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Après l’été - Roberto Badin | L'ANGLE | Hendaye
Sept.
2
6:30 PM18:30

Après l’été - Roberto Badin | L'ANGLE | Hendaye


L'ANGLE | Hendaye
2. September 2023

Après l’été
Roberto Badin


Après l’été #4 © Roberto Badin


"Wenn man mit Blick auf das Meer aufgewachsen ist, verlässt einen das ozeanische Gefühl nie. Was mich am meisten beeindruckt hat, als ich mich an der baskischen Küste niederließ, waren das Licht und die Veränderungen der Atmosphäre, die sich in der Nebensaison noch stärker bemerkbar machen. Diese Zeit, in der sich die Region von ihren Saisonarbeitern leert und die Stimmung, wie in jeder Baderegion, heiterer und freundlicher wird. Die Emotionen, die dabei entstehen, sind so stark, dass ich das Bedürfnis verspürt habe, sie in Bildern festzuhalten. Ich ziehe die Banalität des Alltags der journalistischen Reportage einer aufgezwungenen Situation vor. Die surreale Atmosphäre der entleerten Städte während der ersten Eindämmung im Jahr 2020 erzeugte einen falschen Eindruck, der mich davon abhielt, weiter zu fotografieren. Das wäre ein anderer Ansatz gewesen, sogar ein anderes Thema. Also beschloss ich, zu warten, bis das Leben wieder seinen normalen Lauf nahm, damit das Projekt wieder auftauchen konnte. Im Gegensatz zu einer Reise, bei der wir mit unverbrauchten Augen an einem Ort ankommen, ist es eine Herausforderung, die Straßen um das eigene Haus herum zu durchstreifen. Wenn man täglich mit denselben Details und Stimmungen konfrontiert wird, könnte alles fast zu banal erscheinen, um den Blick auf sich zu ziehen. Genau diese Herausforderung hat mich gereizt; die Einfachheit der Dinge, die faszinierende Ästhetik des alltäglichen Gewöhnlichen. Meine Erkundung fand ausschließlich zu Fuß statt, über einen bestimmten Zeitraum hinweg, und ich bemerkte, dass ich nie einen Radius von 4 km* um mein Haus herum überschritten habe. Diese Strecke wurde zu einer Reise mit imaginären Grenzen, wobei ich bei meinen Spaziergängen der Intuition und dem Zufall freien Lauf ließ. Meine Absicht war es, einen Raum so zu zähmen, dass ich seine Identität herausfiltern konnte; eine Art Kartografie, bei der Licht und Emotionen meine einzigen Führer waren. Ohne es zu merken, polarisierte ich meine ewigen Inspirationsquellen: Architektur, Film und Literatur; ich denke insbesondere an das, was Georges Perec "das Infra-Alltägliche" nannte. Das Entdecken bestimmter Haltungen der Figuren innerhalb der Bilder wurde zu einem täglichen Vergnügen, wenn ich von jedem Aufnahmetag nach Hause kam.

APRÈS L'Été ist ein Projekt, dessen Ziel nicht darin besteht, die Leere zu zeigen, sondern vielmehr das, was sich um sie herum und in ihr befindet. Es geht darum, einen Ausschnitt der Realität zu beobachten, so wie ich sie sehe und empfinde, ohne den Ehrgeiz, eine andere Geschichte zu erzählen als die, die sich jeder beim Betrachten der Fotos machen kann. Was man wirklich sieht und was man mit der Zeit entdeckt, einfach durch genaueres Hinsehen".


« Quand on a grandi face à la mer, le sentiment océanique ne nous quitte jamais. Ce qui m’a le plus marqué lorsque je me suis installé sur la Côte Basque c’est la lumière et les changements d’atmosphère, qui se révèlent être encore plus forts hors saison. Ce moment où la région se vide de ses saisonniers et, comme pour toute région balnéaire, l’ambiance devient plus sereine et conviviale. L’émotion qui s’en dégage est tellement puissante que j’ai ressenti le besoin de la retranscrire en images. Je préfère la banalité du quotidien au reportage journalistique d’une situation imposée. L’ambiance surréaliste des villes vidées de leurs habitants lors du premier confinement en 2020 provoquait une fausse impression qui m’a empêché de continuer à photographier. Cela aurait été une autre approche, un autre sujet même. Alors, j’ai décidé d’attendre que la vie reprenne son cours normal pour que le projet puisse refaire surface. Contrairement à un voyage, où nous arrivons dans un endroit avec un regard vierge ; arpenter les rues autour de chez soi devient un défi. Se confronter quotidiennement aux mêmes détails et aux mêmes ambiances, tout pourrait paraître presque trop banal pour attirer le regard. C’est justement ce challenge qui m’a séduit ; la simplicité des choses, la fascinante esthétique de l’ordinaire de tous les jours. Mon exploration s’est faite uniquement à pied, pendant une période déterminée, et j’ai remarqué ne jamais dépasser un rayon de 4km* autour de chez moi. Ce parcours est devenu un voyage avec des frontières imaginaires, laissant libre cours aux intuitions et au hasard au fur et à mesure de mes promenades. Plutôt que l’exercice du témoignage, mon intention était d’apprivoiser un espace de façon à en extraire son identité; une sorte de cartographie dont la lumière et l’émotion ont été mes seuls guides. Sans m’en rendre compte, j’ai polarisé mes éternelles sources d’inspiration : l’architecture, le cinéma et la littérature ; je pense notamment à ce que Georges Perec appelait “l’infra-ordinaire”. Découvrir certaines attitudes des personnages à l’intérieur des images était devenu un plaisir quotidien en rentrant de chaque journée de prise de vues.

APRÈS L’ÉTÉ est un projet dont l’objectif n’est pas de montrer le vide, mais plutôt ce qu’il y a autour et à l’intérieur. Il s’agit d’observer un fragment de la réalité telle que je la vois et que je la ressens, sans l’ambition de raconter une autre histoire que celle que chacun peut se faire en regardant les photos. Ce qu’on voit réellement et qu’on découvre avec le temps, simplement, en observant de plus près. »


"Quando si cresce in riva al mare, la sensazione oceanica non ti abbandona mai. Ciò che mi ha colpito di più quando mi sono trasferita sulla Costa Basca è stata la luce e i cambiamenti di atmosfera, che sono ancora più marcati fuori stagione. Quel momento in cui la regione si svuota dei suoi lavoratori stagionali e, come in ogni regione di mare, l'atmosfera diventa più serena e amichevole. L'emozione che emerge è così forte che ho sentito il bisogno di catturarla in immagini. Preferisco la banalità della vita quotidiana al reportage giornalistico di una situazione imposta. L'atmosfera surreale delle città svuotate dei loro abitanti durante il primo confino nel 2020 ha creato una falsa impressione che mi ha impedito di continuare a fotografare. Sarebbe stato un approccio diverso, persino un soggetto diverso. Così ho deciso di aspettare che la vita tornasse alla normalità per far riemergere il progetto. A differenza di un viaggio, dove si arriva in un luogo con una tabula rasa, camminare per le strade intorno a casa diventa una sfida. Trovandosi quotidianamente di fronte agli stessi dettagli e alla stessa atmosfera, tutto può sembrare quasi troppo banale per catturare l'attenzione. È proprio questa sfida che mi ha attratto: la semplicità delle cose, l'estetica affascinante dell'ordinario quotidiano. La mia esplorazione si è svolta esclusivamente a piedi, in un periodo di tempo prestabilito, e ho notato che non andavo mai oltre un raggio di 4 km* intorno a casa mia. Questo percorso è diventato un viaggio dai confini immaginari, dando libero sfogo all'intuizione e al caso. Più che un esercizio di testimonianza, la mia intenzione era quella di addomesticare uno spazio in modo da estrarne l'identità; una sorta di cartografia in cui la luce e l'emozione erano le mie uniche guide. Senza rendermene conto, ho polarizzato le mie eterne fonti di ispirazione: l'architettura, il cinema e la letteratura; penso in particolare a ciò che Georges Perec chiamava "l'infra-ordinario". Scoprire certi atteggiamenti dei personaggi all'interno delle immagini è diventato un piacere quotidiano al ritorno da ogni giornata di riprese.

APRÈS L'ÉTÉ è un progetto il cui obiettivo non è mostrare il vuoto, ma piuttosto ciò che c'è intorno e dentro di esso. Si tratta di osservare un frammento di realtà così come lo vedo e lo sento, senza l'ambizione di raccontare una storia diversa da quella che ognuno può inventarsi guardando le foto. Ciò che realmente vediamo e scopriamo nel tempo, semplicemente osservando più da vicino.


"When you grow up by the sea, the oceanic feeling never leaves you. What struck me most when I moved to the Basque Coast was the light and the changes in atmosphere, which are even more pronounced out of season. That moment when the region is emptied of its seasonal workers and, as with any seaside region, the atmosphere becomes more serene and friendly. The emotion that emerges is so powerful that I felt the need to capture it in images. I prefer the banality of everyday life to journalistic reporting of an imposed situation. The surreal atmosphere of the towns emptied of their inhabitants during the first confinement in 2020 created a false impression that prevented me from continuing to photograph. It would have been a different approach, a different subject even. So I decided to wait for life to return to normal so that the project could resurface. Unlike travelling, where you arrive in a new place with a fresh pair of eyes, walking the streets around your home becomes a challenge. Confronted daily with the same details and the same atmosphere, everything could seem almost too banal to catch the eye. It's precisely this challenge that appealed to me: the simplicity of things, the fascinating aesthetics of the ordinary everyday. My exploration took place solely on foot, over a set period of time, and I noticed that I never went beyond a 4km* radius around my home. This route became a journey with imaginary boundaries, giving free rein to intuition and chance as I went along. Rather than the exercise of bearing witness, my intention was to tame a space in such a way as to extract its identity; a kind of cartography in which light and emotion were my only guides. Without realising it, I polarised my eternal sources of inspiration: architecture, cinema and literature; I'm thinking in particular of what Georges Perec called 'the infra-ordinary'. Discovering certain attitudes of the characters inside the images became a daily pleasure on returning from each day's shooting.

