Kameras Schauspieler:innen und anderen Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens, darunter Brigitte Bardot, Marlon Brando, Romy Schneider, Richard Burton oder Jackie Kennedy, zu Leibe – und fingen en passant den Glamour der High Society ein. Dabei kam es mitunter zu denkwürdigen Begegnungen: Anita Ekberg, Star aus La Dolce Vita, wehrte sich gegen die aufdringlichen Paparazzi mit Pfeil und Bogen, Ron Galella kostete seine hartnäckige Verfolgung von Marlon Brando mehrere Zähne.

Die Ausstellung PAPARAZZI! widmet sich der Geschichte, den Methoden und der Ästhetik der Paparazzi-Fotografie, nimmt am Beispiel von Lady Diana und Britney Spears die kontroversen Aspekte des Genres in den Blick und beleuchtet mit Serien von Helmut Newton, Anton Corbijn, Alison Jackson oder der österreichischen Künstlergruppe G.R.A.M. die Faszination, die das Phänomen immer wieder auch auf andere Bereiche der Fotografie und auf die Kunst ausgeübt hat.

Wir danken allen Leihgeber:innen und Künstler:innen der Ausstellung, ohne die die Realisierung dieses Projektes nicht möglich gewesen wäre, allen voran der Nicola Erni Collection als Hauptleihgeberin sowie Anton Corbijn, Ron Galella Ltd., Marcello Geppetti Media Company, G.R.A.M., Axel Herberg, Alison Jackson, Sammlung Reinhold Mittersakschmöller, Helmut Newton Foundation, Fotosammlung OstLicht, Sammlung Mila Palm, Marianne Fürstin zu Sayn-Wittgenstein-Sayn und David Secchiaroli.

Décriés, méconnus, idolâtrés : les paparazzi font sans aucun doute partie des personnages les plus hauts en couleur de l'histoire de la photographie !

Leurs photos, obtenues par des moyens aussi ingénieux qu'impitoyables, sont vues par des millions de personnes, mais les noms des photographes sont peu connus et leur réputation publique est faible. Le terme de paparazzi, qui remonte au photographe du même nom dans le film classique La Dolce Vita de Federico Fellini, a longtemps été considéré comme une insulte, mais ce n'est que récemment que le regard sur l'histoire du genre a changé. Aujourd'hui, les images d'éminents représentants comme Ron Galella ou Marcello Geppetti sont appréciées comme des portraits sans concession et des témoignages d'une époque.

PAPARAZZI ! réunit environ 120 travaux d'une vingtaine d'auteurs et couvre une période allant de la fin des années 1950 aux années 2000. L'accent est mis sur les années 1960 et 1970, lorsque des photographes comme Galella, Geppetti, Tazio Secchiaroli ou Elio Sorci ont défini le métier entre Rome et les États-Unis, Cinecittà et Hollywood. A la recherche du scoop ultime, ils ont approché avec leurs appareils photo des acteurs et autres personnalités publiques, comme Brigitte Bardot, Marlon Brando, Romy Schneider, Richard Burton ou Jackie Kennedy, et ont capturé en passant le glamour de la haute société. Des rencontres mémorables ont parfois eu lieu : Anita Ekberg, la star de La Dolce Vita, s'est défendue contre les paparazzi importuns avec un arc et des flèches, Ron Galella a perdu plusieurs dents en poursuivant Marlon Brando avec acharnement.

L'exposition PAPARAZZI ! est consacrée à l'histoire, aux méthodes et à l'esthétique de la photographie de paparazzi. Elle met en lumière les aspects controversés du genre à travers l'exemple de Lady Diana et Britney Spears et met en lumière la fascination que le phénomène a toujours exercée sur d'autres domaines de la photographie et de l'art avec des séries de Helmut Newton, Anton Corbijn, Alison Jackson ou le groupe d'artistes autrichiens G.R.A.M..

Nous remercions tous les prêteurs et artistes de l'exposition sans lesquels la réalisation de ce projet n'aurait pas été possible, en particulier la Nicola Erni Collection en tant que prêteur principal ainsi qu'Anton Corbijn, Ron Galella Ltd, Marcello Geppetti Media Company, G.R.A.M., Axel Herberg, Alison Jackson, Collection Reinhold Mittersakschmöller, Helmut Newton Foundation, Fotosammlung OstLicht, Collection Mila Palm, Marianne Fürstin zu Sayn-Wittgenstein-Sayn et David Secchiaroli.

Famosi, incompresi, idolatrati: i paparazzi sono senza dubbio alcune delle figure più colorate della storia della fotografia!

Le loro immagini, a cui danno la caccia con mezzi ingegnosi e nefasti, sono viste da milioni di persone, ma i nomi dei fotografi sono poco conosciuti e la loro reputazione pubblica è bassa. Il termine paparazzi risale all'omonimo fotografo del classico film di Federico Fellini La Dolce Vita ed è stato a lungo considerato una parolaccia, ma solo recentemente la visione della storia del genere è cambiata. Oggi, le immagini di rappresentanti di spicco come Ron Galella e Marcello Geppetti sono onorate come candidi ritratti e testimonianze di un'epoca.

PAPARAZZI! raccoglie circa 120 opere di una ventina di autori di immagini e copre un arco temporale che va dalla fine degli anni Cinquanta agli anni Duemila. Un focus è sugli anni Sessanta e Settanta, quando fotografi come Galella, Geppetti, Tazio Secchiaroli ed Elio Sorci definirono il mestiere tra Roma e gli Stati Uniti, Cinecittà e Hollywood. Alla ricerca dello scoop definitivo, usavano le loro macchine fotografiche per avvicinarsi ad attori e personaggi pubblici, tra cui Brigitte Bardot, Marlon Brando, Romy Schneider, Richard Burton e Jackie Kennedy, e immortalare il glamour dell'alta società en passant. Questo a volte ha portato a incontri memorabili: Anita Ekberg, protagonista de La Dolce Vita, si difese dagli invadenti paparazzi con arco e frecce, Ron Galella si costò diversi denti nel suo ostinato inseguimento di Marlon Brando.

La mostra PAPARAZZI! è dedicata alla storia, ai metodi e all'estetica della fotografia dei paparazzi, utilizza gli esempi di Lady Diana e Britney Spears per esaminare gli aspetti controversi del genere e, con le serie di Helmut Newton, Anton Corbijn, Alison Jackson e del gruppo di artisti austriaci G.R.A.M., fa luce sul fascino che il fenomeno ha ripetutamente esercitato su altri settori della fotografia e dell'arte.

Desideriamo ringraziare tutti i prestatori e gli artisti della mostra, senza i quali la realizzazione di questo progetto non sarebbe stata possibile, in particolare la Collezione Nicola Erni come prestatore principale e Anton Corbijn, Ron Galella Ltd, Marcello Geppetti Media Company, G.R.A.M., Axel Herberg, Alison Jackson, Reinhold Mittersakschmöller Collection, Helmut Newton Foundation, OstLicht Photo Collection, Mila Palm Collection, Marianne Fürstin zu Sayn-Wittgenstein-Sayn e David Secchiaroli.

Notorious, misunderstood, idolized: paparazzi are without a doubt among the most enigmatic figures in the history of photography!

Their pictures, hunted down with equally resourceful and nefarious means, are seen by millions of people, yet the names of the photographers are hardly known, their public reputation is low. The term paparazzi goes back to the photographer of the same name in Federico Fellini's classic film La Dolce Vita and was long considered a dirty word; only recently has the view of the genre's history changed.

Today, the images of outstanding representatives such as Ron Galella or Marcello Geppetti are appreciated as undisguised portraits and testimonies of an era.

PAPARAZZI! brings together around 120 works by some 20 photographers and spans an arc from the late 1950s to the 2000s. The focus is on the 1960s and 1970s, when photographers such as Galella, Geppetti, Tazio Secchiaroli and Elio Sorci defined the profession between Rome and the USA, Cinecittà and Hollywood. In search of the ultimate scoop, they used their cameras to get close to actors and other public figures, including Brigitte Bardot, Marlon Brando, Romy Schneider, Richard Burton and Jackie Kennedy - and en passant captured the glamor of high society. In the process, some memorable encounters took place: Anita Ekberg, star of La Dolce Vita, defended herself against the intrusive paparazzi with bow and arrow, Ron Galella's persistent pursuit of Marlon Brando cost him several teeth.

The exhibition PAPARAZZI! is dedicated to the history, methods, and aesthetics of paparazzi photography, takes a look at the controversial aspects of the genre using the examples of Lady Diana and Britney Spears, and, with series by Helmut Newton, Anton Corbijn, Alison Jackson, and the Austrian artists' group G.R.A.M., sheds light on the fascination that the phenomenon has repeatedly exerted on other areas of photography and on art.

We would like to thank all lenders and artists of the exhibition, without whom the realization of this project would not have been possible, first and foremost the Nicola Erni Collection as main lender as well as Anton Corbijn, Ron Galella Ltd, Marcello Geppetti Media Company, G.R.A.M., Axel Herberg, Alison Jackson, Sammlung Reinhold Mittersakschmöller, Helmut Newton Foundation, Fotosammlung OstLicht, Sammlung Mila Palm, Marianne Fürstin zu Sayn-Wittgenstein-Sayn and David Secchiaroli.

(Text: WestLicht. Schauplatz für Fotografie, Wien)

Bildhalle | Zürich

24. November 2023 – 24. Februar 2024

Coming to light – Historische und innovative Printtechniken

Chantal Elisabeth Ariëns, Paul Cupido, Naohiro Ninomiya, Albárran Cabrera, Mika Horie, Douglas Mandry, Flor Garduño, Gregor Törzs, Joost Vanderburg, Maria-Aurelia Riese, Miriam Tölke, Rachel Thomson, René Groebli, Jeffrey Conley, Margaret Lansink

Alle 16 Künstler:innen haben ein vertieftes Wissen über Drucktechniken und fotografische Verfahren, die bis ins frühe 19. Jahrhundert zurückreichen. Ihr handwerkliches Geschick, die besondere Sorgfalt bei der Auswahl des Papiers und die hohe Qualität der Prints gehen über den technischen Aspekt hinaus: sie verleihen den Werken eine haptische und sinnliche Qualität. Der fotografische Abzug ist nicht mehr nur ein Abbild eines eingefangenen Ausschnitts der uns umgebenden Welt, er verändert, verfeinert oder veredelt das Gewöhnliche und wird Teil des künstlerischen Wertes.

Das Spektrum umfasst frühe Techniken aus dem 19. Jahrhundert: Cyanotypien der japanischen Künstlerin Mika Horie, Chine-collé-Drucke auf zwei verschiedenen Papieren von Paul Cupido und Miriam Tölke, Photogramme von Gregor Törzs und Rachel Thomson, Photopolymer-Radierungen von Chantal Elisabeth Ariëns oder atemberaubende Platinum-Palladium-Prints von Jeffrey Conley und Flor Garduño. Die Ausstellung zeigt aber auch neue, innovative Drucktechniken, die historisches Wissen mit einem spielerisch-experimentellen Ansatz verbinden: darunter Lithografien historischer Bilder auf gebrauchtem Gletschertuch von Douglas Mandry, Pigmentdrucke auf Gampi-Papier über Blattgold von Albarrán Cabrera oder die Monotypien von Joost Vanderbrug, die durch Transfer von Fotoemulsion auf Papier entstehen.

Die Gruppenausstellung in der Bildhalle wird begleitet durch eine Einzelpräsentation von Margaret Lansink im Showroom. Die holländische Künstlerin ist Gewinnerin des bedeutenden «Hariban Award», der besondere Leistungen und Fähigkeiten in der Kunst des Printens auszeichnet.

Les 16 artistes ont une connaissance approfondie des techniques d'impression et des procédés photographiques qui remontent au début du 19e siècle. Leur habileté artisanale, le soin particulier apporté au choix du papier et la grande qualité des tirages vont au-delà de l'aspect technique : ils confèrent aux œuvres une qualité tactile et sensuelle. Le tirage photographique n'est plus seulement l'image d'un fragment capturé du monde qui nous entoure, il modifie, affine ou ennoblit l'ordinaire et devient partie intégrante de la valeur artistique.

L'éventail comprend les premières techniques du 19e siècle : Cyanotypes de l'artiste japonaise Mika Horie, impressions Chine-collé sur deux papiers différents de Paul Cupido et Miriam Tölke, photogrammes de Gregor Törzs et Rachel Thomson, gravures photopolymères de Chantal Elisabeth Ariëns ou impressions platine-palladium époustouflantes de Jeffrey Conley et Flor Garduño. Mais l'exposition présente également de nouvelles techniques d'impression innovantes qui allient le savoir historique à une approche ludique et expérimentale : parmi elles, les lithographies d'images historiques sur toile de glacier usagée de Douglas Mandry, les impressions pigmentaires sur papier Gampi sur feuille d'or d'Albarrán Cabrera ou les monotypes de Joost Vanderbrug, obtenus par transfert d'émulsion photographique sur papier.

L'exposition de groupe dans la Bildhalle est accompagnée d'une présentation individuelle de Margaret Lansink dans le showroom. L'artiste hollandaise est lauréate du prestigieux "Hariban Award", qui récompense des réalisations et des compétences particulières dans l'art de l'impression.

Tutti i 16 artisti hanno una conoscenza approfondita delle tecniche di stampa e dei processi fotografici che risalgono all'inizio del XIX secolo. La loro abilità artigianale, la particolare cura nella scelta della carta e l'alta qualità delle stampe vanno oltre l'aspetto tecnico: conferiscono alle opere una qualità aptica e sensuale. La stampa fotografica non è più solo un'immagine di una sezione catturata del mondo che ci circonda; cambia, perfeziona o nobilita l'ordinario e diventa parte del valore artistico.