AFTER SUMMER is a project whose aim is not to show emptiness, but rather what is around and inside. It's about observing a fragment of reality as I see it and feel it, without the ambition of telling a story other than the one that everyone can tell themselves by looking at the photos. What we really see and discover over time, simply by taking a closer look.


"Cuando creces junto al mar, la sensación oceánica nunca te abandona. Lo que más me impresionó cuando me trasladé a la Costa Vasca fue la luz y los cambios de atmósfera, que son aún más pronunciados fuera de temporada. Ese momento en que la región se vacía de sus temporeros y, como en cualquier región costera, el ambiente se vuelve más sereno y acogedor. La emoción que emerge es tan poderosa que sentí la necesidad de plasmarla en imágenes. Prefiero la banalidad de la vida cotidiana al reportaje periodístico de una situación impuesta. La atmósfera surrealista de las ciudades vaciadas de sus habitantes durante el primer confinamiento en 2020 creó una falsa impresión que me impidió seguir fotografiando. Habría sido otro enfoque, otro tema incluso. Así que decidí esperar a que la vida volviera a la normalidad para que el proyecto pudiera resurgir. A diferencia de los viajes, en los que llegamos a un lugar con la mente en blanco, pasear por las calles de tu casa se convierte en todo un reto. Enfrentado a diario con los mismos detalles y el mismo ambiente, todo puede parecer demasiado banal para llamar la atención. Es precisamente este reto lo que me atraía: la sencillez de las cosas, la fascinante estética de lo cotidiano. Mi exploración se realizó únicamente a pie, durante un periodo de tiempo determinado, y me di cuenta de que nunca iba más allá de un radio de 4 km* alrededor de mi casa. Esta ruta se convirtió en un viaje con límites imaginarios, dando rienda suelta a la intuición y al azar a medida que avanzaba. Más que el ejercicio de testimoniar, mi intención era domesticar un espacio para extraer su identidad; una especie de cartografía en la que la luz y la emoción eran mis únicas guías. Sin darme cuenta, polaricé mis eternas fuentes de inspiración: la arquitectura, el cine y la literatura; pienso en particular en lo que Georges Perec llamaba "lo infraordinario". Descubrir ciertas actitudes de los personajes dentro de las imágenes se convirtió en un placer diario al volver de cada jornada de rodaje.

AFTER SUMMER es un proyecto cuyo objetivo no es mostrar el vacío, sino lo que hay alrededor y dentro. Se trata de observar un fragmento de la realidad tal y como yo la veo y la siento, sin la ambición de contar una historia distinta de la que cada uno puede contarse mirando las fotos. Lo que realmente vemos y descubrimos con el tiempo, simplemente mirando más de cerca.

(Text: Roberto Badin)

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Mine and Yours - Mari Katayama | FOTO ARSENAL WIEN
Aug.
31
7:00 PM19:00

Mine and Yours - Mari Katayama | FOTO ARSENAL WIEN


FOTO ARSENAL WIEN
31. August 2023

Eröffnung durch Veronica Kaup-Hasler, Stadträtin für Kultur und Wissenschaft der Stadt Wien

Mine and Yours
Mari Katayama


Study for caryatid #006, 2023 © Mari Katayama


„Wie viel davon bist du und wie viel nicht? Wem gehören ich und du, und wo sind wir?“ (Mari Katayama)

Im Mittelpunkt von Katayamas Praxis steht die alltägliche Erfahrung des Lebens in ihrem eigenen Körper, den sie als lebende Skulptur, Schaufensterpuppe und Instrument zur Reflexion der Gesellschaft nutzt. Die Kombination aus Katayamas skulpturalen Objekten, handgenähten Stücken und Fotografie fordert den Betrachter heraus, den Körper und seine komplexe Beziehung zur umgebenden Umwelt und Gesellschaft zu hinterfragen.

Von 1. September bis 19. November 2023 präsentiert FOTO ARSENAL WIEN die erste Einzelausstellung der Künstlerin in Österreich. Die Ausstellung zeigt eine Auswahl von Selbstporträts aus verschiedenen Serien von 2015 bis heute, darunter die 2016 erschienene Trilogie Shadow Puppet, Bystander und On the Way Home sowie die Studie für Karyatide, die 2023 entwickelt wurde. Zu sehen ist auch ein großes, mehrgliedriges handgenähtes Objekt aus der Bystander-Serie, das - um Katayamas Körper gewickelt und mit ihm verflochten - in mehreren Selbstporträts erscheint.

Über gesellschaftliche Normen, Beauty-Standards und den Triumph des Lebens

Nach der Amputation ihrer Unterschenkel aufgrund einer Schienbein-Hemimelie im Alter von neun Jahren verbarg Katayama ihre körperliche Beeinträchtigung, damit sie wie „alle anderen“ leben konnte. Erst im Alter von sechzehn Jahren begann sie bewusst zu schaffen und sich selbst als Künstlerin zu verstehen. Seitdem nutzt Katayama ihren Körper, der seine Form, Größe und Rollen in der Gesellschaft ständig verändert, als kreatives Mittel, um sich der Gesellschaft zu nähern, sie zu reflektieren und sich mit ihr zu verbinden sowie ihre eigene Neugier auf unsere gemeinsame Besessenheit nach (künstlich geschaffener) Schönheit zu erkunden. Katayamas kreative Tätigkeit erweiterte sich nach und nach von Selbstporträts, die sie in ihrem eigenen Zimmer anfertigte, bis hin zu Ausflügen ins Freie, dem Fotografieren der Körper anderer Menschen und einem Arbeiten, das mit der Bitte um Hilfe anderer verbunden ist.

Beispielsweise reiste sie 2016 häufig auf die Insel Naoshima, um die Serie Bystander zu erstellen, in der sie die Hände von Puppenspielern bei Onna-bunraku, einer rein weiblichen Bunraku-Puppentheatergruppe, fotografierte, was zu einer Sammlung von Fotografien und handgenähten Objekten führte (einige davon sind in der Ausstellung zu sehen). Dies waren die ersten Arbeiten, in denen Katayama die Körper anderer zeigte. Im Jahr 2023 wurde nach langjähriger Zusammenarbeit mit vielen Einzelpersonen und Unternehmen die zweite Ausgabe von High Heals abgeschlossen, ein Projekt, das Katayama zur Gestaltung maßgeschneiderter High Heels 2011 initiiert hatte. Diese Erfahrungen, zusammen mit der allmählichen Erweiterung ihres Arbeitsstils, ließen Katayama sowohl die Schwierigkeit als auch die Kraft des „Zusammenlebens“ verstehen. Es reifte die Erkenntnis nicht sagen zu können, dass ihr ihr Körper gehört, weil seine Vitalität durch zahlreiche Menschen und Mechanismen ermöglicht wird, darunter Orthopädie-Techniker, die ihren Körper besser kennen als sie selbst, sowie soziale Unterstützung durch das Behindertenfürsorgesystem und ihre Familie und Freunde. Obwohl Katayamas Arbeit persönliche Angelegenheiten als Ausgangspunkt nimmt, sind diese persönlichen Angelegenheiten nicht ihr Thema. Der Kern der Fragen und Perspektiven, die sich aus ihren Arbeiten und ihrem Wirken ergeben, ist stets auf die Gesellschaft gerichtet.

Katayama erklärt: „Ich bin mir nicht bewusst, dass die Person auf den Selbstporträts ich bin. Es gibt etwas in mir, das dasselbe ist wie du. Ich bin du." Dies führt den Betrachter zu der Frage, wer auf den Porträts abgebildet ist, und wem sein Körper gehört, und regt ihn zum Nachdenken über die Motive des eigenen Denkens an. Heutzutage kann jeder ganz einfach Bilder in sozialen Medien posten und teilen, einschließlich Informationen über sein Aussehen, seinen Aufenthaltsort, sein Verhalten und sogar seine früheren Aktivitäten. „Wie viel davon bist du und wie viel nicht? Wem gehören ich und du, und wo sind wir?“ Die Antwort auf diese Fragen scheint noch unklarer geworden zu sein.

Katayamas Bilder und Objekte beschäftigen den Betrachter mit grundlegenden Fragen zum Körper und den komplexen Themen rund um Körper, wie voreingenommene Blicke, soziale Etiketten und was als richtig oder falsch angesehen wird. So wie Katayama bei der Herstellungvon Objekten jeden einzelnen Stich spürt, spiegelt und verdeutlicht die Erfahrung ihrer Arbeit Haltungen und Rollen in der Gesellschaft.

Mari Katayama (*1987) lebt in Gunma (JPN). Neben ihrer künstlerisch-kreativen Tätigkeit arbeitet sie als Fashion Model, Sängerin und Keynote Speaker. Katayamas Arbeiten wurde mit zahlreichen Kunstpreisen ausgezeichnet; sie waren in den letzten 15 Jahren in rund 50 internationalen Einzel- und Gruppenpräsentationen zu sehen. Nach zuletzt großen Ausstellungen 2019 auf der 58. Biennale in Venedig und 2021 im Maison Européenne de la Photographie, Paris, zeigt diese erste Ausstellung in Wien rund 30 Fotografien und Installationen.


"Quelle est ta part et quelle n'est pas ta part ? À qui appartiennent moi et toi, et où sommes-nous" ? (Mari Katayama)

Au cœur de la pratique de Katayama se trouve l'expérience quotidienne de la vie dans son propre corps, qu'elle utilise comme sculpture vivante, mannequin et instrument de réflexion sur la société. La combinaison des objets sculpturaux de Katayama, des pièces cousues à la main et de la photographie met le spectateur au défi de s'interroger sur le corps et sa relation complexe avec l'environnement et la société environnante.

Du 1er septembre au 19 novembre 2023, FOTO ARSENAL WIEN présente la première exposition individuelle de l'artiste en Autriche. L'exposition présente une sélection d'autoportraits issus de différentes séries de 2015 à aujourd'hui, dont la trilogie Shadow Puppet, Bystander et On the Way Home, publiée en 2016, ainsi que l'étude pour Karyatide, développée en 2023. On peut également voir un grand objet cousu à la main à plusieurs éléments de la série Bystander qui - enroulé autour du corps de Katayama et entrelacé avec lui - apparaît dans plusieurs autoportraits.

Sur les normes sociales, les standards de beauté et le triomphe de la vie

Après avoir été amputée des membres inférieurs à l'âge de neuf ans en raison d'une hémimélie tibiale, Katayama a dissimulé son handicap physique afin de pouvoir vivre comme "tout le monde". Ce n'est qu'à l'âge de seize ans qu'elle a commencé à créer consciemment et à se considérer comme une artiste. Depuis lors, Katayama utilise son corps, qui change constamment de forme, de taille et de rôle dans la société, comme un moyen créatif d'approcher, de réfléchir et de se connecter à la société, ainsi que d'explorer sa propre curiosité pour notre obsession commune de la beauté (créée artificiellement). L'activité créative de Katayama s'est progressivement élargie, passant d'autoportraits réalisés dans sa propre chambre à des sorties en plein air, à la photographie du corps d'autres personnes et à un travail lié à la demande d'aide des autres.

Par exemple, en 2016, elle s'est souvent rendue sur l'île de Naoshima pour créer la série Bystander, dans laquelle elle a photographié les mains des marionnettistes d'Onna-bunraku, une troupe de théâtre de marionnettes bunraku entièrement féminine, ce qui a donné lieu à une collection de photographies et d'objets cousus à la main (dont certains sont présentés dans l'exposition). Il s'agissait des premières œuvres dans lesquelles Katayama montrait le corps d'autres personnes. En 2023, après de nombreuses années de collaboration avec de nombreux individus et entreprises, la deuxième édition de High Heals a été achevée, un projet que Katayama avait initié pour créer des talons hauts sur mesure en 2011. Ces expériences, ainsi que l'élargissement progressif de son style de travail, ont permis à Katayama de comprendre à la fois la difficulté et la force du "vivre ensemble". Elle a pris conscience qu'elle ne pouvait pas dire que son corps lui appartenait, car sa vitalité était rendue possible par de nombreuses personnes et de nombreux mécanismes, notamment des techniciens orthopédistes qui connaissaient son corps mieux qu'elle, ainsi que par le soutien social du système d'aide aux personnes handicapées et par sa famille et ses amis. Bien que le travail de Katayama prenne les affaires personnelles comme point de départ, ces affaires personnelles ne sont pas son sujet. Le cœur des questions et des perspectives qui découlent de son travail et de ses activités est toujours orienté vers la société.

Katayama explique : "Je ne suis pas consciente que la personne sur les autoportraits est moi. Il y a quelque chose en moi qui est la même chose que toi. Je suis toi". Cela amène le spectateur à se demander qui est représenté sur les portraits et à qui appartient son corps, et l'incite à réfléchir sur les motifs de sa propre pensée. Aujourd'hui, tout le monde peut facilement poster et partager des images sur les médias sociaux, y compris des informations sur son apparence, son lieu de résidence, son comportement et même ses activités passées. "Dans quelle mesure êtes-vous et dans quelle mesure ne l'êtes-vous pas ? À qui appartenons-nous, toi et moi, et où sommes-nous" ? La réponse à ces questions semble être devenue encore plus floue.

Les images et les objets de Katayama occupent le spectateur avec des questions fondamentales sur le corps et les thèmes complexes autour du corps, comme les regards biaisés, les étiquettes sociales et ce qui est considéré comme bien ou mal. Tout comme Katayama ressent chaque point de couture lors de la fabrication d'objets, l'expérience de son travail reflète et illustre les attitudes et les rôles dans la société.

Mari Katayama (*1987) vit à Gunma (JPN). Parallèlement à ses activités artistiques et créatives, elle travaille comme mannequin de mode, chanteuse et keynote speaker. Les travaux de Katayama ont été récompensés par de nombreux prix artistiques ; ils ont fait l'objet d'une cinquantaine de présentations internationales individuelles et collectives au cours des 15 dernières années. Après de récentes grandes expositions en 2019 à la 58e Biennale de Venise et en 2021 à la Maison Européenne de la Photographie, Paris, cette première exposition à Vienne présente une trentaine de photographies et d'installations.


"Quanto di tutto questo è tuo e quanto non lo è? Chi possiede me e te, e dove siamo?". (Mari Katayama)

Al centro della pratica di Katayama c'è l'esperienza quotidiana di vivere nel proprio corpo, che usa come scultura vivente, manichino e strumento per riflettere sulla società. La combinazione di oggetti scultorei, pezzi cuciti a mano e fotografie di Katayama sfida lo spettatore a interrogarsi sul corpo e sulla sua complessa relazione con l'ambiente circostante e la società.

Dal 1° settembre al 19 novembre 2023, FOTO ARSENAL WIEN presenta la prima mostra personale dell'artista in Austria. La mostra presenta una selezione di autoritratti tratti da varie serie dal 2015 a oggi, tra cui la trilogia Shadow Puppet, Bystander e On the Way Home del 2016, nonché lo studio per Karyatide, sviluppato nel 2023. In mostra anche un grande oggetto cucito a mano e multi-linked della serie Bystander, che - avvolto intorno al corpo di Katayama e intrecciato con esso - appare in diversi autoritratti.

Sulle norme sociali, gli standard di bellezza e il trionfo della vita

Dopo aver subito l'amputazione degli arti inferiori a causa di un'emimelia tibiale all'età di nove anni, Katayama ha nascosto la sua menomazione fisica per poter vivere come "tutti gli altri". Solo all'età di sedici anni ha iniziato a creare consapevolmente e a vedersi come un'artista. Da allora, Katayama ha usato il suo corpo, che cambia costantemente forma, dimensione e ruolo nella società, come mezzo creativo per avvicinarsi, riflettere e connettersi con la società, oltre che per esplorare la propria curiosità sulla nostra comune ossessione per la bellezza (creata artificialmente). L'attività creativa di Katayama si è gradualmente ampliata dagli autoritratti realizzati nella propria stanza alle escursioni all'aperto, alla fotografia di corpi altrui e a un corpo di lavoro che prevede la richiesta di aiuto agli altri.

Ad esempio, nel 2016 si è recata spesso sull'isola di Naoshima per creare la serie Bystander, in cui ha fotografato le mani delle marionettiste di Onna-bunraku, un gruppo di teatro di marionette bunraku tutto al femminile, dando vita a una collezione di fotografie e oggetti cuciti a mano (alcuni dei quali sono esposti in mostra). Queste sono state le prime opere in cui Katayama ha mostrato i corpi degli altri. Nel 2023, dopo molti anni di collaborazione con numerosi individui e aziende, è stata completata la seconda edizione di High Heals, un progetto iniziato da Katayama nel 2011 per progettare tacchi alti su misura. Queste esperienze, insieme alla graduale espansione del suo stile di lavoro, hanno fatto capire a Katayama la difficoltà e la forza del "vivere insieme". È maturata la consapevolezza di non poter dire che il suo corpo le appartiene, perché la sua vitalità è resa possibile da numerose persone e meccanismi, tra cui i protesisti che conoscono il suo corpo meglio di lei, nonché il sostegno sociale del sistema di assistenza ai disabili, della sua famiglia e dei suoi amici. Sebbene il lavoro di Katayama prenda le questioni personali come punto di partenza, queste non sono il suo soggetto. Il nucleo delle questioni e delle prospettive che emergono dal suo lavoro e dalla sua opera è sempre rivolto alla società.

Katayama spiega: "Non sono consapevole che la persona negli autoritratti sia io. C'è qualcosa in me che è uguale a te. Io sono voi". Questo porta lo spettatore a chiedersi chi sia la persona raffigurata nei ritratti e di chi sia il corpo, e lo porta a riflettere sulle motivazioni del proprio pensiero. Al giorno d'oggi, chiunque può facilmente postare e condividere immagini sui social media, comprese informazioni sul proprio aspetto, sugli spostamenti, sul comportamento e persino sulle attività passate. "Quanto di tutto questo è tuo e quanto non lo è? Chi è il proprietario di me e di te, e dove siamo?". La risposta a queste domande sembra essere diventata ancora più ambigua.

I dipinti e gli oggetti di Katayama coinvolgono lo spettatore con domande fondamentali sul corpo e sulle complesse questioni che lo circondano, come gli sguardi distorti, le etichette sociali e ciò che è considerato giusto o sbagliato. Così come Katayama sente ogni punto nella realizzazione degli oggetti, l'esperienza del suo lavoro riflette e chiarisce atteggiamenti e ruoli nella società.

Mari Katayama (*1987) vive a Gunma (JPN). Oltre alle sue attività artistico-creative, lavora come modella di moda, cantante e oratrice. L'opera di Katayama è stata premiata con numerosi premi d'arte ed è stata esposta in circa 50 mostre personali e collettive internazionali negli ultimi 15 anni. Dopo le recenti grandi mostre alla 58ª Biennale di Venezia nel 2019 e alla Maison Européenne de la Photographie di Parigi nel 2021, questa prima mostra a Vienna presenta circa 30 fotografie e installazioni.


"How much of this is you and how much is not? Who owns me and you, and where are we?" (Mari Katayama)

Katayama's practice centers on the everyday experience of living in her own body, which she uses as a living sculpture, mannequin, and instrument for reflecting on society. The combination of Katayama's sculptural objects, hand-sewn pieces, and photography challenges the viewer to question the body and its complex relationship to the surrounding environment and society.