Lo spettro comprende le prime tecniche del XIX secolo: I cianotipi dell'artista giapponese Mika Horie, le stampe Chine-collé su due carte diverse di Paul Cupido e Miriam Tölke, i fotogrammi di Gregor Törzs e Rachel Thomson, le incisioni ai fotopolimeri di Chantal Elisabeth Ariëns o le straordinarie stampe al platino-palladio di Jeffrey Conley e Flor Garduño. Ma la mostra presenta anche tecniche di stampa nuove e innovative che combinano la conoscenza storica con un approccio ludico e sperimentale: tra queste le litografie di Douglas Mandry con immagini storiche su tela di ghiacciaio usata, le stampe a pigmenti su carta gampi con foglia d'oro di Albarrán Cabrera o i monotipi di Joost Vanderbrug, creati trasferendo l'emulsione fotografica sulla carta.

La mostra collettiva nella Bildhalle è accompagnata da una presentazione personale di Margaret Lansink nello showroom. L'artista olandese è la vincitrice dell'importante "Hariban Award", che premia i risultati e le abilità speciali nell'arte della stampa.

All 16 exhibited artists have an in-depth knowledge of printing techniques and photographic processes dating back to the early 19th century. Their craftsmanship, the special care they take in selecting the paper, and the high quality of the prints go beyond the technical aspect: they give the works a haptic and sensual quality. The photographic print is no longer just an image of a captured section of the world around us; it changes and refines the ordinary and becomes part of the artistic value.

The spectrum includes early techniques from the 19th century: cyanotypes by the Japanese artist Mika Horie, chine-collé prints on two different papers by Paul Cupido and Miriam Tölke,

photograms by Gregor Törzs and Rachel Thomson, photopolymer etchings by Chantal Elisabeth Ariëns, and breathtaking platinum palladium prints by Jeffrey Conley and Flor Garduño.

The exhibition also features new, innovative printing techniques that combine historical knowledge with a playful, experimental approach, including lithographs of historical images on used glacier protection textile by Douglas Mandry, pigment prints on gampi paper over gold leaf by Albarrán Cabrera, and Joost Vanderbrug’s monotypes created by transferring photo emulsion to paper.

The group exhibition at Bildhalle is accompanied by a solo presentation of Margaret Lansink in the showroom. The Dutch artist is the winner of the prestigious “Hariban Award”, which honors special achievements and skills in the art of printing.

(Text: Bildhalle, Zürich+Amsterdam)

Bildhalle | Zürich
24. November 2023 – 24. Februar 2024

Friction
Margaret Lansink

Die Ausstellung Friction eröffnet uns das Universum der holländischen Künstlerin, das durch eine emotionale und zugleich minimalistische Bildsprache geprägt wird. Lansink beherrscht den Umgang mit verschiedenen analogen Drucktechniken meisterhaft und wurde dafür 2019 mit dem prestigeträchtigen japanischen «Hariban Award» ausgezeichnet.

Ihre neuste Serie Friction thematisiert die unaufhaltsamen Veränderungen und die Unbeständigkeit, die jedem Leben innewohnen. In jeder Unvollkommenheit steckt Schönheit; das möchte uns die Künstlerin mit ihrer Arbeit vermitteln.

Sie hat dazu professionelle Balletttänzerinnen fotografiert, die im Alter von 35 Jahren bereits in den Ruhestand treten müssen. Den Bewegungsstudien der erfahrenen Tänzerinnen stellt sie Fotografien aus dem Death Valley gegenüber, einer über Millionen von Jahren entstandenen Landschaft.

Die gleichzeitige Eröffnung von Margaret Lansinks Einzelpräsentation im Showroom und der Gruppenausstellung Coming to Light in der Bildhalle ist nicht zufällig gewählt: Die Drucktechnik, die Wahl des Papiers und ein tiefes Verständnis für die Bedeutung des Handwerks prägen die Werke aller Künstler:innen inhaltlich und atmosphärisch. Die Art und Weise, wie geprintet wird, ist weniger eine technische Entscheidung, sondern vielmehr zentraler Bestandteil des Kunstwerks.

L'exposition Friction nous ouvre l'univers de l'artiste hollandais, caractérisé par un langage visuel à la fois émotionnel et minimaliste. Lansink maîtrise avec brio l'utilisation de différentes techniques d'impression analogiques, ce qui lui a valu de recevoir le prestigieux prix japonais "Hariban Award" en 2019.

Sa dernière série, Friction, a pour thème les changements inéluctables et l'instabilité inhérents à toute vie. Toute imperfection recèle de la beauté ; c'est ce que l'artiste souhaite nous transmettre par son travail.

Pour ce faire, elle a photographié des danseuses de ballet professionnelles qui, à l'âge de 35 ans, doivent déjà prendre leur retraite. Aux études de mouvements de ces danseuses expérimentées, elle oppose des photographies de la Death Valley, un paysage qui s'est formé au cours de millions d'années.

L'ouverture simultanée de la présentation individuelle de Margaret Lansink dans le showroom et de l'exposition de groupe Coming to Light dans la Bildhalle n'a pas été choisie au hasard : La technique d'impression, le choix du papier et une profonde compréhension de l'importance de l'artisanat marquent les œuvres de tous les artistes, tant au niveau du contenu que de l'atmosphère. La manière dont l'impression est réalisée est moins une décision technique qu'un élément central de l'œuvre d'art.

La mostra Friction apre l'universo dell'artista olandese, caratterizzato da un linguaggio visivo emozionale e allo stesso tempo minimalista. Lansink padroneggia l'uso di varie tecniche di stampa analogica e nel 2019 ha ricevuto il prestigioso premio giapponese "Hariban Award".

La sua ultima serie, Friction, affronta gli inesorabili cambiamenti e l'impermanenza insiti in tutta la vita. C'è bellezza in ogni imperfezione: è questo che l'artista vuole trasmetterci con il suo lavoro.

Ha fotografato ballerini professionisti che devono ritirarsi all'età di 35 anni. L'artista accosta gli studi sul movimento di questi ballerini esperti alle fotografie della Valle della Morte, un paesaggio che si è evoluto nel corso di milioni di anni.

L'apertura simultanea della presentazione personale di Margaret Lansink nella Showroom e della mostra collettiva Coming to Light nella Bildhalle non è casuale: La tecnica di stampa, la scelta della carta e la profonda comprensione dell'importanza del mestiere modellano le opere di tutti gli artisti in termini di contenuto e atmosfera. Il modo in cui viene eseguita la stampa non è tanto una decisione tecnica quanto una componente centrale dell'opera d'arte.

In this exhibition, the artist combines her latest series Friction with previous works, creating a visual universe that illustrates her masterful handling of varied techniques like platinum palladium prints, collages, liquid light prints and works with gold leaf and charcoal.

Friction embraces the unavoidable changes and impermanence of life as such. Accepting that life is not perfect, that there is beauty in imperfection and to embrace the concept that in all of life’s challenges, beauty is to be found. The artist portrayed professional ballet dancers who had to retire at the age of 35 and connected them to pictures of Death Valley in California emblematic for its timeless beauty.

Lansink’s work is created around a strong signature of aesthetic, poetic and minimalistic images yet able to convey a powerful emotional message. Substantiated by her intuitive photography; creating imagery that presents an open and honest reflection of her own emotions, doubts, or struggles in life.

In this way, she gently invites the viewer to embark on a journey through his/her own intricate web of memories and emotions.

Thematically, there is a strong connection between Margaret Lansinks solo presentation in the Showroom and the group exhibition Coming to Light at Bildhalle: the print techniques, the choice of paper and a deep understanding of craftsmanship influence the works of all artists in terms of content and atmosphere. The way they print is not just a technical approach, but rather a part of the artwork itself.

Margaret Lansink, winner of the “Hariban award” 2019, participated in exhibitions, residencies, and competitions in The Netherlands and abroad, including the USA, France, Japan, and Georgia. She has published eight books (four of them handmade by herself). “The Kindness of One” has been awarded with Best Dutch Book Designs 2019 and is part of the collection of the Stedelijk Museum Amsterdam. This book and the book “Borders of Nothingness – On the Mend” are part of the collection of Victoria and Albert Museum in London.

(Text: Bildhalle, Zürich+Amsterdam)

Galerie im Tempelhof | Berlin
24. November 2023 – 21. Januar 2024

Dimensionen
Daniel Hölzl, Andreas von Ow, Sinta Werner, Andrea Wilmsen

Daniel Hölzl, Andreas von Ow, Sinta Werner und Andrea Wilmsen teilen ein Interesse an der Vielfalt der Wahrnehmung von Raum und Zeit. Mittels Fotografie, Malerei, Arbeiten auf Glas oder installativen Werken reflektieren sie über das Sehen, Spüren und Erleben von Welt. Letzteres ist von vielen Faktoren geprägt: von der Art, wie das menschliche Auge funktioniert, von eingeübten Bewegungsabläufen, vom Einfluss analoger wie digitaler Bilder, von Zeitempfinden, Erinnerungen und vielem mehr. Indem die Kunstschaffenden diese vielfältigen Aspekte aufgreifen und verfremden, lassen sie über gewohnte Muster der Wahrnehmung nachdenken.

Andrea Wilmsen fokussiert mit ihrer Werkserie B.ODE auf selten beachtete Raumausschnitte im musealen Kontext. Heizkörper, Temperaturfühler und Gewölbeteile geraten in den Vordergrund und stellen heraus, inwiefern die Erfahrung von Raum mit dem jeweiligen Umfeld zusammenhängt. Sinta Werner beschäftigt sich mit grundlegenden Parametern des menschlichen Sehapparates: Mittels Spiegelungen, Verschiebungen und Verdoppelungen macht die Künstlerin deutlich, dass das Sehen bei aller Komplexität auch einfachen – und ebenso einfach zu täuschenden – geometrischen Grundsätzen unterliegt. Andreas von Ow geht in seiner Arbeit der Möglichkeit nach, dem Erleben konkreter Orte eine materielle Form vermittels Farbe zu geben. Dazu werden beispielsweise ortsspezifische Farbstoffe – etwa Blüten, Beeren oder Staubpartikel – über einen längeren Zeitraum gesammelt und verarbeitet. Von Ows Arbeiten werden damit zu feinteiligen Speichern von Erlebnissen. Daniel Hölzl untersucht weitere, auch technische Rahmenbedingungen für die Erfahrung von Raum und Zeit. Seine Installation bezieht sich auf das Tempelhofer Flugfeld und die (Luft-)Fahrzeuge, die dessen Geschichte prägen. Schnelligkeit, Leichtigkeit, Schwere, Trägheit, Zeit und Bewegung: Diese Aspekte werden gleichermaßen aufgerufen und zueinander ins Verhältnis gesetzt.

Wie kann man dem Empfinden von Zeit und Raum eine materielle Form verleihen? Dieser Prozess der Übersetzung ist eines der wesentlichen Anliegen der ausstellenden Künstler_innen. Dabei wird mit jeder Suche nach möglichen Ausdrucksformen eine neue Perspektive auf die Komplexität und Mannigfaltigkeit menschlicher Wahrnehmung eröffnet.

Die Ausstellung wurde von Diana Thun kuratiert.

Daniel Hölzl, Andreas von Ow, Sinta Werner et Andrea Wilmsen partagent un intérêt pour la diversité de la perception de l'espace et du temps. Par le biais de la photographie, de la peinture, de travaux sur verre ou d'œuvres installatives, ils réfléchissent à la manière de voir, de ressentir et de vivre le monde. Cette dernière est marquée par de nombreux facteurs : la manière dont l'œil humain fonctionne, les mouvements habituels, l'influence des visuels analogiques et numériques, la perception du temps, les souvenirs et bien d'autres choses encore. En reprenant et en détournant ces multiples aspects, les artistes font réfléchir sur les modèles habituels de perception.

Avec sa série d'œuvres B.ODE, Andrea Wilmsen se concentre sur des fragments d'espace rarement pris en compte dans le contexte muséal. Des radiateurs, des capteurs de température et des éléments de voûte sont mis en avant et transmettent la manière dont l'expérience de l'espace est liée à l'environnement. Sinta Werner s'intéresse aux paramètres fondamentaux de l'appareil visuel humain : à l'aide de reflets, de décalages et de dédoublements, l'artiste montre clairement que la vision, malgré toute sa complexité, est également soumise à des principes géométriques simples - et tout aussi faciles à tromper. Dans son travail, Andreas von Ow explore la possibilité de donner une forme matérielle à l'expérience de lieux concrets par le biais de la couleur. Pour ce faire, il collecte et traite sur une longue période des substances colorées spécifiques au lieu, telles que des fleurs, des baies ou des particules de poussière. Les travaux de Von Ow deviennent ainsi de fines mémoires d'expériences. Daniel Hölzl étudie d'autres conditions cadres, notamment techniques, pour l'expérience de l'espace et du temps. Son installation se réfère à l'aérodrome de Tempelhof et aux véhicules (aériens) qui ont marqué son histoire. Vitesse, légèreté, lourdeur, inertie, temps et mouvement : Ces aspects sont convoqués de la même manière et mis en relation les uns avec les autres.

Comment peut-on donner une forme matérielle à la perception du temps et de l'espace ? Ce processus de traduction est l'une des préoccupations essentielles des artistes qui exposent. Ce faisant, chaque recherche de formes d'expression possibles ouvre une nouvelle perspective sur la complexité et la diversité de la perception humaine.

L'exposition a été organisée par Diana Thun.