From September 1 to November 19, 2023, FOTO ARSENAL WIEN presents the artist's first solo exhibition in Austria. The exhibition features a selection of self-portraits from various series from 2015 to the present, including the 2016 trilogy Shadow Puppet, Bystander, and On the Way Home, as well as the study for Karyatide, developed in 2023. Also on view is a large, multi-limb hand-sewn object from the Bystander series that appears - wrapped around and intertwined with Katayama's body - in several self-portraits.

On social norms, beauty standards, and the triumph of life.

After having her lower legs amputated due to tibial hemimelia at the age of nine, Katayama hid her physical impairment so that she could live like "everyone else." It was not until the age of sixteen that she began to consciously create and see herself as an artist. Since then, Katayama has used her body, which is constantly changing its shape, size, and roles in society, as a creative means to approach, reflect, and connect with society, as well as to explore her own curiosity about our shared obsession with (artificially created) beauty. Katayama's creative activity gradually expanded from self-portraits made in her own room to outdoor excursions, photographing other people's bodies, and a body of work that involves asking for help from others.

For example, in 2016 she traveled frequently to Naoshima Island to create the Bystander series, in which she photographed the hands of puppeteers at Onna-bunraku, an all-female bunraku puppet theater troupe, resulting in a collection of photographs and hand-sewn objects (some of which are on view in the exhibition). These were the first works in which Katayama showed the bodies of others. In 2023, after many years of collaboration with many individuals and companies, the second edition of High Heals was completed, a project Katayama initiated to design custom-made high heels in 2011. These experiences, along with the gradual expansion of her work style, made Katayama understand both the difficulty and power of "living together." The realization matured of not being able to say that her body belongs to her because its vitality is made possible by numerous people and mechanisms, including prosthetists who know her body better than she does, as well as social support from the disability care system and her family and friends. Although Katayama's work takes personal issues as a starting point, these personal issues are not her subject. The core of the questions and perspectives that emerge from her work and her work is always focused on society.

Katayama explains, "I am not aware that the person in the self-portraits is me. There is something in me that is the same as you. I am you." This leads the viewer to question who is depicted in the portraits and whose body it is, and makes them think about the motives of their own thinking. Nowadays, anyone can easily post and share images on social media, including information about their appearance, location, behavior, and even past activities. "How much of this is you and how much is not? Who owns me and you, and where are we?" The answer to these questions seems to have become even more ambiguous.

Katayama's paintings and objects engage the viewer with fundamental questions about the body and the complex issues surrounding bodies, such as biased looks, social labels, and what is considered right or wrong. Just as Katayama feels each stitch in the making of objects, the experience of her work reflects and clarifies attitudes and roles in society.

Mari Katayama (*1987) lives in Gunma (JPN). In addition to her artistic-creative activities, she works as a fashion model, singer and keynote speaker. Katayama's works have been awarded numerous art prizes; they have been shown in about 50 international solo and group presentations over the past 15 years. Following recent major exhibitions in 2019 at the 58th Venice Biennale and 2021 at the Maison Européenne de la Photographie, Paris, this first exhibition in Vienna features some 30 photographs and installations.

(FOTO ARSENAL WIEN)

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Claudia Caviezel: Caleidoscope | Museum für Gestaltung | Zürich
Aug.
31
7:00 PM19:00

Claudia Caviezel: Caleidoscope | Museum für Gestaltung | Zürich


Museum für Gestaltung | Zürich
31. August 2023

Caleidoscope
Claudia Caviezel


Tokyo, 2015 © Claudia Caviezel


Das bunte Œuvre von Claudia Caviezel ist eine wahre visuelle Entdeckung. Seit mehr als zwanzig Jahren beschäftigt sich die ausgebildete Textildesignerin mit Stoffen und darüber hinaus. In ihren Entwürfen, die von Haushaltsprodukten über die internationale Haute Couture bis zu Installationen im öffentlichen Raum reichen, verwebt sie traditionelles Handwerk mit digitalen Tools und beweist ein feines Gespür für Farben und Muster. Caviezel folgt dabei ihrer kreativen Intuition, arbeitet spontan, direkt und experimentell. Die Ausstellung gibt mit textilen Objekten, grossformatigen Prints, Skizzen sowie neu angefertigten Arbeiten einen umfassenden Einblick in die einzigartige Arbeitsweise der preisgekrönten Schweizer Gestalterin.


L’œuvre multicolore de Claudia Caviezel est une véritable découverte visuelle. Depuis plus de vingt ans, la designeuse textile de formation s’intéresse aux tissus et à bien d’autres matières. Dans ses projets, qui vont des articles pour la maison à des installations dans l’espace public en passant par la haute couture internationale, elle entremêle l’artisanat traditionnel à des outils numériques et fait preuve d’un sens aigu des couleurs et des motifs. Caviezel suit ce faisant son intuition inventive, travaille de façon spontanée, directe et expérimentale. À travers des objets textiles, des imprimés grand format, des esquisses et des œuvres récentes, l‘exposition offre un vaste panorama des méthodes uniques de la créatrice suisse primée.


La coloratissima opera di Claudia Caviezel è una vera e propria scoperta visiva. Da oltre vent'anni, la designer tessile di formazione lavora con i tessuti e non solo. Nei suoi progetti, che spaziano dai prodotti per la casa all'alta moda internazionale e alle installazioni in spazi pubblici, l'artista intreccia l'artigianato tradizionale con gli strumenti digitali e dimostra uno spiccato senso del colore e del disegno. Caviezel segue il suo intuito creativo, lavorando in modo spontaneo, diretto e sperimentale. Con oggetti tessili, stampe di grande formato, schizzi e opere di nuova produzione, la mostra offre una visione completa del metodo di lavoro unico della premiata designer svizzera.


The colorful oeuvre of Claudia Caviezel is a visual revelation. For more than twenty years, the trained textile designer has been working in the realm of fabrics and beyond. In designs ranging from household products to international haute couture to installations in public spaces, she interweaves traditional craftsmanship with digital tools, demonstrating a flair for color and pattern. Caviezel lets herself be guided by her own creative intuition, working spontaneously, directly, and experimentally. The exhibition features textile objects, large-format prints, sketches, and recent works in order to give viewers a comprehensive look at the unique working methods of the award-winning Swiss designer.

(Text: Museum für Gestaltung, Zürich)

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Between the real and the unreal - Albarrán Cabrera | Bildhalle | Zürich
Aug.
31
6:00 PM18:00

Between the real and the unreal - Albarrán Cabrera | Bildhalle | Zürich


Bildhalle | Zürich
31. August 2023

Between the real and the unreal
Albarrán Cabrera


Polarized #54005, 2022 © Albarrán Cabrera, Courtesy of Bildhalle


Anna Cabrera und Angel Albarrán sind brillante Fotochemiker in der Dunkelkammer: als Erfinder neuer Printtechniken und mit Hilfe experimenteller Prozesse erweitern sie ihre «fotografische Syntax» permanent: Die Fotografie dient ihnen als Instrument, die Konzepte von Identität, Erinnerung und Zeit zu erforschen und die Feinheiten des Bewusstseins besser zu verstehen.

Die gezeigten Werke umfassen die letzten 10 Jahre ihres kreativen Schaffens: von Silbergelatine- und Platin-Palladium-Abzügen bis hin zu ihren berühmten leuchtenden Farblandschaften auf japanischem Gampi-Papier über Blattgold. Zu sehen sind auch ihre jüngsten Arbeiten: komplexe Karbon-Prints sowie prismatische Abstraktionen von polarisiertem Licht.

Die Ausstellung zeugt von der investigativen Kraft des Künstlerduos, technisch wie inhaltlich. Denn schlussendlich ist es auch die Wahl der Printtechnik, die die Geschichte eines Bildes zu Ende erzählt: Ob Pigment, Silber, Carbon, Cyanotypie oder Platinum – die Künstler wählen für jedes Werk aus einer breiten Palette von Verfahren und Materialien, die dem Print eine für die Technik typische Textur und Farbqualität verleihen.

In ihren eigenen Worten: «At first we photographed with the simple intention of recording what we saw. But soon our interest shifted from capturing the superficial appearance of reality to investigating its ‘underlying structure’. Thus, photography has in this way become the perfect philosophical tool with which to understand the world and our images are the by-product of that investigation, the notebooks of our research.»

Albarrán Cabreras Werke faszinieren Kunst- und Fotografiesammler/innen weltweit: sie sind hoch ästhetisch, voller philosophischer und kunsthistorischer Referenzen und darüber hinaus von taktiler und sinnlicher Qualität. Nach fast 8-jähriger Repräsentanz des Künstlerduos, freuen wir uns, eine zweite umfassend Einzelausstellung in Zürich zu präsentieren.


Anna Cabrera et Angel Albarrán sont de brillants chimistes photographiques dans la chambre noire : en tant qu'inventeurs de nouvelles techniques d'impression et à l'aide de processus expérimentaux, ils élargissent en permanence leur "syntaxe photographique" : la photographie leur sert d'instrument pour explorer les concepts d'identité, de mémoire et de temps et pour mieux comprendre les subtilités de la conscience.

Les œuvres présentées couvrent les dix dernières années de leur travail créatif : des tirages au gélatino-argent et au platine-palladium à leurs célèbres paysages aux couleurs vives sur papier japonais Gampi, en passant par les feuilles d'or. On peut également y voir ses travaux les plus récents : des impressions complexes au carbone ainsi que des abstractions prismatiques de lumière polarisée.

L'exposition témoigne de la force d'investigation du duo d'artistes, tant sur le plan technique que sur celui du contenu. Car en fin de compte, c'est aussi le choix de la technique d'impression qui raconte l'histoire d'une image jusqu'au bout : Pigment, argent, carbone, cyanotype ou platine - pour chaque œuvre, les artistes choisissent parmi une large palette de procédés et de matériaux qui confèrent à l'impression une texture et une qualité de couleur typiques de la technique.

Selon leurs propres termes : "Au début, nous avons photographié avec la simple intention d'enregistrer ce que nous voyions. Mais très vite, notre intérêt s'est détourné de la capture de l'aspect superficial de la réalité pour examiner sa 'structure sous-jacente'. Ainsi, la photographie est devenue l'outil philosophique parfait pour comprendre le monde et nos images sont le produit dérivé de cette investigation, les carnets de notes de notre recherche".

Les œuvres d'Albarrán Cabrera fascinent les collectionneurs d'art et de photographies du monde entier : elles sont hautement esthétiques, pleines de références philosophiques et à l'histoire de l'art et, en outre, d'une qualité tactile et sensuelle. Après presque 8 ans de représentation du duo d'artistes, nous sommes heureux de présenter une deuxième exposition individuelle complète à Zurich.


Anna Cabrera e Angel Albarrán sono brillanti fotochimici in camera oscura: come inventori di nuove tecniche di stampa e con l'aiuto di processi sperimentali, ampliano costantemente la loro "sintassi fotografica": la fotografia serve loro come strumento per esplorare i concetti di identità, memoria e tempo e per comprendere meglio le sottigliezze della coscienza.

Le opere in mostra abbracciano gli ultimi 10 anni del loro lavoro creativo: dalle stampe alla gelatina d'argento e al platino-palladio ai loro famosi paesaggi luminosi a colori su carta giapponese gampi con foglia d'oro. In mostra anche i suoi lavori più recenti: complesse stampe al carbonio e astrazioni prismatiche di luce polarizzata.

La mostra testimonia il potere investigativo del duo di artisti, sia dal punto di vista tecnico che da quello dei contenuti. In fondo, è la scelta della tecnica di stampa che racconta la storia di un'immagine fino in fondo: Che si tratti di pigmento, argento, carbone, cianotipia o platino, per ogni opera gli artisti scelgono tra un'ampia gamma di processi e materiali che conferiscono alla stampa la consistenza e la qualità cromatica tipiche della tecnica.

Nelle loro stesse parole: "All'inizio fotografavamo con la semplice intenzione di registrare ciò che vedevamo. Ma ben presto il nostro interesse si è spostato dalla cattura dell'aspetto superficiale della realtà all'indagine della sua 'struttura sottostante'. In questo modo, la fotografia è diventata il perfetto strumento filosofico con cui comprendere il mondo e le nostre immagini sono il sottoprodotto di questa indagine, i quaderni della nostra ricerca."

Le opere di Albarrán Cabrera affascinano i collezionisti d'arte e di fotografia di tutto il mondo: sono altamente estetiche, ricche di riferimenti filosofici e storico-artistici, e hanno anche una qualità tattile e sensuale. Dopo quasi 8 anni di rappresentanza del duo di artisti, siamo lieti di presentare una seconda mostra personale completa a Zurigo.


Anna Cabrera and Angel Albarrán are photochemists working in the darkroom: as inventors of new printing techniques and with the help of experimental processes, they are constantly expanding their “photographic syntax”: photography serves them as a tool to explore the concepts of identity, memory and time and the subtleties of consciousness to understand reality better.

The works on display span the last 10 years of their creative work: from gelatin silver and platinum palladium prints to their famous luminous color landscapes on Japanese Gampi paper and gold leaf. Also on view are their most recent works: complex carbon prints and prismatic abstractions of polarized light.

The exhibition testifies to the investigative power of the artist duo, both technically and in terms of content. After all, it is also the choice of print technique that tells the story of a picture to the end: Whether pigment, silver, carbon, cyanotype or platinum - the artists choose for each work from a wide range of processes and materials that give the print a special touch and for the technique typical texture and color quality.

In their own words: “At first we photographed with the simple intention of recording what we saw. But soon our interest shifted from capturing the superficial appearance of reality to investigating its ‘underlying structure’. Thus, photography has in this way become the perfect philosophical tool with which to understand the world and our images are the by-product of that investigation, the notebooks of our research.”

Albarrán Cabrera’s works fascinate art and photography collectors worldwide: they are highly aesthetic, full of philosophical and art-historical references and, moreover, of tactile and sensual quality. After almost 8 years of representation of the artist duo, we are pleased to present a second comprehensive solo exhibition in Zurich.

(Text: Bildhalle Zürich & Amsterdam)

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Vincent Bousserez | Galerie Esther Woerdehoff | Paris
Aug.
31
bis 23. Sept.

Vincent Bousserez | Galerie Esther Woerdehoff | Paris

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Galerie Esther Woerdehoff | Paris
31. August - 23. September 2023

Vincent Bousserez


Altered n1, 2023, © Vincent Bousserez, courtesy Galerie Esther Woerdehoff


Die Galerie stellt zum ersten Mal die Arbeiten des französischen Fotografen Vincent Bousserez aus.

Seine Werke sind hybride Bilder, Diptychen, wie er sie nennt, in denen Pigmentabzüge und Kohleabzüge auf Glas nebeneinander existieren. Der Künstler schafft so zwei Interpretationen ein und derselben Landschaft, die er zu einem einzigen Bild verschmelzen lässt, als würde er uns die Herstellung der Landschaft in Aktion zeigen.

Die Fotografien von Vincent Bousserez sind mehr als nur Ansichten der Natur, sie sind Teil einer Reflexion über den Status des Bildes und seine Reproduzierbarkeit.

Die Landschaftsfotografie, die vor der wachsenden ökologischen Gefahr warnt, ist eine weit verbreitete Übung in der Fotografie. Doch wo sich Vincent Bousserez' Vorgehen unterscheidet, ist die Kohärenz, die er zwischen dem fotografierten Objekt und der Fotografie selbst als plastischem Objekt zu weben vermag. Der Kohleabzug auf Glas, ein Verfahren, das auf die Frühzeit der Fotografie zurückgeht, wird so zum spektralen Doppelgänger der gerahmten Landschaft. Diese Überlagerung bildet die Erinnerungsschichten der Landschaft.

Mit seiner Serie Altered, was so viel wie "verändert" bedeutet, stellt Vincent Bousserez die Frage nach der Landschaft als Erfindung unseres Blicks, als Ort, der von bereits assimilierten Bildern besetzt ist.


La galerie expose pour la première fois le travail du photographe français Vincent Bousserez.

Ses oeuvres sont des images hybrides, des diptyques comme il les appelle, dans lesquelles cohabitent tirage pigmentaire et tirage au carbon sur verre. L’artiste crée ainsi deux interprétations d’un même paysage qu’il fusionne afin de ne créer qu’une seule et même image, comme s'il nous donnait à voir la fabrication en acte de celui-ci.

Plus que des points de vue sur la nature, les photographies de Vincent Bousserez participent d’une réflexion sur le statut de l’image et sa reproductibilité.

La photographie de paysage qui alerte sur le péril écologique grandissant est un exercice très répandu en photographie. Mais là où la démarche de Vincent Bousserez se distingue c’est dans la cohérence qu’il réussit à tisser entre l’objet photographié et la photographie elle-même en tant qu’objet plastique. Le tirage au charbon sur verre, un procédé qui remonte aux premiers temps de la photographie, devient alors le double spectral du paysage encadré. Cette superposition constitue les couches mémorielles du paysage.

À travers sa série Altered, qui signifie « altéré », Vincent Bousserez pose ainsi la question du paysage en tant qu’invention de notre regard, comme lieu investi d’images déjà assimilées.


La galleria espone per la prima volta il lavoro del fotografo francese Vincent Bousserez.

Le sue opere sono immagini ibride, o dittici come li chiama lui, in cui coesistono stampe a pigmento e stampe al carbonio su vetro. In questo modo, l'artista crea due interpretazioni dello stesso paesaggio, che poi fonde per creare un'unica immagine, come se ci mostrasse la realizzazione del paesaggio in azione.

Più che semplici punti di vista sulla natura, le fotografie di Vincent Bousserez sono parte di una riflessione sullo statuto dell'immagine e sulla sua riproducibilità.

La fotografia di paesaggio, che avverte del crescente pericolo ecologico, è un esercizio molto comune nella fotografia. Ma l'approccio di Vincent Bousserez si distingue per la coerenza che riesce a creare tra l'oggetto fotografato e la fotografia stessa come oggetto plastico. La stampa a carboncino su vetro, un processo che risale agli albori della fotografia, diventa il doppio spettrale del paesaggio incorniciato. Questa sovrapposizione costituisce gli strati memoriali del paesaggio.

Attraverso la serie Altered, Vincent Bousserez solleva la questione del paesaggio come invenzione del nostro sguardo, un luogo investito da immagini già assimilate.


The gallery is exhibiting the work of French photographer Vincent Bousserez for the first time.

His photographs are hybrid images, or diptychs as he calls them, in which pigment prints and carbon prints on glass coexist. In this way, the artist creates two interpretations of the same landscape, which he merges to create a single image, as if he were showing us the making of the landscape in action.

Vincent Bousserez's photographs are more than just points of view on nature; they are part of a reflection on the status of the image and its reproducibility.

Landscape photography serves as a widespread means of conveying the escalating ecological threat. However, Vincent Bousserez's approach stands out due to his remarkable ability to unify the subject of the photograph with the photograph itself, creating a cohesive artistic entity. By utilizing the charcoal print on glass technique, an ancient photographic process, he effectively transforms the framed landscape into a haunting mirror image, emphasizing the connection between the image and its tangible form.

Through his Altered series, Vincent Bousserez raises the question of landscape as an invention of our gaze, a place invested with images that have already been assimilated.

(Text: Elisa Bernard,Paris)

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Arthur Tress | Galerie Esther Woerdehoff | Paris
Aug.
31
bis 23. Sept.