Daniel Hölzl, Andreas von Ow, Sinta Werner e Andrea Wilmsen condividono l'interesse per la diversità della percezione dello spazio e del tempo. Attraverso la fotografia, la pittura, le opere su vetro e le installazioni, riflettono sul vedere, percepire e sperimentare il mondo. Quest'ultima è plasmata da molti fattori: il funzionamento dell'occhio umano, le sequenze di movimento praticate, l'influenza delle immagini analogiche e digitali, la percezione del tempo, i ricordi e molto altro ancora. Riprendendo e alienando questi diversi aspetti, gli artisti ci fanno riflettere su schemi di percezione familiari.

La serie di opere B.ODE di Andrea Wilmsen si concentra su sezioni di stanze raramente notate in un contesto museale. Radiatori, sensori di temperatura e parti di caveau vengono alla ribalta e sottolineano quanto l'esperienza dello spazio sia legata all'ambiente circostante. Sinta Werner affronta i parametri fondamentali dell'apparato visivo umano: attraverso riflessi, spostamenti e raddoppi, l'artista chiarisce che la visione, per quanto complessa, è anche soggetta a principi geometrici semplici e altrettanto facili da ingannare. Nel suo lavoro, Andreas von Ow esplora la possibilità di dare forma materiale all'esperienza di luoghi concreti attraverso il colore. A tal fine, vengono raccolti e lavorati per un lungo periodo di tempo coloranti specifici per il luogo, come fiori, bacche o particelle di polvere. Le opere di Von Ow diventano così memorie di esperienze a grana fine. Daniel Hölzl indaga ulteriori condizioni quadro, anche tecniche, per l'esperienza dello spazio e del tempo. La sua installazione fa riferimento al campo d'aviazione di Tempelhof e ai veicoli (aerei) che ne caratterizzano la storia. Velocità, leggerezza, pesantezza, inerzia, tempo e movimento: Questi aspetti sono ugualmente invocati e messi in relazione tra loro.

Come dare forma materiale alla percezione del tempo e dello spazio? Questo processo di traduzione è una delle principali preoccupazioni degli artisti che espongono. Ogni ricerca di possibili forme di espressione apre una nuova prospettiva sulla complessità e sulla diversità della percezione umana.

La mostra è stata curata da Diana Thun.

Daniel Hölzl, Andreas von Ow, Sinta Werner and Andrea Wilmsen share an interest in the diversity of perception of space and time. Through photography, painting, works on glass and installations, they reflect on seeing, sensing and experiencing the world. The latter is shaped by many factors: the way the human eye works, practised movements, the influence of analog and digital visuals, the perception of time, memories and much more. By taking up and alienating these diverse aspects, the artists make us think about habitual patterns of perception.

Andrea Wilmsen's series of works B.ODE focuses on rarely noticed sections of rooms in a museum context. Radiators, temperature sensors and vault parts come to the fore and highlight the extent to which the experience of space is connected to the respective surroundings. Sinta Werner deals with the basic parameters of the human visual apparatus: by means of reflections, shifts and doublings, the artist makes it clear that vision, for all its complexity, is also subject to simple - and equally easy to deceive - geometric principles. In his work, Andreas von Ow explores the possibility of giving the experience of concrete places a material form by means of color. For example, site-specific dyes - such as flowers, berries or dust particles - are collected and processed over a longer period of time. Von Ow's works thus become fine-grained memories of experiences. Daniel Hölzl investigates further, also technical, framework conditions for the experience of space and time. His installation refers to the Tempelhof airfield and the (air) vehicles that characterize its history. Speed, lightness, heaviness, inertia, time and movement: These aspects are equally invoked and placed in relation to each other.

How can the perception of time and space be given a material form? This process of translation is one of the main concerns of the exhibiting artists. Each search for possible forms of expression opens up a new perspective on the complexity and diversity of human perception.

The exhibition was curated by Diana Thun.

(Text: Haus am Kleistpark, Berlin)

Museum fünf Kontinente | München
24. November 2023 – 5. Mai 2024

Witches in Exile. Fotografien Ann-Christine Woehrl
Installation Senam Okudzeto

Immer wieder werden Menschen von Gemeinschaften für ein vermeintliches Gemeinwohl stigmatisiert und ausgegrenzt. Am Beispiel der abgeschiedenen Northern Region im Norden Ghanas widmet sich diese Ausstellung dem Glauben an Hexerei, der vornehmlich Frauen zu Sündenböcken werden lässt. Solche Vorstellungen existieren in vielen Weltregionen und beschränken sich keineswegs auf ländliche oder bildungsbenachteiligte Kreise. Noch heute finden in mehr als 40 Ländern Hexenverfolgungen statt.

Auf einer gemeinsamen Reise durch Ghana bis Burkina Faso im Jahr 2005 setzten sich die Künstlerinnen Ann-Christine Woehrl und Senam Okudzeto mit der zeitgenössischen Hexenverfolgung auseinander.

Im Mittelpunkt von Witches in Exile stehen Frauen, die der Hexerei bezichtigt wurden. Neid und Missgunst sowie der Vorwurf, für Krankheiten, Todesfälle, Dürren und andere Katastrophen verantwortlich zu sein, haben diese Frauen zu geächteten Außenseiterinnen gemacht. Oft in Todesgefahr, wurden sie in sogenannte »witch camps« exiliert. Diese Lager, von denen es in Ghana heute acht gibt, befinden sich in sehr abgelegenen Gebieten, weit entfernt von der Hauptstadt Accra. Aus diesem Grund waren sich nur wenige Menschen zur damaligen Zeit in Ghana ihrer Existenz bewusst. Ann-Christine Woehrl zeigt diese Frauen in einer eindringlichen konzeptionellen Porträtserie in ihrer ganzen Würde und Verletzlichkeit – und mit all ihrem Stolz.
Den allgemeineren Kontext der Hexendörfer und der Porträts illustriert Senam Okudzeto in einer Multimedia-Installation – bestehend aus Fotografien aus dem erweiterten Archiv von Ann-Christine Woehrl sowie aus ihren eigenen Fotos, Zeichnungen und Malereien, die speziell für diese Ausstellung angefertigt wurden. Senam Okudzeto erzählt von der gemeinsamen Reise durch Ghana in die Northern Region, wo sie und Ann-Christine Woehrl zwei sehr unterschiedliche »witch camps« besucht haben – Kukuo und Gambaga. Die Arbeiten von Okudzeto und Woehrl veranschaulichen das soziale und wirtschaftliche Gefälle, welches zum damaligen Zeitpunkt zwischen den vom Volta-Stausee abgeschnittenen nördlichen Gebieten und dem sich rasch entwickelnden Zentrum Ghanas sowie seinen Küstenregionen mit seiner Hauptstadt Accra bestand. Dadurch wird versucht, die Porträtserie, die zwischen 2009 und 2013 in den Dörfern Gambaga und Gushiegu entstanden ist, in einen komplexeren geografischen, zeitlichen, sozialen, politischen, religiösen und auch wirtschaftlichen Kontext einzubetten.

Das Museum Fünf Kontinente nimmt die aktuell politische Brisanz des Themas in Ghana und den dortigen kritischen Diskurs über Hexenverfolgung und die Schließung der Hexendörfer zum Anlass, Witches in Exile zum jetzigen Zeitpunkt zu zeigen. Die ghanaische Historikerin Gertrude Nkrumah widmet sich hierfür den soziopolitischen Fragen der aktuellen Debatte.

Des personnes sont régulièrement stigmatisées et exclues par des communautés pour un prétendu bien commun. En prenant l'exemple de la région isolée du Nord du Ghana, cette exposition est consacrée à la croyance en la sorcellerie, qui fait des femmes les boucs émissaires privilégiés. De telles croyances existent dans de nombreuses régions du monde et ne se limitent en aucun cas aux milieux ruraux ou défavorisés en matière d'éducation. Aujourd'hui encore, des chasses aux sorcières ont lieu dans plus de 40 pays.

Lors d'un voyage commun à travers le Ghana et le Burkina Faso en 2005, les artistes Ann-Christine Woehrl et Senam Okudzeto se sont penchées sur la chasse aux sorcières contemporaine.

Les femmes accusées de sorcellerie sont au centre de Witches in Exile. La jalousie et l'envie, ainsi que l'accusation d'être responsables de maladies, de décès, de sécheresses et d'autres catastrophes, ont fait de ces femmes des marginales mises au ban de la société. Souvent en danger de mort, elles ont été exilées dans des camps dits "witch". Ces camps, dont il existe aujourd'hui huit au Ghana, se trouvent dans des régions très reculées, loin de la capitale Accra. Pour cette raison, peu de personnes étaient conscientes de leur existence à l'époque au Ghana. Ann-Christine Woehrl montre ces femmes dans toute leur dignité et leur vulnérabilité - et avec toute leur fierté - dans une série de portraits conceptuels saisissants.

Le contexte plus général des villages de sorcières et des portraits est illustré par Senam Okudzeto dans une installation multimédia - composée de photographies issues des archives élargies d'Ann-Christine Woehrl ainsi que de ses propres photos, dessins et peintures, réalisés spécialement pour cette exposition. Senam Okudzeto raconte leur voyage commun à travers le Ghana, dans la région du Nord, où Ann-Christine Woehrl et elle-même ont visité deux "witch camps" très différents - Kukuo et Gambaga. Les travaux d'Okudzeto et de Woehrl illustrent les disparités sociales et économiques qui existaient à l'époque entre les régions septentrionales, coupées du barrage de la Volta, et le centre du Ghana, qui se développait rapidement, ainsi que ses régions côtières avec sa capitale Accra. L'exposition tente ainsi de replacer la série de portraits, réalisée entre 2009 et 2013 dans les villages de Gambaga et Gushiegu, dans un contexte géographique, temporel, social, politique, religieux et économique plus complexe.

Le Museum Fünf Kontinente saisit l'occasion de l'actualité politique brûlante de ce thème au Ghana et du discours critique qui y est tenu sur la chasse aux sorcières et la fermeture des villages de sorcières pour montrer Witches in Exile à ce moment précis. L'historienne ghanéenne Gertrude Nkrumah se consacre pour cela aux questions sociopolitiques du débat actuel.

Ogni volta le comunità stigmatizzano ed emarginano le persone per un presunto bene comune. Utilizzando l'esempio della remota Regione del Nord, nel Ghana settentrionale, questa mostra è dedicata alla credenza nella stregoneria, che fa principalmente delle donne dei capri espiatori. Tali credenze esistono in molte regioni del mondo e non sono affatto limitate agli ambienti rurali o svantaggiati dal punto di vista dell'istruzione. Ancora oggi, la caccia alle streghe ha luogo in più di 40 Paesi.

Nel 2005, durante un viaggio congiunto attraverso il Ghana e il Burkina Faso, gli artisti Ann-Christine Woehrl e Senam Okudzeto si sono occupati della caccia alle streghe contemporanea.

Witches in Exile si concentra sulle donne accusate di stregoneria. L'invidia e il risentimento, così come le accuse di essere responsabili di malattie, morti, siccità e altri disastri, hanno trasformato queste donne in emarginate ostracizzate. Spesso in pericolo di vita, venivano esiliate nei cosiddetti "campi delle streghe". Questi campi, che oggi sono otto in Ghana, sono situati in aree molto remote, lontano dalla capitale Accra. Per questo motivo, all'epoca poche persone in Ghana erano a conoscenza della loro esistenza. Ann-Christine Woehrl mostra queste donne, in una serie di ritratti concettuali, in tutta la loro dignità e vulnerabilità - e con tutto il loro orgoglio.

Il contesto più ampio dei villaggi delle streghe e dei ritratti è illustrato da Senam Okudzeto in un'installazione multimediale - composta da fotografie provenienti dall'ampio archivio di Ann-Christine Woehrl e da fotografie, disegni e dipinti realizzati appositamente per questa mostra. Senam Okudzeto racconta il loro viaggio comune attraverso il Ghana nella Regione del Nord, dove lei e Ann-Christine Woehrl hanno visitato due "campi di streghe" molto diversi tra loro: Kukuo e Gambaga. Le opere di Okudzeto e Woehrl illustrano la disparità sociale ed economica che esisteva all'epoca tra le aree settentrionali isolate dal bacino idrico del Volta e il centro del Ghana in rapido sviluppo e le sue regioni costiere con la capitale Accra. In questo modo si cerca di collocare la serie di ritratti, realizzati tra il 2009 e il 2013 nei villaggi di Gambaga e Gushiegu, in un contesto geografico, temporale, sociale, politico, religioso e anche economico più complesso.

Il Museum Fünf Kontinente coglie l'attuale esplosività politica del tema in Ghana e il discorso critico sulla caccia alle streghe e sulla chiusura dei villaggi delle streghe come un'opportunità per mostrare Streghe in Esilio in questo momento. La storica ghanese Gertrude Nkrumah affronta le questioni socio-politiche del dibattito attuale.

Again and again, people are stigmatized and marginalized by communities for a supposed common good. Using the isolated Northern Region in northern Ghana as an example, this exhibition is dedicated to the belief in witchcraft, which primarily makes women scapegoats. Such beliefs exist in many regions of the world and are by no means limited to rural or educationally disadvantaged circles. Even today, witch hunts take place in more than 40 countries.

On a joint journey through Ghana to Burkina Faso in 2005, the artists Ann-Christine Woehrl and Senam Okudzeto dealt with contemporary witch hunts.

Witches in Exile focuses on women who have been accused of witchcraft. Envy and resentment, as well as accusations of being responsible for disease, deaths, droughts, and other disasters, turned these women into ostracized outsiders. Often in danger of death, they were exiled to so-called "witch camps." These camps, of which there are eight in Ghana today, are located in very remote areas, far from the capital Accra. For this reason, few people in Ghana at the time were aware of their existence. Ann-Christine Woehrl shows these women in a haunting conceptual portrait series in all their dignity and vulnerability - and with all their pride.