Arthur Tress | Galerie Esther Woerdehoff | Paris

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Galerie Esther Woerdehoff | Paris
31. August - 23. September 2023

Arthur Tress


Arthur Tress, Making Leaves, Cold Spring, New York, 1978, Série Still Lives, tirage gélatino-argentique, Édition de 50, 36 x 28 cm


Arthur Tress wurde 1940 in Brooklyn geboren. Als Kind besuchte er oft die Halbinsel Coney Island, ein Reich der Unterhaltung, in dem die Menschen nach dem Krieg nach einem schimärenhaften Vergnügen suchten. Die Unterhaltung zeigte sich dort in ihrer disruptiven Kraft, als ein Zustand vorübergehenden Wahnsinns, in dem die Menschen aus ihrem Leben und ihrer religiösen Gemeinschaft ausbrechen und sich ihren Verpflichtungen entziehen konnten.

In diesem Theater des Unheimlichen - einem Ort, an dem Hierarchien und Werte zeitweise umgestoßen werden - schmiedet der junge Arthur Tress seinen fotografischen Blick. Wir stellen uns gerne vor, wie er auf das graue, kaum jodhaltige Wasser blickte und sich auf den harten, von den Fußtritten der Besucher festgestampften Sand setzte, um das Schauspiel zu beobachten, das sich vor ihm abspielte. Ein Kind, das bereits anders war, mit einem gesteigerten Bewusstsein für die Fehler der Welt um ihn herum und für das die schwankende Mechanik der Attraktionen die Farbe der menschlichen Seele hatte.

Während die Orte seiner amerikanischen Kindheit, an denen sich die Erwachsenen in einem fröhlichen Ventil kindlichen Spielen hingaben, wie ein Katalysator wirkten, nimmt die Welt der Kinder selbst einen wichtigen Platz in Arthur Tress' Arbeit ein. Der Fotograf stimmt der Vorstellung von der Kindheit als verlorenem Paradies nicht zu. Bei ihm sind die Kinder unruhig und von einer beunruhigenden Melancholie erfüllt. Das Gesicht der Kindheit ist das eines Jungen, der mit Wurzeln anstelle von Händen über den Boden kriecht, eines Wesens mit unbestimmtem Geschlecht, das uns mit Blicken apostrophiert, während es eine Zigarette raucht, während seine Kameraden spielen, oder eines Schulkindes, das unter seiner Eselsmütze in einer verlassenen Schulklasse erstickt. Diese Fotografien berichten von der subversiven Kraft der imaginären Spiele der Kindheit, in einem Lebensabschnitt, in dem man sich eine Welt erfindet, die den eigenen Wünschen entspricht. Arthur Tress wirft einen treffenden Blick auf diese Zeit, in der innerhalb ein und derselben Person Spontaneität und Entdeckerfreude auf der einen Seite und Unkommunikativität und Angst vor dem Unbekannten auf der anderen Seite koexistieren.

Arthur Tress spricht von den Rändern. Seine Fotografien offenbaren die Gewalt der Anpassung an die Erwartungen der Gesellschaft, die auf diejenigen ausgeübt wird, die sich von ihr entfernen. Die Infragestellung von Männlichkeit und Weiblichkeit, die Ablehnung des Heiratsbefehls und körperliche Gebrechen beschäftigen die Personen, die seine Bilder bevölkern.

Arthur Tress' Welt bewegt sich am Rande von Traum und Wirklichkeit, in einer hartnäckigen Suche, diese Grenze zu erfassen. Die Fotografien des Künstlers befinden sich nie im vollen Licht, sondern immer in einem Halbschatten. Sie zeigen uns nicht eine Szene, sondern suggerieren eine verblasste Erinnerung. Arthur Tress gräbt Bilder aus, die in unserem Unterbewusstsein vergraben sind, um eine ätzende Mythologie zu schaffen.

Diese Werke offenbaren eine innere Wahrheit, die im Gedächtnis bleibt. Einmal gesehen, werden diese Bilder in unser visuelles Repertoire aufgenommen, da sie uns etwas über uns verraten. Um die Welt zu untersuchen, inszeniert Arthur Tress die Vision, die er im Kopf hat, mithilfe von Requisiten und fängt sein Bild ein. Er verkleidet die Realität, um ihr das Aussehen seines Traums zu verleihen.

Die Arbeit von Arthur Tress führt uns in eine Zwischenwelt, in der der Tod allgegenwärtig ist. Es gibt eine Dringlichkeit, die Menschen innerhalb dieser Grenze zu erfassen, wie zum Beispiel das eine Mal, als er seinen Vater in New York im Schnee erschossen hatte, um ein letztes Bild von ihm einzufangen, nur wenige Tage vor seinem Tod. Der alte Mann erschien mit offenem Mund, wie in einem letzten Röcheln gefangen, und konfrontierte uns mit der tragischen Unbeweglichkeit seines Körpers.

Die Werke von Arthur Tress sind unwahrscheinliche Visionen, die wie Fata Morganas wirken. Sie vermitteln den Eindruck, eine Wahrheit über diese Wesen überrascht zu haben, die wir nicht hätten sehen sollen, wie das junge Mädchen vor dem Schloss Breteuil, das Fische vor dem Austrocknen eines Teichs rettet. Im Schlamm kniend und mit ängstlicher Miene scheint sie uns zu sagen: "Was schaut ihr euch da an?

Es handelt sich um die erste monografische Ausstellung, die die Galerie Esther Woerdehoff seit 1998 Arthur Tress widmet, und die Sie ab dem Herbst entdecken können.


Arthur Tress est né à Brooklyn en 1940. Enfant, il avait pour habitude de fréquenter la presqu’île de Coney Island, un royaume du divertissement où les gens venaient chercher un plaisir chimérique au sortir de la guerre. La distraction s’y révélait alors dans sa force disruptive, comme un état de folie passagère pendant lequel les gens pouvaient sortir de leur vie, de leur communauté religieuse, échapper à leurs obligations.

C’est dans ce théâtre de l’étrange - lieu de renversement temporaire des hiérarchies et des valeurs - que le jeune Arthur Tress forge son regard de photographe. Nous l’imaginons volontiers contempler l’eau grise, à peine iodée, et s’asseoir sur le sable dur, tassé par les piétinements des visiteurs, afin d’observer le spectacle qui se jouait devant lui. Un enfant déjà différent, avec une conscience accrue des failles du monde qui l’entoure et pour qui les mécaniques vacillantes des attractions avaient la couleur de l’âme humaine.

Si les lieux de son enfance américaine, où les adultes se laissaient aller à des jeux enfantins dans un joyeux exutoire, ont fonctionné comme un catalyseur, le monde des enfants eux-mêmes occupe une place prépondérante dans le travail d’Arthur Tress. Le photographe ne souscrit pas à l’idée de l’enfance comme un paradis perdu. Chez lui, les enfants sont intranquilles et emplis d’une inquiétante mélancolie. Le visage de l’enfance est celui de ce garçon rampant sur le sol avec des racines à la place des mains, cet être au genre indéterminé qui nous apostrophe du regard en fumant une cigarette pendant que ses camarades jouent ou cet écolier asphyxié sous son bonnet d’âne dans une classe d’école désertée. Ces photographies rendent compte de la force subversive de l’imaginaire des jeux de l’enfance, à un moment de la vie où l'on s’invente un univers conforme à ses désirs. Arthur Tress porte un regard juste sur cette période où cohabitent au sein d’une même personne la spontanéité et la joie de la découverte d’une part et l’incommunicabilité et la peur de l’inconnu de l’autre.

Arthur Tress dit les marges. Ses photographies révèlent la violence de la conformation aux attentes de la société qui s’exerce sur ceux qui s’en éloignent. La remise en question du masculin et du féminin, le rejet de l'injonction du mariage, l’infirmité physique préoccupent les personnages qui peuplent ses images.

L’univers d’Arthur Tress évolue à la lisière du rêve et de la réalité, dans une quête obstinée de saisir cette limite. Les photographie de l'artiste ne sont jamais en pleine lumière mais toujours dans une pénombre. Elles ne nous montrent pas une scène mais suggèrent un souvenir évanoui. Arthur Tress déterre des images enfouies dans notre inconscient pour créer une mythologie corrosive.

Ces oeuvres sont révélatrices d’une vérité intérieure qui reste en mémoire. Une fois vues, ces images entrent dans notre répertoire visuel car elles nous révèlent quelque chose de nous. Afin d'ausculter le monde, Arthur Tress met en scène la vision qu’il a en tête au moyen d’accessoires et capture son image. Il travestit le réel pour lui donner l’apparence de son rêve.

Le travail d’Arthur Tress nous fait entrer dans un entre-deux-mondes où la mort est omniprésente. Il y a une urgence à saisir les êtres qui se situent dans cette limite, comme la fois où il avait descendu son père dans la neige à New York, pour capter de lui un dernier cliché, quelques jours avant sa mort. Le vieil homme apparaissait bouche ouverte comme saisi dans un dernier râle, nous confrontant à l’immobilité tragique de son corps.

Les oeuvres d’Arthur Tress sont des visions invraisemblables aux allures de mirages. Elles donnent l’impression d’avoir surpris une vérité sur ces êtres que nous n’aurions pas dû voir, comme la jeune fille devant le château de Breteuil qui sauve des poissons avant l’assèchement d’un bassin. Agenouillée dans la vase, la mine anxieuse, elle semble nous dire « Que regardez vous ? ».

Il s'agit de la première exposition monographique que la galerie Esther Woerdehoff consacre à Arthur Tress depuis 1998, à découvrir dès la rentrée.


Arthur Tress è nato a Brooklyn nel 1940. Da bambino frequentava la penisola di Coney Island, un regno del divertimento dove la gente veniva a cercare un piacere chimerico dopo la guerra. La forza dirompente del divertimento si rivelava lì, come uno stato di follia temporanea durante il quale le persone potevano fuggire dalle loro vite, dalle loro comunità religiose e dai loro obblighi.

È in questo teatro dello strano - un luogo in cui le gerarchie e i valori venivano temporaneamente ribaltati - che il giovane Arthur Tress ha forgiato il suo occhio fotografico. Possiamo immaginarlo mentre contempla l'acqua grigia, appena iodata, e si siede sulla sabbia dura, compattata dal calpestio dei visitatori, per osservare lo spettacolo che si svolge davanti a lui. Un bambino già diverso, con un'accentuata consapevolezza dei difetti del mondo che lo circondava, per il quale la meccanica tremolante delle attrazioni era il colore dell'anima umana.

Se i luoghi della sua infanzia americana, dove gli adulti si abbandonavano ai giochi infantili come sfogo di gioia, hanno agito da catalizzatore, il mondo dei bambini stessi occupa un posto predominante nel lavoro di Arthur Tress. Il fotografo non aderisce all'idea dell'infanzia come paradiso perduto. Per lui i bambini sono intranquilli e pieni di una malinconia inquietante. Il volto dell'infanzia è quello di un ragazzo che striscia per terra con delle radici al posto delle mani, di un essere di sesso indefinito che ci fissa fumando una sigaretta mentre i suoi compagni giocano, o di uno scolaro che soffoca sotto il suo berretto da somaro in un'aula scolastica deserta. Queste fotografie catturano il potere sovversivo del mondo immaginario dei giochi infantili, in un momento della nostra vita in cui stiamo inventando un mondo che si adatti ai nostri desideri. Arthur Tress getta uno sguardo accurato su questo periodo, in cui la spontaneità e la gioia della scoperta coesistono nella stessa persona, da un lato, e l'incomunicabilità e la paura dell'ignoto, dall'altro.

Arthur Tress parla dai margini. Le sue fotografie rivelano la violenza che la conformità alle aspettative della società esercita su coloro che se ne allontanano. La messa in discussione della mascolinità e della femminilità, il rifiuto dell'ingiunzione matrimoniale e l'infermità fisica preoccupano i personaggi che popolano le sue immagini.

Il mondo di Arthur Tress si evolve al confine tra sogno e realtà, in un'ostinata ricerca di afferrare questo confine. Le fotografie dell'artista non sono mai scattate in piena luce, ma sempre in penombra. Non ci mostrano una scena, ma suggeriscono un ricordo sbiadito. Arthur Tress porta alla luce immagini sepolte nel nostro subconscio per creare una mitologia corrosiva.

Queste opere rivelano una verità interiore che indugia nella memoria. Una volta viste, queste immagini diventano parte del nostro repertorio visivo perché rivelano qualcosa di noi. Per esaminare il mondo, Arthur Tress utilizza oggetti di scena per mettere in scena la visione nella sua testa e catturare la sua immagine. Traveste la realtà per darle l'aspetto del suo sogno.

Il lavoro di Arthur Tress ci porta in un mondo intermedio dove la morte è onnipresente. C'è un'urgenza nell'immortalare le persone che si trovano su questo confine, come nell'occasione in cui ha fotografato suo padre nella neve a New York, per catturare un'ultima istantanea di lui, pochi giorni prima della sua morte. Il vecchio è apparso con la bocca aperta, come colto da un ultimo rantolo, mettendoci di fronte alla tragica immobilità del suo corpo.

Le opere di Arthur Tress sono visioni inverosimili che assomigliano a miraggi. Danno l'impressione di aver sorpreso una verità su questi esseri che non avremmo dovuto vedere, come la ragazza davanti al Castello di Breteuil che salva i pesci prima che uno stagno venga prosciugato. Inginocchiata nel fango, con aria ansiosa, sembra dire: "Cosa stai guardando?

Questa è la prima mostra personale dedicata ad Arthur Tress dalla galleria Esther Woerdehoff dal 1998 e sarà visitabile a partire dall'autunno.


Arthur Tress was born in Brooklyn in 1940. As a child, he used to frequent the Coney Island peninsula, a realm of entertainment where people came to seek a chimerical pleasure in the aftermath of the war, where distraction revealed itself in its disruptive force, as a state of temporary madness during which people could escape from their lives, their religious communities, and their obligations.

It was in this theatre of the strange - a place where hierarchies and values were temporarily overturned - that the young Arthur Tress forged his photographic eye. We can imagine him contemplating the grey, barely iodised water, and sitting down on the hard sand, compacted by the trampling of visitors, to observe the spectacle unfolding before him. A child who was already different, with a heightened awareness of the flaws in the world around him, and for whom the flickering mechanics of the attractions were the colour of the human soul.

If the places of his American childhood, where adults indulged in childish games as a joyful outlet, acted as a catalyst, the world of children itself occupies a predominant place in Arthur Tress's work. The photographer does not subscribe to the idea of childhood as a lost paradise, and his images of children are intranquil and filled with a disquieting melancholy. The face of childhood is that of a boy crawling on the ground with roots for hands, a being of indeterminate gender who stares at us while smoking a cigarette while his classmates play, or a schoolboy asphyxiated under his dunce cap in a deserted school classroom. These photographs capture the subversive power of the imagination of childhood games, at a time in life when people invent a world for themselves that suits their desires. Arthur Tress takes an accurate look at this period, when spontaneity and the joy of discovery coexist within the same person on the one hand, and incommunicability and fear of the unknown on the other.

Arthur Tress speaks from the margins. His photographs reveal the violence of conforming to society's expectations, which is exerted on those who stray from them. The questioning of masculinity and femininity, the injunction to marry, and physical infirmity are all factors that animate the characters who inhabit his images.

The world of Arthur Tress evolves on the edge of dream and reality, in a stubborn quest to grasp this boundary. The artist's photographs are never in full light, but always in half-light. They do not show us a scene but suggest a faded memory. Arthur Tress unearths images buried in our subconscious to create a corrosive mythology.

These works reveal an inner truth that remains in the memory. Once seen, these images become part of our visual repertoire because they reveal something about us. In order to examine the world, Arthur Tress uses props to stage the vision in his head and capture his image. He disguises reality to give it the appearance of his dream.

Arthur Tress's work takes us into an in-between world where death is omnipresent. There is an urgency to capturing people who stand on this boundary, as on the occasion when he shot his father in the snow in New York, to capture one last snapshot of him, a few days before his death. The old man appeared with his mouth open, as if caught in a final rattle, confronting us with the tragic immobility of his body.

The works of Arthur Tress are improbable visions with the appearance of mirages. They give the impression of having surprised a truth about these beings that we shouldn't have seen, like the young girl in front of the Château de Breteuil who is rescuing fish before a pond dries up. Kneeling in the mud with an anxious expression on her face, she seems to be saying "What are you looking at ?".

This is the first solo exhibition devoted to Arthur Tress by the Esther Woerdehoff gallery since 1998.

(Text: Elisa Bernard, Paris)

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frei | IG Halle im Kunst(Zeug)Haus Rapperswil
Aug.
27
bis 5. Nov.

frei | IG Halle im Kunst(Zeug)Haus Rapperswil

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© Patrik Fuchs, «Isolator, rot, Nr. 05», 2020, Fotografie, 28 × 36 cm


FREI ist der dritte Teil der 2020 begonnenen Ausstellungstrilogie weit – wild – frei. Der Themenkreis ist aktuell, wie der bisherige Erfolg und die gut besuchten Anlässe zeigen. Auch FREI umfasst als Gruppenausstellung künstlerische Positionen, die unterschiedliche Aspekte des Themas spiegeln. So geht es Marlis Spielmann um die Freiheit von Frauen, während Susanne Lyner eine Arbeitsweise entwickelt hat, um die Farbe von ihrem Träger zu befreien. In einem Gespräch über das freie Künstlerleben befragen wir Kunstschaffende über die Realität ihres Berufs und diskutieren über die Wirkung von Kunst auf die Gesellschaft. In einem weiteren Podium geht es um Menschenrechte, unter anderem in Hinblick auf den digitalen Raum.

Kompromisslos frei
Einer, der Freiheit zu leben versucht, ist der Winterthurer Künstler Erwin Schatzmann. Er fordert dazu auf, den Wandel, den man sich wünscht, selbst zu verwirklichen. Bekannt für seine bunt bemalten Holzfiguren und Holzbänke, die an zahlreichen Orten im öffentlichen Raum stehen, ergreift er immer wieder die Initiative, damit Kunst auch ausserhalb des Museums und des etablierten Kunstbetriebs stattfindet. Sein Morgenland ist ein einzigartiger Offspace der Lebenskunst. Ein bedeutender Teil seines Werks sind die Texte, die mit viel Humor ungewohnte Perspektiven vorschlagen. Auch in seinen Zeichnungen schafft Erwin Schatzmann ein buntes und grenzenloses Bild des Lebens.

Weibliche Freiheit oder gefangen im Muster?
Ähnlich wie Erwin Schatzmann verwendete Marlis Spielmann zu Beginn Elemente aus der Volkskunst. Ihre axialsymmetrischen Scherenschnitte formten Reigen aus menschlichen Figuren, Tieren und Blumen. Seit einigen Jahren fokussiert sie ihre Arbeit auf grossformatige Scheren- und Messerschnitte, die sich wie filigrane Wandteppiche präsentieren, aus der Nähe betrachtet jedoch überraschende gesellschaftskritische Details preisgeben. In ihrem gesamten Werk hat sie traditionell weibliches Handwerk wie etwa textile Techniken aufgegriffen und weiterentwickelt, um damit gleichzeitig Geschlechterrollen zu hinterfragen.

Gegenstand, losgelöst
Gegenstände wie Nistkästen oder Drahtzaunisolatoren dienen dem Fotografen Patrik Fuchs zur Reflexion über die Menschen, die sie geschaffen haben und die Kultur, der sie angehören. Zwischen Schutz und Gefangenschaft, zwischen unheimlich-heimelig erzählen sie ihre Geschichten. Im Format von Serien sammelt Patrik Fuchs verschiedene Exemplare des Gegenstands, um dessen Symbolik zu verdichten. In reduzierter Ästhetik, vor einem einheitlichen neutralen Hintergrund und losgelöst von ihrer ursprünglichen Umgebung leuchten die Objekte wie kostbare Fundstücke auf, die zum genauen Hinschauen auffordern. Aus der nüchternen, unkommentierten Sammlung formulieren sich subtile Botschaften.