Senam Okudzeto illustrates the broader context of the witch villages and the portraits in a multimedia installation - consisting of photographs from Ann-Christine Woehrl's extended archive as well as her own photographs, drawings and paintings made especially for this exhibition. Senam Okudzeto talks about their joint journey through Ghana to the Northern Region, where she and Ann-Christine Woehrl visited two very different "witch camps" - Kukuo and Gambaga. Okudzeto and Woehrl's work illustrates the social and economic disparity that existed at the time between the northern areas cut off by the Volta Reservoir and the rapidly developing center of Ghana and its coastal regions with its capital, Accra. This attempts to place the series of portraits, made between 2009 and 2013 in the villages of Gambaga and Gushiegu, in a more complex geographical, temporal, social, political, religious and also economic context.

Museum Five Continents takes the current political explosiveness of the topic in Ghana and the critical discourse there about witch hunts and the closure of witch villages as an opportunity to show Witches in Exile at this time. The Ghanaian historian Gertrude Nkrumah addresses the socio-political questions of the current debate.

(Text: Museum fünf Kontinente, München)

Christophe Guye Galerie | Zürich
23. November – 9. Dezember 2023

Winter Interlude
Edward Burtynsky, Simen Johan, Rinko Kawauchi, Jung Lee, Jules Spinatsch, Risaku Suzuki

Die Christophe Guye Galerie lädt Sie ein, in die faszinierende Welt von "Winter Interlude" einzutauchen, einer Gruppenausstellung in der Galerie, die eine einzigartige Auswahl von Werken präsentiert, die auf diese herrliche Jahreszeit abgestimmt ist.

Zu sehen ist u.a. ein Werk aus der Serie "White" von Risaku Suzuki (Japan), das noch nie zuvor in der Galerie gezeigt wurde und 2022 in seinem Buch mit dem Titel "Winter to Spring" neu veröffentlicht wurde. Ausserdem wird Suzukis einmaliges Quadriptychon aus der gleichen Serie ausgestellt sein. Zwei Werke aus der Serie "Search for the sun" von Rinko Kawauchi (Japan), die in Österreich für ihre Ausstellung im Kunsthaus Wien aufgenommen wurden, werden ebenfalls zu sehen sein. Zu den Motiven dieser Serie gehören die Gletscher der Alpen sowie eine Kalksteinhöhle tief unter der Erde. Ebenfalls zu sehen sind zwei grossformatige Arbeiten – zum einen ein Werk von Edward Burtynsky (Kanada), das einen Kohlezug in Wyoming, USA, aus der Vogelperspektive zeigt und damit die schreckliche Schönheit industrieller Eingriffe in die Natur zum Ausdruck bringt. Zum anderen ein Werk von Simen Johan (Norwegen), das gefrorene Karibus zeigt und die klassische Unterscheidung zwischen Realität und Fiktion, die für fotografische Manipulationen typisch ist, aufhebt.

La galerie Christophe Guye vous invite à vous plonger dans l'univers fascinant de "Winter Interlude", une exposition collective à la galerie qui présente une sélection unique d'œuvres adaptées à cette magnifique saison.

On y verra notamment une œuvre de la série "White" de Risaku Suzuki (Japon), qui n'avait jamais été présentée à la galerie auparavant et qui a été republiée en 2022 dans son livre intitulé "Winter to Spring". En outre, le quadriptyque unique de Suzuki, issu de la même série, sera exposé. Deux œuvres de la série "Search for the sun" de Rinko Kawauchi (Japon), prises en Autriche pour son exposition au Kunsthaus Wien, seront également exposées. Parmi les motifs de cette série figurent les glaciers des Alpes ainsi qu'une grotte de calcaire profondément enfouie sous terre. Deux œuvres de grand format seront également exposées : l'une d'Edward Burtynsky (Canada), qui montre un train de charbon dans le Wyoming, aux États-Unis, vu du ciel, exprimant ainsi la terrible beauté des interventions industrielles dans la nature. D'autre part, une œuvre de Simen Johan (Norvège), qui montre des caribous gelés et abolit la distinction classique entre réalité et fiction, typique des manipulations photographiques.

La Christophe Guye Galerie vi invita a immergervi nell'affascinante mondo di "Winter Interlude", una mostra collettiva della galleria che presenta una selezione unica di opere in sintonia con questa meravigliosa stagione.

Sarà esposta un'opera della serie "White" di Risaku Suzuki (Giappone), mai esposta prima in galleria e ripubblicata nel 2022 nel suo libro "Winter to Spring". Sarà esposto anche l'esclusivo trittico di Suzuki della stessa serie. Saranno esposte anche due opere della serie "Search for the sun" di Rinko Kawauchi (Giappone), fotografate in Austria per la sua mostra alla Kunsthaus Wien. I motivi di questa serie includono i ghiacciai delle Alpi e una grotta calcarea nel sottosuolo. In mostra anche due opere di grande formato: una di Edward Burtynsky (Canada), che mostra una veduta a volo d'uccello di un treno a carbone nel Wyoming, Stati Uniti, esprimendo così la terribile bellezza degli interventi industriali nella natura. Dall'altro lato, un'opera di Simen Johan (Norvegia), che mostra caribù congelati e abolisce la classica distinzione tra realtà e finzione tipica delle manipolazioni fotografiche.

Christophe Guye Galerie invites you to immerse yourself in the fascinating world of "Winter Interlude", a group exhibition at the gallery that presents a unique selection of works attuned to this glorious season.

On display will be, among others, a work from the series "White" by Risaku Suzuki (Japan), which has never been shown at the gallery before and was republished in 2022 in his book entitled "Winter to Spring". Suzuki's unique quadriptych from the same series will also be on display. Two works from the series "Search for the sun" by Rinko Kawauchi (Japan), which were photographed in Austria for her exhibition at Kunsthaus Wien, will also be on display. The motifs in this series include the glaciers of the Alps and a limestone cave deep underground. Also on display are two large-format works - one by Edward Burtynsky (Canada), which shows a bird's eye view of a coal train in Wyoming, USA, and thus expresses the terrible beauty of industrial interventions in nature. On the other hand, a work by Simen Johan (Norway), which shows frozen caribou and abolishes the classic distinction between reality and fiction that is typical of photographic manipulations.

(Text: Christophe Guye Galerie, Zürich)

Stadthaus Ulm
23. November 2023 – 11. Februar 2024

Proof of Work
Danny Franzreb

Mit der Blockchain haben Menschen eine neue Infrastruktur zur Übertragung von Informationen geschaffen - und damit die Basis für Kryptowährungen wie den Bitcoin. Wie das System funktioniert, verstehen nur Eingeweihte. Um Licht in das Dunkel zu bringen, machte sich Danny Franzreb auf eine einjährige Reise zu Minern, Investoren und Glücksrittern auf. Er traf kleine Keller-Schürfer, entdeckte industrielle Mining-Farmen und stand vor Industrieruinen in Russland, und er sah die ersten High-Tech Fabriken mit nachhaltiger Produktion in Schweden.

Danny Franzreb setzt sich in seinen Arbeiten mit den transformativen Auswirkungen der modernen Gesellschaft auseinander. Als Fotograf wurde er unter anderem für seine Serie Benidorm mit dem IPA in Gold und mit dem Emerging Photography Award ausgezeichnet. Als Creative Director hat er lange mit Weltmarken zusammengearbeitet. Heute ist er Professor für Design an der Hochschule Neu-Ulm. Sein Fotobuch "Proof of Work" zur selben Fotoserie ist für den Deutschen Fotobuchpreis 2023/24 nominiert.

Projektleitung: Karla Nieraad

Avec la blockchain, les hommes ont créé une nouvelle infrastructure pour la transmission d'informations - et donc la base des cryptomonnaies comme le bitcoin. Seuls les initiés comprennent le fonctionnement de ce système. Pour faire la lumière sur ce sujet, Danny Franzreb a entrepris un voyage d'un an à la rencontre de mineurs, d'investisseurs et de chanceux. Il a rencontré de petits mineurs de sous-sol, découvert des fermes minières industrielles et s'est retrouvé devant des ruines industrielles en Russie, et il a vu les premières usines high-tech avec une production durable en Suède.

Dans son travail, Danny Franzreb se penche sur les effets transformateurs de la société moderne. En tant que photographe, il a notamment reçu l'IPA d'or et l'Emerging Photography Award pour sa série Benidorm. En tant que directeur de la création, il a longtemps collaboré avec des marques mondiales. Aujourd'hui, il est professeur de design à l'université de Neu-Ulm. Son livre de photos "Proof of Work" sur la même série de photos est nominé pour le Prix allemand du livre de photos 2023/24.

Direction du projet : Karla Nieraad

Con la blockchain è stata creata una nuova infrastruttura per il trasferimento di informazioni, che è alla base di criptovalute come il Bitcoin. Solo gli addetti ai lavori sanno come funziona il sistema. Per fare luce sull'argomento, Danny Franzreb ha intrapreso un viaggio di un anno per incontrare minatori, investitori e cacciatori di fortuna. Ha incontrato piccoli minatori in cantina, ha scoperto fattorie minerarie industriali e si è trovato di fronte a rovine industriali in Russia, e ha visto le prime fabbriche high-tech con produzione sostenibile in Svezia.

Nel suo lavoro, Danny Franzreb esplora gli effetti di trasformazione della società moderna. Come fotografo, è stato premiato, tra gli altri, con l'IPA in Gold e l'Emerging Photography Award per la serie Benidorm. Come direttore creativo, ha lavorato per molti anni con marchi globali. Oggi è professore di design all'Università di Scienze Applicate di Neu-Ulm. Il suo libro fotografico "Proof of Work" sulla stessa serie di foto è stato nominato per il German Photo Book Award 2023/24.

Gestione del progetto: Karla Nieraad

With the blockchain, people have created a new infrastructure that could be used to transfer information - and thus the basis for cryptocurrencies like Bitcoin. But only insiders understand how the system works. To shed light on the darkness, Danny Franzreb embarked on a year-long journey to miners, investors and fortune seekers. He met basement prospectors, discovered industrial mining farms, and stood in front of industrial ruins in Russia, and he saw the first high-tech factories with sustainable production in Sweden.

Danny Franzreb explores the transformative effects of modern society in his work. As a photographer, he has been recognized for series like Benidorm with the IPA in Gold and the Emerging Photography Award, among others. As a creative director, he has collaborated extensively with global brands. Franzreb is a professor of design at Neu-Ulm University of Applied Sciences (HNU). His photo book "Proof of Work" is nominated for the "Deutscher Fotobuchpreis 2023/24" (German Photobook Prize).

Project management: Karla Nieraad

(Text: Stadthaus Ulm)

Kunsthalle Erfurt
19. November 2023 – 11. Februar 2024

In Deutschland
René Burri

Als René Burri (1933-2014) seine wohl bedeutendste, wenngleich bis heute oft unterschätzte, zusammenhängende Werkserie Die Deutschen in Zürich (1962) und in Paris (1963) erstmals als gleichnamiges Buch veröffentlichte, kollidierten seine Bildfindungen mit den Selbstbildern der beiden damaligen deutschen Staaten, dem demokratisch-freiheitlichen einerseits und dem antifaschistisch-sozialistischen andererseits. Entsprechend unterkühlt war die anfängliche Rezeption in der Heimat der Deutschen. Dabei ging es dem gebürtigen Schweizer nicht nur um eine Art fotografische Bestandsaufnahme Nachkriegsdeutschlands, sondern auch darum, sich selbst ein Bild vom Geburtsland seiner Mutter zu machen, so fremd und doch vertraut.

Er versuchte das offizielle Bild dieses Landes im Kalten Krieg, welches er durch seine Aufträge als MAGNUM-Fotograf ja auch mit prägte, mit persönlichen, differenzierteren Beobachtungen in Einklang zu bringen. Er ordnete und mischte seine ausgewählten Motive, stellte bewusst das eine neben das andere und kam so diesem geteilten Land und seinen Menschen erstaunlich nahe. Dabei rieb er sich aber oft am uniformierten und geschichtsvergessenen Auftreten in West wie in Ost. Das andere Deutschland, das Burri so liebte und bei jeder sich bietender Gelegenheit aufsuchte, lag weder hüben noch drüben, sondern am ehesten wohl in der Sprache, an den Wirkungsorten, im Schaffen und im Humanismus der Künstler, Dichter und Denker. Hier scheint er auch so etwas wie Seelenverwandtschaft gefunden zu haben.

Noch bis in die 1990er Jahre hinein hat der Schweizer, dessen Herz in Paris schlug und dessen Sehnsuchtsort wohl stets eher irgendwo am entfernten Horizont lag, für diese Serie in beiden Teilen des Nachbarlandes fotografiert. Dabei hat er Die Deutschen immer wieder um neue Motive erweitert. Dieses anhaltende Interesse am Land der Deutschen äußert sich auch in den Kompositionen seiner Fotografien, denn dabei werden die Bilder nicht selten radikal in zwei Hälften durchschnitten – vertikal, diagonal, horizontal. Unterteilt in oben und unten. Davor und dahinter. Ja, selbst nebeneinander stehende Bilder auf einem Negativstreifen verbindet er im finalen Abzug, wie beim bekannten Motiv vom Frankfurter Hauptbahnhof (1962), das sogar die deutsche Erstausgabe von Die Deutschen als Titelbild zierte. Burri war ein Virtuose in Sachen kreativer Perspektivensuche und bedeutungsgeladener Zeichensetzungen. Man erkennt in all seinen Fotografien ein tiefes Interesse an historischen und kulturellen Themen und Zusammenhängen sowie ein geübtes Auge für eben solche.

1998 wurde eine Auswahl der Arbeiten letztmalig in Deutschland gezeigt. Grund genug, Die Deutschen heute noch einmal neu zu betrachten und dabei Burris Deutschlandbild (auch) im Rückblick auf mittlerweile mehr als 75 Jahre Nachkriegs- und über 30 Jahre Nachwendezeit mit der Gegenwart abzugleichen. Die Frage, „Wer sind die Deutschen? “, ist aktueller denn je. In gewisser Weise ist jedoch der Begriff von „den Deutschen“ ähnlich reduziert, wie die einzelne Fotografie, die etwas über die Realität aussagen soll, was Bertolt Brecht mit Verweis auf die Krupp- oder AEG-Werke bekanntermaßen mal in Frage stellte. Brecht forderte stattdessen, „tatsächlich 'etwas aufzubauen', etwas 'Künstliches', etwas 'Gestelltes'“, das uns die Realität besser vermitteln kann. Und das hat René Burri mit seiner fotografischen Langzeitbeobachtung Deutschlands geschaffen: ein facettenreiches Bild über die gesellschaftlichen Bedingungen und menschlichen Beziehungen in Deutschland kurz vor und nach dem Mauerbau.

Lorsque René Burri (1933-2014) publia pour la première fois sous la forme d'un livre éponyme sa série d'œuvres cohérentes la plus importante, bien que souvent sous-estimée jusqu'à aujourd'hui, Die Deutschen in Zürich (1962) und in Paris (1963), ses trouvailles picturales se heurtaient aux images de soi des deux États allemands de l'époque, l'un démocratique et libre, l'autre antifasciste et socialiste. La réception initiale dans la patrie des Allemands a été d'autant plus froide. Il ne s'agissait pas seulement pour ce Suisse d'origine de dresser une sorte d'inventaire photographique de l'Allemagne d'après-guerre, mais aussi de se faire une idée du pays natal de sa mère, si étranger et pourtant si familier.

Il a tenté de concilier l'image officielle de ce pays en pleine guerre froide, qu'il a d'ailleurs contribué à façonner par ses commandes en tant que photographe de MAGNUM, avec des observations personnelles plus nuancées. Il a ordonné et mélangé les motifs qu'il avait choisis, a délibérément placé l'un à côté de l'autre et s'est ainsi étonnamment rapproché de ce pays divisé et de ses habitants. Ce faisant, il s'est souvent frotté à l'uniformité et à l'oubli de l'histoire, à l'Ouest comme à l'Est. L'autre Allemagne, que Burri aimait tant et qu'il visitait à chaque occasion, ne se trouvait ni d'un côté ni de l'autre, mais plutôt dans la langue, dans les lieux d'action, dans la création et l'humanisme des artistes, des poètes et des penseurs. C'est là qu'il semble avoir trouvé une sorte d'âme sœur.

Jusque dans les années 1990, le Suisse, dont le cœur battait à Paris et dont le lieu de prédilection se trouvait toujours quelque part à l'horizon, a photographié les deux parties du pays voisin pour cette série. Il n'a cessé d'ajouter de nouveaux motifs à Die Deutschen. Cet intérêt constant pour le pays des Allemands s'exprime également dans les compositions de ses photographies, car il n'est pas rare que les images soient radicalement coupées en deux - verticalement, en diagonale, horizontalement. Divisé en haut et en bas. Devant et derrière. Oui, il relie même des images juxtaposées sur une bande de négatif lors du tirage final, comme le célèbre motif de la gare centrale de Francfort (1962), qui a même fait la couverture de la première édition allemande de Die Deutschen. Burri était un virtuose de la recherche de perspectives créatives et de la mise en place de signes chargés de sens. On reconnaît dans toutes ses photographies un intérêt profond pour les thèmes et les contextes historiques et culturels ainsi qu'un œil exercé pour ces mêmes thèmes.

En 1998, une sélection de ses travaux a été présentée pour la dernière fois en Allemagne. C'est une raison suffisante pour reconsidérer Les Allemands aujourd'hui et comparer l'image de l'Allemagne de Burri avec le présent, en jetant un regard rétrospectif sur plus de 75 ans d'après-guerre et plus de 30 ans d'après-réunification. La question "Qui sont les Allemands ? ", est plus que jamais d'actualité. D'une certaine manière, le concept des "Allemands" est toutefois aussi réducteur que la photographie individuelle censée dire quelque chose sur la réalité, ce que Bertolt Brecht a notoirement remis en question un jour en faisant référence aux usines Krupp ou AEG. Au lieu de cela, Brecht demandait de "réellement 'construire' quelque chose, quelque chose d''artificiel', quelque chose de 'posé'", qui puisse mieux nous communiquer la réalité. Et c'est ce que René Burri a créé avec son observation photographique à long terme de l'Allemagne : un tableau aux multiples facettes sur les conditions sociales et les relations humaines en Allemagne juste avant et après la construction du mur.

Quando René Burri (1933-2014) pubblicò per la prima volta la sua serie coerente di opere probabilmente più importante, anche se spesso ancora sottovalutata, I tedeschi a Zurigo (1962) e a Parigi (1963) come libro omonimo, le sue invenzioni pittoriche si scontrarono con le immagini di sé dei due Stati tedeschi dell'epoca, quello democratico-liberale da un lato e quello antifascista-socialista dall'altro. L'accoglienza iniziale nella patria dei tedeschi fu di conseguenza fredda. Il fotografo di origine svizzera non era interessato solo a creare una sorta di inventario fotografico della Germania del dopoguerra, ma anche a formare la propria immagine del Paese natale di sua madre, così estraneo eppure familiare.

Ha cercato di armonizzare l'immagine ufficiale di questo Paese durante la Guerra Fredda, che ha contribuito a plasmare attraverso i suoi incarichi come fotografo di MAGNUM, con osservazioni personali e più sfumate. Organizza e mescola i motivi scelti, accostandoli deliberatamente l'uno all'altro, avvicinandosi così in modo sorprendente a questo Paese diviso e alla sua gente. In questo modo, però, spesso si scontrava con il comportamento uniforme e storicamente ignaro sia dell'Ovest che dell'Est. L'altra Germania, che Burri amava tanto e che visitava in ogni occasione, non era né qui né là, ma molto probabilmente nella lingua, nei luoghi di attività, nell'opera e nell'umanesimo degli artisti, dei poeti e dei pensatori. Qui sembra aver trovato anche qualcosa di simile a uno spirito affine.

Anche negli anni Novanta, il fotografo svizzero, il cui cuore batteva a Parigi e il cui luogo di nostalgia era probabilmente sempre da qualche parte all'orizzonte, ha fotografato in entrambe le parti del Paese vicino per questa serie. Nel corso di questo processo, ha ripetutamente aggiunto nuovi motivi a The Germans. Questo interesse duraturo per la terra dei tedeschi si esprime anche nelle composizioni delle sue fotografie, poiché le immagini sono spesso radicalmente tagliate a metà - verticalmente, diagonalmente, orizzontalmente. Divise in sopra e sotto. Davanti e dietro. Sì, ha persino combinato immagini adiacenti su una striscia negativa nella stampa finale, come nel noto motivo della Stazione Centrale di Francoforte (1962), che ha persino abbellito la copertina della prima edizione tedesca di Die Deutschen. Burri era un virtuoso quando si trattava di trovare prospettive creative e simbolismi significativi. In tutte le sue fotografie si nota un profondo interesse per i temi e i contesti storici e culturali e un occhio esperto per queste cose.

Una selezione delle sue opere è stata esposta per l'ultima volta in Germania nel 1998. Un motivo sufficiente per dare un'altra occhiata a I tedeschi oggi e per confrontare l'immagine della Germania di Burri (anche) con il presente, guardando indietro a più di 75 anni dalla fine della guerra e a più di 30 anni dalla riunificazione. La domanda "Chi sono i tedeschi? " è più attuale che mai. In un certo senso, però, il concetto di "tedeschi" è altrettanto ridotto, come la singola fotografia che dovrebbe dire qualcosa sulla realtà, che Bertolt Brecht ha notoriamente messo in discussione in riferimento alle fabbriche Krupp o AEG. Brecht chiedeva invece di "costruire davvero qualcosa, qualcosa di 'artificiale', qualcosa di 'in posa'" che potesse trasmetterci meglio la realtà. Questo è ciò che René Burri ha creato con la sua osservazione fotografica a lungo termine della Germania: un quadro sfaccettato delle condizioni sociali e delle relazioni umane in Germania poco prima e dopo la costruzione del Muro.

When René Burri (Swiss, 1933–2014) first published his probably most notable — yet to this day often underestimated — continuous body of work The Germans in Zurich (1962) and in Paris (1963), as a book under the same title, his photographs collided with the self-image of the two German states: the democratic-liberal one, on the one hand, and the antifascist-socialist one, on the other. Thus, the initial reception in the homeland of the Germans was quite underwhelming. But the Swiss-born artist was also, and not least, concerned with forming a picture for himself of his mother’s country of birth — so foreign and yet familiar.

He tried to reconcile the official image, which he has helped to shape through his assignments as a MAGNUM photographer, with his personal, more differentiated observations. He arranged and combined his selected motifs, consciously placing one next to the other, and in doing so came remarkably close to the state of this divided country and its people.

In the process, he often chafed at the uniformed and history-blind demeanor in both West and East. Yet, the other Germany that he had always treasured and sought after was neither here nor there, but rather to be found in the language, in the work, and in the humanism of Germany’s poets and thinkers. Burri photographed widely in both parts of Germany for this series until the 1990s, continually adding new motifs to The Germans. In 1998, a selection of them was last shown in Germany. Reason enough to take another look at The Germans today, some 75 years after World War II and more than 30 years of post-reunification, to compare and link them up with present day Germany. With almost 200 photographs, the exhibition provides a comprehensive insight into this major theme by René Burri. After Erfurt, the exhibition will be shown in other museums in Germany and France.

(Daniel Blochwitz, Kurator, Dozent und Berater für Fotografie, Zürich)

FeldbuschWiesnerRudolph Galerie | Berlin
18. November 2023 – 6. Januar 2024

Midnight Sun
Marta Djourina

Die Ausstellung Midnight Sun von Marta Djourina in der FeldbuschWiesnerRudolph Galerie vereint die Synthese und Schaffung vielschichtiger Dialoge zwischen verschiedenen Medien, Techniken, Räumen, Objektrealität, Licht, Statik und Dynamik.

Es ist kein Zufall, dass die aktuelle Ausstellung rückblickend das Ergebnis einer Reihe bemerkenswerter Projekte Marta Djourinas im laufenden Jahr 2023 ist. Sie folgt auf die Ausstellung Outer Glow (Junge Kunst e.V. in Wolfsburg im Juni), Fotografie und Lichtinstallation kombinierte, das Kunst-am-Bau Projekt Ashes of Ice (Europäische Kulturhauptstadt Tartu/ Estland 2024, im August) mit seinen beeindruckenden Dimensionen, dem Projekt EE TETRIS (Scope BLN im Juni) als ein Experiment skulpturaler Objekte im Installationskontext sowie den jüngsten Eindrücken der Künstlerin anlässlich ihres aktuellen artistin-residence am Cite Internationale des Arts in Paris (im Rahmen des EIB).

All diese sehr unterschiedlichen Ansätze wurden nun für die Präsentation von Midnight Sun zu einem homogenen Parcours in den Ausstellungsräumen der Galerie zusammengeführt. Ein solch ausgefeiltes Verständnis von Synthese schafft die Grundlage für die kategorische Monumentalität des Ausstellungskonzepts. Die Künstlerin hebt nicht nur ihre Forschungen zu den Bildern, sondern auch zu deren Wahrnehmung durch einen bewusst geschaffenen und bewusst manipulierten Raum-/Lichtkontext auf eine neue und viel komplexere Ebene. "Mitternachtssonne" wird als Synonym für "Polarlicht" verwendet, das auch als "Aurora borealis" bekannt ist. Und wenn die magischen Lichter um den Nord- und Südpol das Ergebnis der Sonnenaktivität und des Magnetfelds sind, so stammt der spezifische Magnetismus in Djourinas Werken aus ihrer umfangreichen Arbeit und ihren Experimenten mit Licht und den damit verbundenen Explosionen von Farben und Formen.

L'exposition Midnight Sun de Marta Djourina à la galerie FeldbuschWiesnerRudolph réunit la synthèse et la création de dialogues à plusieurs niveaux entre différents médias, techniques, espaces, réalité des objets, lumière, statique et dynamique.

Ce n'est pas un hasard si l'exposition actuelle est rétrospectivement le résultat d'une série de projets remarquables de Marta Djourina au cours de cette année 2023. Elle fait suite à l'exposition Outer Glow (Junge Kunst e.V. à Wolfsburg en juin), qui combinait photographie et installation lumineuse, au projet d'art sur bâtiment Ashes of Ice (capitale européenne de la culture Tartu/Estonie 2024, en août) aux dimensions impressionnantes, au projet EE TETRIS (Scope BLN en juin) en tant qu'expérience d'objets sculpturaux dans un contexte d'installation, ainsi qu'aux impressions récentes de l'artiste à l'occasion de son actuelle résidence d'artiste à la Cite Internationale des Arts à Paris (dans le cadre du BEI).

Toutes ces approches très différentes ont maintenant été réunies pour la présentation de Midnight Sun en un parcours homogène dans les salles d'exposition de la galerie. Une telle conception sophistiquée de la synthèse crée la base de la monumentalité catégorique du concept d'exposition. L'artiste élève non seulement ses recherches sur les images, mais aussi sur leur perception, à travers un contexte espace/lumière délibérément créé et consciemment manipulé, à un niveau nouveau et beaucoup plus complexe. "Soleil de minuit" est utilisé comme synonyme d'"aurore boréale", également connue sous le nom d'"Aurora borealis". Et si les lumières magiques autour des pôles Nord et Sud sont le résultat de l'activité solaire et du champ magnétique, le magnétisme spécifique dans les œuvres de Djourina provient de son vaste travail et de ses expérimentations avec la lumière et les explosions de couleurs et de formes qui en découlent.

La mostra Midnight Sun di Marta Djourina alla Galleria FeldbuschWiesnerRudolph combina la sintesi e la creazione di dialoghi a più livelli tra diversi media, tecniche, spazi, realtà oggettuale, luce, statica e dinamica.

Non è un caso che, guardando al passato, l'attuale mostra sia il risultato di una serie di notevoli progetti realizzati da Marta Djourina nel corrente anno 2023. Essa segue la mostra Outer Glow (Junge Kunst e.V. a Wolfsburg in giugno), che combinava fotografia e installazioni luminose, il progetto di art-in-architecture Ashes of Ice (Capitale Europea della Cultura Tartu/Estonia 2024, in agosto) con le sue dimensioni impressionanti, il progetto EE TETRIS (Scope BLN in giugno) come esperimento di oggetti scultorei in un contesto installativo, nonché le più recenti impressioni dell'artista in occasione della sua attuale residenza d'artista presso la Cite Internationale des Arts di Parigi (nell'ambito della BEI).

Tutti questi approcci molto diversi sono stati riuniti per la presentazione di Midnight Sun, per formare un percorso omogeneo negli spazi espositivi della galleria. Questa sofisticata comprensione della sintesi crea la base per la monumentalità categorica del concetto espositivo. L'artista porta non solo la sua ricerca sulle immagini, ma anche la loro percezione a un livello nuovo e molto più complesso, attraverso un contesto spaziale/lucifero consapevolmente creato e deliberatamente manipolato. "Sole di mezzanotte" è usato come sinonimo di "aurora boreale", conosciuta anche come "aurora boreale". E se le magiche luci intorno al Polo Nord e al Polo Sud sono il risultato dell'attività solare e del campo magnetico, il magnetismo specifico delle opere di Djourina deriva dal suo ampio lavoro e dalla sua sperimentazione con la luce e le relative esplosioni di colore e forma.

Marta Djourina's Midnight Sun project at the FeldbuschWiesnerRudolph Galerie brings together the synthesis and creation of multilayered dialogues between different media, techniques, spaces, object reality, light, statics and dynamics.

It is no coincidence that the current exhibition comes as a result of several other notable realizations in year 2023. It follows Outer Glow (Junge Kunst in Wolfsburg in June), combining photography and light installa;on, Ashes of Ice (European Capital of Culture Tartu, in August) with its impressive scale and comes also a project EE TETRIS (Scope BLN in June) with the experiment on sculptural objects placed in an installation context.

Now all these very different approaches have been brought together to form the monolithic and homogeneous fabric of Midnight Sun. Such a refined understanding of synthesis creates the basis for the categorical monumentality of the exhibition concept. The artist takes to a new and much more complex level not only her researches on the images, but also on their perception, through a consciously created and deliberately manipulated spatial / lighting context. “Midnight sun” is used as a synonym for “polar lights”, also known as “aurora borealis”. And if the magical lights around the north and south poles are the result of solar activity and the magnetic field, the specific magnetism in Djourina's works comes from her extensive work and experiments with light and related explosions of colors and forms.

(Text: Boris Kostadinov)

La Chambre | Strasbourg
18. November 2023 – 14. Januar 2024

Silhouettes
Charles Fréger

Charles Fréger interessiert sich für Kostüme als Marker für die individuelle Identität und die Zugehörigkeit zu einer Gruppe. Seit über zwanzig Jahren verfolgt er eine fotografische Bestandsaufnahme von sozialen, kulturellen, beruflichen... Gemeinschaften, deren Mitglieder er mit gestellten Porträts beschreibt, die ihre charakteristischen Attribute einschließen. Auf diese Weise fotografiert er Gemeinschaften auf der ganzen Welt und wird international vielfach ausgestellt und veröffentlicht.

La Chambre hat in Zusammenarbeit mit dem Musée Alsacien de Strasbourg die Arbeit von Charles Fréger fünf Jahre lang begleitet, um seine neue Serie Souvenir d'Alsace zu schaffen, die die Konstruktion der elsässischen Identität hinterfragt.

Zusammen mit der Ausstellung im Museum bietet La Chambre eine Perspektive auf das Werk des Künstlers durch die Präsentation von Auszügen aus seinen Serien, die sich auf die fotografische Silhouette konzentrieren.

Diese Behandlung, die er seit mehreren Jahren in verschiedenen Formen entwickelt, wird auf Figuren angewendet, die aus einer gemeinsamen visuellen Kultur ausgewählt werden, und essentialisiert sie auf ihre Umrisse.

Die Arbeit wird von ikonografischen Recherchen genährt, die absichtlich das Gelehrte mit dem Populären mischen und gerne die Epochen vom modernen Zeitalter bis zum 21. In L'Épopée de Jeanne d'Arc zum Beispiel geht es neben der historischen Erzählung auch um die Darstellung der Figur und ihre "Gebräuche" im Laufe der Jahrhunderte. In der Bretagne, im Baskenland und im Elsass beschäftigt sich der Künstler mit den Darstellungen stark ausgeprägter regionaler Kulturen. In den beiden letztgenannten Grenzregionen ritzen die Bisse der Geschichte die glatte Oberfläche des folkloristischen Bildes an. Die Silhouette legt dann in der ruhigen Nacktheit, die sie vorantreibt, die manchmal brutalen Triebfedern einer volkstümlichen Bildsprache offen, die auf der Herstellung archetypischer Figuren beruht, die teils zum Zweck des Zusammenhalts, teils - und manchmal in der gleichen Bewegung - zum Zweck der Stigmatisierung dienen.

En s’intéressant au costume en tant que marqueur de l’identité individuelle et de l’appartenance à un groupe, Charles Fréger poursuit depuis plus de vingt ans un inventaire photographique des communautés sociales, culturelles, professionnelles… dont il décrit les membres avec des portraits posés incluant leurs attributs caractéristiques. Il photographie ainsi des communautés dans le monde entier et est largement exposé et publié à l’international.

La Chambre, en collaboration avec le Musée Alsacien de Strasbourg, a accompagné le travail de Charles Fréger durant cinq ans pour la création de sa nouvelle série Souvenir d’Alsace interrogeant la construction de l’identité alsacienne.

Conjointement à l’exposition au musée, La Chambre propose une mise en perspective de l’œuvre de l’artiste par la présentation d’extraits de ses séries axés sur la silhouette photographique.

Ce traitement, qu’il développe depuis plusieurs années sous différentes formes, est appliqué à des figures choisies dans une culture visuelle commune et les essentialise à leurs contours.

Le travail est nourri de recherches iconographiques brassant à dessein l’érudit et le populaire, mêlant volontiers les époques, de l’âge moderne au 21ème siècle. Dans L’Épopée de Jeanne d’Arc par exemple, aux côtés du récit historique se joue également celui des représentations du personnage, de ses « usages » à travers les siècles. En Bretagne, au Pays basque, en Alsace, ce sont les représentations de cultures régionales fortement marquées que l’artiste investit. Dans ces deux dernières régions frontalières, les morsures de l’histoire entament la surface lisse de l’image folklorique. La silhouette, alors, dans le tranquille dénuement qu’elle avance, expose les ressorts parfois brutaux d’une imagerie populaire qui repose sur la fabrication de figures archétypales, tantôt à des fins de cohésion, tantôt – et parfois dans un même mouvement – à des fins de stigmatisation.

L'interesse di Charles Fréger per il costume come marcatore dell'identità individuale e dell'appartenenza a un gruppo lo ha portato per oltre vent'anni a sviluppare un inventario fotografico di comunità sociali, culturali e professionali, i cui membri vengono descritti in ritratti in posa che includono i loro attributi caratteristici. Ha fotografato comunità in tutto il mondo e il suo lavoro è stato ampiamente esposto e pubblicato a livello internazionale.

La Chambre, in collaborazione con il Musée Alsacien di Strasburgo, lavora da cinque anni con Charles Fréger alla sua nuova serie Souvenir d'Alsace, che esamina la costruzione dell'identità alsaziana.

In concomitanza con la mostra al museo, La Chambre offre una prospettiva sul lavoro dell'artista, presentando estratti della sua serie incentrata sulla silhouette fotografica.

Questo trattamento, che l'artista sviluppa da diversi anni in forme diverse, viene applicato a figure scelte da una cultura visiva comune e le essenzializza nei loro contorni.

Il lavoro si nutre di ricerca iconografica, mescolando deliberatamente l'erudito e il popolare, e fondendo volentieri epoche diverse, dall'età moderna al XXI secolo. Ne L'Épopée de Jeanne d'Arc, ad esempio, accanto alla narrazione storica, c'è anche il racconto di come la figura è stata ritratta e "usata" nel corso dei secoli. In Bretagna, nei Paesi Baschi e in Alsazia, l'artista investe nella rappresentazione di culture regionali fortemente marcate. In queste due ultime regioni di confine, i morsi della storia stanno corrodendo la superficie liscia dell'immagine popolare. La silhouette, quindi, nella sua tranquilla indigenza, mette a nudo il funzionamento a volte brutale di un immaginario popolare che si basa sulla creazione di figure archetipiche, a volte a scopo di coesione, a volte - e a volte nello stesso movimento - a scopo di stigmatizzazione.

Interested in costume as a marker of individual identity and group membership, Charles Fréger has for over twenty years pursued a photographic inventory of social, cultural and professional communities, whose members he describes with posed portraits that include their characteristic attributes. He photographs communities all over the world, and his work is widely exhibited and published internationally.

La Chambre, in collaboration with Strasbourg's Musée Alsacien, has supported Charles Fréger's work for five years in the creation of his new Souvenir d'Alsace series, which examines the construction of Alsatian identity.

In conjunction with the museum exhibition, La Chambre offers a perspective on the artist's work, presenting extracts from his series focusing on the photographic silhouette.

This treatment, which he has been developing for several years in various forms, is applied to figures chosen from a common visual culture, essentializing them to their contours.

The work is nourished by iconographic research, deliberately mixing the erudite and the popular, and willingly blending eras from the modern age to the 21st century. In L'Épopée de Jeanne d'Arc, for example, alongside the historical narrative, there is also the representation of the figure, and its "uses" over the centuries. In Brittany, the Basque country and Alsace, the artist takes on the representations of strongly marked regional cultures. In these last two border regions, the bites of history are eating away at the smooth surface of the folk image. The silhouette, then, in the quiet destitution it advances, exposes the sometimes brutal springs of a popular imagery that relies on the fabrication of archetypal figures, sometimes for the purpose of cohesion, sometimes - and sometimes in the same movement - for the purpose of stigmatization.

(Text: La Chambre, Strasbourg)

Kunsthaus Zofingen
18. November 2023 bis 18. Februar 2024

Video*kunst

Judith Albert, BiglerWeibel, Daniela Keiser, Sarah Hugentobler, Luzia Hürzeler, Zilla Leutenegger, Ingeborg Lüscher, Andrea Nottaris, Franziska Megert, Elodie Pong, Ursula Palla, Pipilotti Rist, Anouk Sebald, Annelies Štrba

Zum ersten Mal in seiner vierzigjährigen Geschichte stellt das Kunsthaus Zofingen die gesamte Fläche der Videokunst zur Verfügung. 15 Arbeiten, verteilt auf zwei Stockwerke, sind im offenen Raum ausgestellt. Der offene Raum ist eine interessante Herausforderung: Wir sind nicht im Kino, wo alles im Dunkeln verschwindet und jede*r Besucher*in für sich alleine ins Bild eintaucht, sondern in einer Ausstellung, die die Räumlichkeiten des Kunsthauses und die gezeigten Arbeiten miteinander verbindet. Der Rundgang wird farbig, leise, froh, bedacht, humorvoll, wild, berührend, laut und still, und schliesst ab im Café «Uferlos». Das Café ist Teil der Ausstellung und offizieller Ort für den Austausch unter Künstler*innen, Kulturschaffenden und interessierten Personen.

Die Videokunst ist mittlerweile 60 Jahre alt. Waren es zu Beginn vor allem auf Monitoren gezeigte Arbeiten, die umständlich, teuer und aufwändig produziert wurden, ist die Videotechnik heute für so gut wie jede*n zugänglich und somit auch in Museen, Galerien und Kunstmessen angekommen. Aus den einst Ein-Kanal-Monitorarbeiten wurden raumfüllende, begehbare Installationen.

Das Kunsthaus Zofingen zeigt Arbeiten auf Monitoren und als Projektion, Videostills und Skulpturen. Vertreten sind Künstlerinnen, welche gerade erst am Anfang ihrer Karriere stehen und andere, welche national oder auch international in der Kunst Massstäbe gesetzt haben.

Einige der ausgestellten Arbeiten erinnern uns an vergangene Zeiten und andere wirken wie aus der Zukunft. Wiederum andere stellen Verbindung zu historischen Arbeiten her oder sind eine Reflexion über den heutigen (politischen) Zustand der Welt. Vom Experiment zu intuitiven oder dramaturgisch gebauten Videos.

Für uns an erster Stelle steht die Qualität der Arbeiten.

Aufdi Aufdermauer, Eva Bigler & Karin Wegmüller (Co-Kurator*innen)

Pour la première fois en quarante ans d'histoire, le Kunsthaus Zofingen met toute sa surface à disposition de l'art vidéo. Quinze œuvres, réparties sur deux étages, sont exposées dans un espace ouvert. L'espace ouvert est un défi intéressant : nous ne sommes pas dans un cinéma où tout disparaît dans l'obscurité et où chaque* visiteur* est plongé dans l'image pour lui-même, mais dans une exposition qui relie les locaux du Kunsthaus et les travaux présentés. La visite sera colorée, silencieuse, joyeuse, réfléchie, pleine d'humour, sauvage, touchante, bruyante et silencieuse, et se terminera au café "Uferlos". Le café fait partie de l'exposition et est un lieu officiel d'échange entre les artistes*, les acteurs culturels et les personnes intéressées.

L'art vidéo a aujourd'hui 60 ans. Alors qu'à ses débuts, il s'agissait surtout d'œuvres présentées sur des moniteurs, dont la production était compliquée, coûteuse et complexe, la technique vidéo est aujourd'hui accessible à presque tout le monde* et a donc également fait son entrée dans les musées, les galeries et les foires d'art. Les travaux de monitoring à un seul canal sont devenus des installations qui remplissent l'espace et sont accessibles.

Le Kunsthaus Zofingen présente des travaux sur moniteurs et sous forme de projection, des vidéos et des sculptures. Y sont représentées des artistes féminines qui n'en sont qu'au début de leur carrière et d'autres qui ont posé des jalons dans le domaine de l'art au niveau national ou international.

Certaines des œuvres exposées nous rappellent le passé, d'autres semblent venir du futur. D'autres encore font le lien avec des travaux historiques ou sont une réflexion sur l'état (politique) actuel du monde. De l'expérimentation aux vidéos intuitives ou construites de manière dramaturgique.

Pour nous, la qualité des travaux est primordiale.

Aufdi Aufdermauer, Eva Bigler & Karin Wegmüller (co-commissaires*)

Per la prima volta nella sua storia quarantennale, la Kunsthaus Zofingen mette a disposizione della videoarte il suo intero spazio. 15 opere, distribuite su due piani, sono esposte nell'open space. L'open space è una sfida interessante: non siamo in un cinema dove tutto scompare nel buio e ogni visitatore è immerso nell'immagine da solo, ma in una mostra che collega i locali del Kunsthaus e le opere esposte. La visita è colorata, tranquilla, allegra, riflessiva, umoristica, selvaggia, commovente, rumorosa e silenziosa, e si conclude nel caffè "Uferlos". Il caffè fa parte della mostra ed è un luogo ufficiale per il dialogo tra artisti, professionisti della cultura e altre parti interessate.

La videoarte ha ormai 60 anni. Se all'inizio si trattava soprattutto di opere proiettate su monitor, ingombranti, costose e complesse da produrre, oggi la tecnologia video è accessibile a quasi tutti e quindi è arrivata anche nei musei, nelle gallerie e nelle fiere d'arte. Quelle che un tempo erano opere su monitor a un solo canale sono diventate installazioni che riempiono le stanze.

La Kunsthaus Zofingen espone opere su monitor e come proiezioni, fotogrammi video e sculture. Sono presenti artisti che hanno appena iniziato la loro carriera e altri che hanno stabilito standard nazionali e internazionali nell'arte.

Alcune delle opere esposte ci ricordano tempi passati, altre sembrano provenire dal futuro. Altre ancora stabiliscono collegamenti con opere storiche o sono una riflessione sull'attuale stato (politico) del mondo. Da esperimenti a video intuitivi o drammaturgicamente costruiti.

Per noi la qualità delle opere è fondamentale.

Aufdi Aufdermauer, Eva Bigler & Karin Wegmüller (co-curatori)

For the first time in its forty-year history, the Kunsthaus Zofingen is making its entire space available for video art. 15 works, spread over two floors, are exhibited in the open space. The open space is an interesting challenge: we are not in a movie theater, where everything disappears into the dark and each visitor is immersed in the image on their own, but in an exhibition that connects the space of the Kunsthaus and the works on display. The tour is colorful, quiet, happy, thoughtful, humorous, wild, touching, loud and quiet, and concludes in the café "Uferlos". The café is part of the exhibition and an official place for exchange between artists, cultural workers and interested parties.

Video art is now 60 years old. While in the beginning it was mainly works shown on monitors that were cumbersome, expensive and complex to produce, video technology is now accessible to almost everyone and has thus also arrived in museums, galleries and art fairs. What were once single-channel monitor works have become room-filling, walk-in installations.

The Kunsthaus Zofingen is showing works on monitors and as projections, video stills and sculptures. It features artists who are just at the beginning of their careers and others who have set national and international standards in art.

Some of the exhibited works remind us of times gone by and others seem to be from the future. Still others establish links to historical works or are a reflection on the current (political) state of the world. From experiments to intuitive or dramaturgically constructed videos.

For us, the quality of the works is paramount.

Aufdi Aufdermauer, Eva Bigler & Karin Wegmüller (co-curators)

(Text: Kunsthaus Zofingen)

CHAUSSEE 36 Photo Foundation | Berlin
18. November 2023 – 27. Januar 2024

Tokyo is yours
Meg Hewitt

Die CHAUSSEE 36 Photo Foundation freut sich, die Einzelausstellung „Tokyo is yours“ von der australischen Fotografin Meg Hewitt zu zeigen und somit das Werk der Künstlerin zum ersten Mal in Deutschland zu präsentieren.

Meg Hewitt, geboren 1973 in Sydney, Australien, studierte Bildhauerei, Malerei und Medien. Seit 2010 widmet sie sich der Fotografie.

"Tokyo is yours" ist eine Schwarz-Weiß-Serie, die zwischen 2015 und 2017 in Tokio entstanden ist. Der Zyklus zeigt Hewitts tiefe Reflexion über Japan und über dessen Unsicherheit und Zerbrechlichkeit nach der Katastrophe in Fukushima. Die Umweltkatastrophe von 2011 führte beinahe zur Evakuierung von Tokyo, dieser Stadt mit mehr 13 Mio. Einwohnern. Der Titel „Tokyo is yours“ stammt wiederum von einem Graffiti, das auf die Mauern der Stadt geschrieben wurde.

Die Fotografin findet ihre Inspirationen in Mangas und Filmen. Es ist vor allem das Leben in den Straßen von Tokio, das sie interessiert.

Die Szenen, die Meg Hewitt auf ihren Film bannt, haben filmische Qualitäten. Menschen treffen aufeinander, seltsame Situationen tauchen auf und verschwinden wieder. Meg reiste zwischen 2015 und 2017 sieben Mal nach Japan. Täglich lief sie zwölf Stunden lang durch die Stadt, spazierte durch Parks, Nachtbars und den Tierpark, reiste nach Fukushima oder besuchte die Uferpromenade. Sie fing kleine Details ein, die spontan ihre Aufmerksamkeit erregten und verewigte die Einwohner, denen sie begegnete. Die Tatsache, dass sie kein Japanisch spricht oder liest, keine Konversation verstand, gab ihr ein Gefühl völliger Freiheit und Kreativität. Die Menschen, denen sie begegnete und die Szenen, denen sie beiwohnte, wurden dadurch zu Symbolen, Archetypen und Metaphern. Der Fotograf Daido Moriyama, dessen Werk Meg Hewitt als Inspirationsquelle ansieht, beschreibt ihre Fotografien als „gefährlich“.

Mit ihren Fotos erforscht Meg Hewitt den Raum zwischen den Dingen, Erinnerungen, zwischenmenschlichen Beziehungen und Angst. Oft fotografiert sie nachts mit Blitzlicht, wodurch sie ihr Motiv vom Kontext isolieren kann. Die Verwendung von Silberfilm betont die Kontraste der Schwarztöne beim Entwickeln der Filme.

Ihr 68 Fotografien umfassendes Buch Tokyo is yours (erste Edition 2017, Nayana Press Verlag) ist ein fulminanter Beweis für die starke Anziehungskraft, die das Absurde auf Hewitt ausübt.

La CHAUSSEE 36 Photo Foundation est heureuse de présenter l'exposition individuelle "Tokyo is yours" de la photographe australienne Meg Hewitt et de présenter ainsi pour la première fois l'œuvre de l'artiste en Allemagne.

Meg Hewitt, née en 1973 à Sydney, en Australie, a étudié la sculpture, la peinture et les médias. Depuis 2010, elle se consacre à la photographie.

"Tokyo is yours" est une série en noir et blanc réalisée à Tokyo entre 2015 et 2017. Ce cycle illustre la profonde réflexion de Hewitt sur le Japon, son incertitude et sa fragilité après la catastrophe de Fukushima. La catastrophe écologique de 2011 a failli entraîner l'évacuation de Tokyo, cette ville de plus de 13 millions d'habitants. Le titre "Tokyo is yours" provient à son tour d'un graffiti inscrit sur les murs de la ville.

La photographe trouve son inspiration dans les mangas et les films. C'est surtout la vie dans les rues de Tokyo qui l'intéresse.

Les scènes que Meg Hewitt fixe sur sa pellicule ont des qualités cinématographiques. Les gens se rencontrent, des situations étranges apparaissent et disparaissent. Meg s'est rendue sept fois au Japon entre 2015 et 2017. Chaque jour, elle a marché pendant douze heures dans la ville, s'est promenée dans les parcs, les bars de nuit et le parc animalier, s'est rendue à Fukushima ou a visité le front de mer. Elle a capturé des petits détails qui ont spontanément attiré son attention et a immortalis les habitants qu'elle a rencontrés. Le fait qu'elle ne parle ni ne lise le japonais, qu'elle ne comprenne aucune conversation, lui a donné un sentiment de liberté totale et de créativité. Les personnes qu'elle a rencontrées et les scènes auxquelles elle a assisté sont ainsi devenues des symboles, des archétypes et des métaphores. Le photographe Daido Moriyama, dont Meg Hewitt considère l'œuvre comme une source d'inspiration, décrit ses photographies comme "dangereuses".

Avec ses photos, Meg Hewitt explore l'espace entre les choses, les souvenirs, les relations interpersonnelles et la peur. Elle prend souvent des photos de nuit au flash, ce qui lui permet d'isoler son sujet du contexte. L'utilisation de films argentiques accentue les contrastes des noirs lors du développement des films.

Son livre Tokyo is yours (première édition 2017, éditions Nayana Press), qui comprend 68 photographies, est une preuve éclatante de la puissante attraction qu'exerce l'absurde sur Hewitt.

La CHAUSSEE 36 Photo Foundation è lieta di presentare la mostra personale "Tokyo is yours" della fotografa australiana Meg Hewitt, che rappresenta la prima volta che il lavoro dell'artista viene esposto in Germania.

Meg Hewitt, nata nel 1973 a Sydney, Australia, ha studiato scultura, pittura e media. Dal 2010 si è dedicata alla fotografia.

"Tokyo is yours" è una serie in bianco e nero realizzata a Tokyo tra il 2015 e il 2017. Il ciclo mostra la profonda riflessione di Hewitt sul Giappone e sulla sua insicurezza e fragilità dopo il disastro di Fukushima. Il disastro ambientale del 2011 ha quasi portato all'evacuazione di Tokyo, questa città di oltre 13 milioni di persone. Il titolo "Tokyo is yours" deriva a sua volta da un graffito scritto sui muri della città.

La fotografa trova la sua ispirazione nei manga e nei film. È soprattutto la vita nelle strade di Tokyo a interessarla.

Le scene che Meg Hewitt cattura nel suo film hanno qualità cinematografiche. Le persone si incontrano, strane situazioni appaiono e scompaiono di nuovo. Meg ha viaggiato in Giappone sette volte tra il 2015 e il 2017. Ogni giorno ha attraversato la città per dodici ore, passeggiando nei parchi, nei bar notturni e allo zoo, recandosi a Fukushima o visitando il lungomare. Ha catturato piccoli dettagli che hanno attirato spontaneamente la sua attenzione e ha immortalato i residenti che ha incontrato. Non parlare o leggere il giapponese, non capire la conversazione, le ha dato un senso di completa libertà e creatività. Le persone che incontrava e le scene a cui assisteva diventavano così simboli, archetipi e metafore. Il fotografo Daido Moriyama, il cui lavoro Meg Hewitt considera una fonte di ispirazione, descrive le sue fotografie come "pericolose".

Con le sue fotografie, Meg Hewitt esplora lo spazio tra le cose, i ricordi, le relazioni interpersonali e la paura. Fotografa spesso di notte con il flash, che le permette di isolare il soggetto dal contesto. L'uso della pellicola d'argento enfatizza i contrasti dei neri quando le pellicole vengono sviluppate.

Il suo libro di 68 fotografie Tokyo is yours (prima edizione 2017, Nayana Press Publishers) è una brillante testimonianza della potente attrazione che l'assurdo esercita sulla Hewitt.

CHAUSSEE 36 Photo Foundation is pleased to present the solo exhibition "Tokyo is yours" by Australian photographer Meg Hewitt, marking the first time the artist's work has been shown in Germany.

Meg Hewitt, born 1973 in Sydney, Australia, studied sculpture, painting and media. Since 2010, she has dedicated herself to photography.

"Tokyo is yours" is a black-and-white series created in Tokyo between 2015 and 2017. The cycle shows Hewitt's deep reflection on Japan and on its uncertainty and fragility after the Fukushima disaster. The environmental disaster of 2011 almost led to the evacuation of Tokyo, this city of more than 13 million inhabitants. The title "Tokyo is yours" in turn comes from a graffiti written on the walls of the city.

The photographer finds her inspiration in mangas and movies. It is above all life in the streets of Tokyo that interests her.

The scenes Meg Hewitt captures on her film have cinematic qualities. People meet, strange situations appear and disappear again. Meg traveled to Japan seven times between 2015 and 2017. Every day she walked around the city for twelve hours, strolled through parks, night bars and the zoo, traveled to Fukushima or visited the waterfront. She captured small details that spontaneously caught her attention and immortalized the residents she encountered. Not speaking or reading Japanese, not understanding conversation, gave her a sense of complete freedom and creativity. The people she encountered and the scenes she witnessed thus became symbols, archetypes and metaphors. Photographer Daido Moriyama, whose work Meg Hewitt considers a source of inspiration, describes her photographs as "dangerous."

Through her photographs, Meg Hewitt explores the space between things, memories, interpersonal relationships, and fear. She often photographs at night with a flash, which allows her to isolate her subject from the context. The use of silver film emphasizes the contrasts of blacks as the films are developed.

Her 68-photograph book Tokyo is yours (first edition 2017, Nayana Press Publishers) is a brilliant testament to the powerful attraction that the absurd holds for Hewitt.

(Text: CHAUSSEE 36 Photo Foundation, Berlin)

Stephen Bulger Gallery | Toronto
18. November – 23. Dezember 2023

People, Places, Things: A Group Exhibition

Die Fotografie war eine lang erwartete Erfindung. Man geht davon aus, dass sie jahrhundertelang ein unerfüllter Traum war, geboren aus dem Wunsch, unsere Realität ohne menschliches Zutun genau abzubilden, bevor sie in den ersten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts erfunden wurde.

Als 1839 das Verfahren der Daguerreotypie vorgestellt wurde, war die Öffentlichkeit wie gebannt. Frühere Berichte über Erfolge bei der Fixierung von Bildern durch die Wirkung von Licht und Chemie faszinierten die Öffentlichkeit, die sich über die genaue Darstellung unserer Welt wunderte.

Seitdem wird die Zuverlässigkeit der Wahrheit in Fotografien zu Recht in Frage gestellt. Eine Fotografie stellt die Version des Fotografen von einer wahrheitsgemäßen Aussage dar. Als Informationsquelle dient ein fotografisches Bild oft dazu, wichtige Menschen, Orte, Ereignisse und Objekte zu symbolisieren. Eine fotografische Aufzeichnung kann ein Markenzeichen der Vergangenheit sein und an die besten und schlimmsten menschlichen Aktivitäten erinnern. Ein Betrachter, der sich der einer Fotografie innewohnenden Voreingenommenheit bewusst ist, kann die in einem Bild festgehaltenen Informationen genau prüfen und über diese Darstellungen der Realität nachdenken. Fotografien lösen Reaktionen aus, die auf unseren privaten Erinnerungen und gemeinsamen Erfahrungen beruhen, und erwecken sie wieder zum Leben.

Unsere Ausstellung zeigt Highlights aus dem Schaffen der von der Galerie vertretenen Künstler und Fotografen sowie eine Auswahl von Objekten aus dem Sekundärmarkt, die sich im Besitz der Galerie befinden, und der vielen Einlieferer, die uns damit betrauen, ein neues Zuhause für die Fotografien zu finden, die ihr Leben bereichert haben. Die Sammlung von Fotografien aus über 150 Jahren umfasst Werke, die eine Vielzahl von Genres, Verfahren und Absichten abdecken. Da die Fotografie in der Lage ist, Meisterwerke auf verschiedenen Qualitätsniveaus zu liefern, werden die Preise so gestaltet, dass sie für unterschiedliche Budgets geeignet sind. Die Fotografien können noch vor der Schließung der Ausstellung gekauft und abgeholt werden, um die Weihnachtszeit zu feiern.

La photographie était une invention attendue depuis longtemps. On suppose qu'il s'agissait d'un rêve irréalisable pendant des siècles, né du désir de représenter fidèlement notre réalité sans intervention humaine avant son invention dans les premières décennies du 19e siècle.

Lorsque le procédé du daguerréotype a été annoncé en 1839, le public a été fasciné. Les rapports antérieurs faisant état de succès dans la fixation d'images par l'action de la lumière et de la chimie ont fasciné le public, qui s'est émerveillé de la représentation exacte de notre monde.

Depuis lors, la fiabilité de la vérité dans les photographies a été remise en question à juste titre. Une photographie présente la version d'un photographe d'une déclaration véridique. En tant que source d'information, une image photographique sert souvent à symboliser des personnes, des lieux, des événements et des objets importants. Un document photographique peut être une marque du passé et un rappel des activités humaines dans ce qu'elles ont de meilleur et de pire. Tout en étant conscient des préjugés inhérents à une photographie, le spectateur peut examiner minutieusement les informations capturées dans un cadre et réfléchir à ces représentations de la réalité. Les photographies déclenchent des réactions basées sur nos souvenirs privés et nos expériences partagées, en leur redonnant vie.

Notre exposition présentera des œuvres réalisées par les artistes et les photographes représentés par la galerie, ainsi qu'une sélection d'articles du marché secondaire appartenant à la galerie et aux nombreux consignateurs qui nous confient le soin de trouver un nouveau foyer pour les photographies qui ont enrichi leur vie. La collection de photographies, qui s'étend sur plus de 150 ans, comprend des œuvres couvrant une grande variété de genres, de procédés et d'intentions. Reconnaissant la capacité de la photographie à produire des chefs-d'œuvre à différents niveaux de qualité, les photographies seront proposées à des prix adaptés à différents budgets. Les photographies pourront être achetées et collectionnées avant la fermeture de l'exposition, à l'occasion des fêtes de fin d'année.

La fotografia era un'invenzione attesa da tempo. Si presume che sia stato un sogno irrealizzato per secoli, nato dal desiderio di rappresentare accuratamente la nostra realtà senza l'intervento umano prima della sua invenzione nei primi decenni del XIX secolo.

Quando il processo del dagherrotipo fu annunciato nel 1839, il pubblico rimase affascinato. I precedenti resoconti dei successi ottenuti nel fissare le immagini attraverso l'azione della luce e della chimica affascinarono il pubblico, che si meravigliò della rappresentazione accurata del nostro mondo.

Da allora, l'affidabilità della verità nelle fotografie è stata giustamente messa in discussione. Una fotografia presenta la versione del fotografo di una dichiarazione veritiera. Come fonte di informazioni, un'immagine fotografica spesso serve a simboleggiare persone, luoghi, eventi e oggetti importanti. Una registrazione fotografica può essere un segno distintivo del passato e un ricordo delle attività umane nel loro momento migliore e peggiore. Pur essendo consapevole dei pregiudizi intrinseci di una fotografia, lo spettatore può esaminare le informazioni catturate all'interno di un fotogramma e riflettere su queste rappresentazioni della realtà. Le fotografie innescano risposte basate sui nostri ricordi privati e sulle esperienze condivise, riportandole in vita.

La nostra mostra conterrà alcuni lavori degli artisti e dei fotografi che la galleria rappresenta, oltre a una selezione di oggetti del mercato secondario di proprietà della galleria e dei numerosi mittenti che ci affidano la ricerca di nuove case per le fotografie che hanno arricchito la loro vita. La collezione di fotografie che abbraccia oltre 150 anni comprende opere che coprono una varietà di generi, processi e intenti. Riconoscendo la capacità della fotografia di fornire capolavori a diversi livelli di qualità, le fotografie avranno prezzi adatti a diversi budget. Le fotografie saranno disponibili per l'acquisto e il ritiro prima della chiusura della mostra, in occasione delle festività natalizie.

Photography had been a long-anticipated invention. It is assumed this was an unrealized dream for centuries, born through the desire to accurately represent our reality without human intervention before its invention in the early decades of the 19th century.

When the daguerreotype process was announced in 1839, the public was transfixed. Previous reports of successes in fixing images through the actions of light and chemistry became a fascination to the public, marveling at its accurate representation of our world.

Since that time, the reliability of truth in photographs has been rightly questioned. A photograph presents a photographer’s version of a truthful statement. As a source of information, a photographic image often serves to symbolize important people, places, events, and objects. A photographic record can be a hallmark of the past, and a reminder of human activities at their best and worst. While aware of a photograph’s inherent biases, a viewer can scrutinize the information captured within a frame and ponder those representations of reality. Photographs trigger responses based on our private memories and shared experiences, bringing them back to life.

Our exhibition will contain highlights of work made by the artists and photographers the gallery represents, as well as a selection of secondary market items owned by the gallery, and the many consignors who entrust us with finding new homes for the photographs that have enriched their lives. The collection of photographs spanning over 150 years includes works covering a variety of genres, processes, and intent. Acknowledging photography’s ability to provide masterworks at many levels of quality, photographs will be priced to fit a variety of budgets. Photographs will be available to purchase and collect before the exhibition closes in recognition of the holiday season.

(Text: Stephen Bulger Gallery, Toronto)

Galerie Heuberg 24 | Basel
18. – 25. November 2023

#MERET Art vs. Poetry
Julian Salinas, Andreas Schneider

Die im Rahmen der Poesie Tage 2023 entstandenen Werke zu den gewürdigten Schriftsteller:innen, Poet:innen und Lyriker:innen werden in einer Gesamtschau gezeigt.

In der Ausstellung #MERET sind die Arbeiten zu Meret Oppenheim, Anne Blonstein, Iris von Roten, Rainer Brambach und Fritz Liebrich zu sehen.

Die Künstler andreasschneider und Julian Salinas setzten sich jeweils mit einer Interpretation zum Werk der fünf verstorbenen Lyrikerinnen auseinander. Die Arbeiten stimmen sich stark auf das Leben und der Geschichte der Personen ab und zeigen eine aktuelle künstlerische Auseinandersetzung mit deren Werk. War Meret Oppenheim sehr stark durch ihre Zitate als Frau in der damals prägenden künstlerischen Männerwelt bekannt, schrieb Iris von Roten das Skandalbuch „Frauen im Laufgitter“, welches seiner Zeit voraus war. Rainer Brambach wurde als staatenloser vor dem 2. Weltkrieg nach Deutschland ausgewiesen, desertierte, wurde interniert und erst als bekannter Dichter eingebürgert und 1974 mit dem Basler Kunstpreis geehrt.

Mit der Retrospektiven Ausstellung sind nun sämtliche Werke, Fotografien und Performances in der Galerie am Heuberg 24 in Basel zu sehen.

Les œuvres réalisées dans le cadre des Journées de la poésie 2023 sur les écrivains, poètes et poétesses honorés sont présentées dans une exposition globale.

L'exposition #MERET présente les travaux de Meret Oppenheim, Anne Blonstein, Iris von Roten, Rainer Brambach et Fritz Liebrich.

Les artistes andreasschneider et Julian Salinas se sont chacun penchés sur une interprétation de l'œuvre des cinq poétesses décédées. Les travaux s'accordent fortement avec la vie et l'histoire des personnes et montrent une réflexion artistique actuelle sur leur œuvre. Si Meret Oppenheim était très connue pour ses citations en tant que femme dans le monde artistique masculin qui était alors marquant, Iris von Roten a écrit le livre à scandale "Frauen im Laufgitter", qui était en avance sur son temps. Rainer Brambach, apatride, a été expulsé vers l'Allemagne avant la Seconde Guerre mondiale, a déserté, a été interné et n'a été naturalisé qu'en tant que poète connu et a été honoré en 1974 par le prix artistique de Bâle.

Avec l'exposition rétrospective, toutes les œuvres, les photographies et les performances sont désormais exposées à la Galerie am Heuberg 24 à Bâle.

Le opere create nell'ambito delle Giornate della Poesia 2023 sugli scrittori, poeti e parolieri premiati saranno esposte in una mostra complessiva.

La mostra #MERET presenta opere di Meret Oppenheim, Anne Blonstein, Iris von Roten, Rainer Brambach e Fritz Liebrich.

Gli artisti andreasschneider e Julian Salinas hanno proposto un'interpretazione dell'opera dei cinque poeti scomparsi. Le opere sono fortemente in linea con le vite e le storie degli individui e mostrano un esame artistico contemporaneo del loro lavoro. Mentre Meret Oppenheim era ben nota per le sue citazioni come donna nel mondo artistico dell'epoca, dominato dagli uomini, Iris von Roten scrisse il libro scandaloso "Frauen im Laufgitter" (Donne nel recinto), che era in anticipo sui tempi. Rainer Brambach fu espulso in Germania come apolide prima della Seconda Guerra Mondiale, disertò, fu internato e fu naturalizzato solo come noto poeta e premiato con il Premio d'Arte di Basilea nel 1974.

Con la mostra retrospettiva, tutte le sue opere, fotografie e performance sono ora esposte alla Galerie am Heuberg 24 di Basilea.

The works created as part of the Poetry Days 2023 on the honored writers, poets and lyricists will be shown in an overall exhibition.

The #MERET exhibition features works by Meret Oppenheim, Anne Blonstein, Iris von Roten, Rainer Brambach and Fritz Liebrich.

The artists andreasschneider and Julian Salinas have each come up with an interpretation of the work of the five deceased poets. The works are strongly attuned to the lives and histories of the individuals and show a contemporary artistic examination of their work. While Meret Oppenheim was very much known for her quotes as a woman in the then formative artistic male world, Iris von Roten wrote the scandalous book "Frauen im Laufgitter", which was ahead of its time. Rainer Brambach was expelled to Germany as a stateless person before the Second World War, deserted, was interned and only became a naturalized citizen as a well-known poet and was honoured with the Basel Art Prize in 1974.

With the retrospective exhibition, all of his works, photographs and performances are now on display at the Galerie am Heuberg 24 in Basel.

(Text: Julian Salinas, Basel)