Zwischen Form und Wandlung
Sowohl Susanne Lyner als auch Sandra Capaul legen für ihre Arbeit gewisse Bedingungen und Strukturen fest, die eine freie Entwicklung und Variationen zulassen. In der Bestrebung, der Farbe möglichst viel Eigenständigkeit zuzugestehen, frei von Attributen und gegenständlichen Assoziationen, nutzt Susanne Lyner Raster oder das Rechteck als Grundform. Die Wiederholung wird zum lebendigen Rhythmus, der das Zusammenspiel der Farben und die feinsten Schattierungen zur Entfaltung bringt.

Bewegung bestimmt viele von Sandra Capauls Arbeiten. Unter anderem setzt sie eine Drehscheibe ein, auf der sie die Arbeitsfläche anbringt und so die Farbe nach dem Prinzip des provozierten Zufalls fliessen lässt. Aus diesem Prozess sind auch die neuen Werke mit Lackfarbe entstanden: schrittweise von den Bildtafeln mit dem Titel Sulfurous zur Installation The circus of the sun, benannt nach einem Gedicht von Robert Lax, bis zu White noise, den Papierbahnen, die die von der Rotation weggeschleuderten Farbtropfen aufgefangen haben. Ein umfangreicher Werkzyklus befasst sich mit dem Gefäss. Dabei steht die Wandelbarkeit der Form im Zentrum, sie bringt Wahrnehmung und Gedanken in Bewegung.

Farbe befreien
In Susanne Lyners mit einer eigenen Technik entwickelten Farbobjekten löst sich die Farbe vollends vom Untergrund, indem sie nicht aufgetragen, sondern geworfen wird und ein dichtes, mehrschichtiges Geflecht aus Acryl bildet. Susanne Lyners Arbeiten prägt die Verbindung von Stofflichkeit und Flüchtigkeit, der Fokus auf die Materialität der Farbe in grosser Leichtigkeit.

Über Freiheit reden
Neben öffentlichen Führungen sind in der Ausstellung FREI mehrere Anlässe geplant: Ein Gespräch mit Erwin Schatzmann, Ingrid Käser und Tom Haller verbindet die Themen der Trilogie weit – wild – frei mit besonderem Blick auf die Realität des Künstlerberufs. Ein Podium thematisiert die Situation der Menschenrechte in unserer Gesellschaft in der Schweiz, in Europa, und stellt die Frage nach Freiheit und Verantwortung unter anderem im digitalen Raum. In Zusammenarbeit mit dem Kunstzeughaus findet eine Kurzführung mit Workshop statt, und an der Kulturnacht Rapperswil ist die IG Halle ebenfalls beteiligt.


FREI est le troisième volet de la trilogie d'expositions "weit - wild - frei", commencée en 2020. Le thème est d'actualité, comme le montrent le succès rencontré jusqu'à présent et la bonne fréquentation des manifestations. En tant qu'exposition de groupe, FREI comprend également des positions artistiques qui reflètent différents aspects du thème. Ainsi, Marlis Spielmann s'intéresse à la liberté des femmes, tandis que Susanne Lyner a développé une méthode de travail visant à libérer la couleur de son support. Dans une discussion sur la vie libre des artistes, nous interrogerons des créateurs sur la réalité de leur métier et discuterons de l'impact de l'art sur la société. Une autre table ronde abordera les droits de l'homme, notamment en ce qui concerne l'espace numérique.

Libre sans compromis
L'artiste Erwin Schatzmann de Winterthour est l'un de ceux qui tentent de vivre la liberté. Il invite à réaliser soi-même le changement que l'on souhaite. Connu pour ses personnages et ses bancs en bois peints de couleurs vives, qui se trouvent dans de nombreux endroits de l'espace public, il prend régulièrement l'initiative de faire en sorte que l'art sorte des musées et du circuit artistique établi. Son Morgenland est un offspace unique de l'art de vivre. Les textes, qui proposent des perspectives inhabituelles avec beaucoup d'humour, constituent une part importante de son œuvre. Dans ses dessins également, Erwin Schatzmann crée un visuel coloré et sans limites de la vie.

Liberté féminine ou prisonnier du modèle ?
Tout comme Erwin Schatzmann, Marlis Spielmann a utilisé à ses débuts des éléments issus de l'art populaire. Ses découpages à symétrie axiale formaient des rondes de figures humaines, d'animaux et de fleurs. Depuis quelques années, elle concentre son travail sur des découpages aux ciseaux et au couteau de grand format qui se présentent comme des tapisseries en filigrane, mais qui, vus de près, révèlent des détails surprenants de critique sociale. Dans l'ensemble de son œuvre, elle a repris et développé des techniques artisanales traditionnellement féminines, comme le textile, pour remettre en question les rôles de genre.

Objet, détaché
Des objets comme des nichoirs ou des isolateurs en fil de fer servent au photographe Patrik Fuchs à réfléchir sur les hommes qui les ont créés et sur la culture à laquelle ils appartiennent. Entre protection et emprisonnement, entre étrangeté et intimité, vous racontez leurs histoires. Sous le format de séries, Patrik Fuchs rassemble différents exemplaires de l'objet afin d'en condenser la symbolique. Dans une esthétique réduite, sur un fond neutre uniforme et détachés de leur environnement d'origine, les objets brillent comme des trouvailles précieuses qui invitent à les regarder de plus près. Des messages subtils se formulent à partir de cette collection sobre et sans commentaire.

Entre forme et transformation
Tant Susanne Lyner que Sandra Capaul fixent pour leur travail certaines conditions et structures qui permettent une évolution et des variations libres. S'efforçant d'accorder à la couleur le plus d'autonomie possible, libre d'attributs et d'associations figuratives, Susanne Lyner utilise des trames ou le rectangle comme forme de base. La répétition devient un rythme vivant qui fait ressortir l'interaction des couleurs et les nuances les plus fines.

Le mouvement détermine de nombreux travaux de Sandra Capaul. Elle utilise entre autres un plateau tournant sur lequel elle fixe la surface de travail, laissant ainsi la couleur s'écouler selon le principe du hasard provoqué. C'est de ce processus que sont nées les nouvelles œuvres avec de la peinture laquée : progressivement, des tableaux intitulés Sulfurous à l'installation The circus of the sun, du nom d'un poème de Robert Lax, jusqu'à White noise, les bandes de papier qui ont recueilli les gouttes de peinture projetées par la rotation. Un vaste cycle d'œuvres est consacré au récipient. La mutabilité de la forme est au centre de ce travail, vous mettez en mouvement la perception et la pensée.

Libérer la couleur
Dans les objets colorés de Susanne Lyner, développés avec sa propre technique, la couleur se détache complètement du support, en ce sens qu'elle n'est pas appliquée, mais jetée, et forme un réseau dense et multicouche d'acrylique. Les travaux de Susanne Lyner sont marqués par l'association de la matérialité et de l'évanescence, par l'accent mis sur la matérialité de la couleur dans une grande légèreté.

Parler de liberté
Outre les visites guidées publiques, plusieurs événements sont prévus dans le cadre de l'exposition FREI : Une discussion avec Erwin Schatzmann, Ingrid Käser et Tom Haller relie les thèmes de la trilogie weit - wild - frei avec un regard particulier sur la réalité du métier d'artiste. Une table ronde abordera la situation des droits de l'homme dans notre société en Suisse, en Europe, et transmettra la question de la liberté et de la responsabilité, notamment dans l'espace numérique. Une courte visite guidée avec atelier aura lieu en collaboration avec le Kunstzeughaus, et IG Halle participe également à la Nuit de la culture de Rapperswil.


FREI è la terza parte della trilogia espositiva weit - wild - frei, iniziata nel 2020. Il tema è di grande attualità, come dimostrano il successo ottenuto finora e gli eventi ben frequentati. In quanto mostra collettiva, FREI comprende anche posizioni artistiche che riflettono diversi aspetti del tema. Marlis Spielmann, ad esempio, si occupa della libertà delle donne, mentre Susanne Lyner ha sviluppato un modo di lavorare per liberare il colore dal suo vettore. In una conversazione sulla vita libera degli artisti, chiediamo agli artisti la realtà della loro professione e discutiamo dell'impatto dell'arte sulla società. In un altro panel, esaminiamo i diritti umani, tra l'altro in relazione allo spazio digitale.

Libero senza compromessi
Una persona che cerca di vivere la libertà è l'artista di Winterthur Erwin Schatzmann. Egli invita le persone a realizzare da sole il cambiamento che desiderano. Conosciuto per le sue figure in legno dipinte a colori e per le panchine in legno che si trovano in numerosi luoghi dello spazio pubblico, prende ripetutamente l'iniziativa di realizzare l'arte al di fuori del museo e dell'establishment artistico consolidato. Il suo Morgenland è uno spazio off unico dell'arte di vivere. Una parte significativa del suo lavoro sono i testi, che suggeriscono prospettive insolite con molto umorismo. Anche nei suoi disegni, Erwin Schatzmann crea un'immagine colorata e sconfinata della vita.

Libertà femminile o intrappolamento in uno schema?
Come Erwin Schatzmann, anche Marlis Spielmann ha utilizzato inizialmente elementi dell'arte popolare. Le sue silhouette a simmetria assiale formavano tondi di figure umane, animali e fiori. Da alcuni anni si è concentrata su sagome di grande formato e tagli a coltello, che si presentano come delicati arazzi ma che, se osservati da vicino, rivelano sorprendenti dettagli socio-critici. In tutta la sua opera, ha ripreso mestieri tradizionalmente femminili come le tecniche tessili e li ha sviluppati ulteriormente per mettere in discussione i ruoli di genere.

Oggetto, distaccato
Oggetti come scatole per nidi o isolatori per recinzioni metalliche servono al fotografo Patrik Fuchs per riflettere sulle persone che li hanno creati e sulla cultura a cui appartengono. Tra rifugio e prigionia, tra inquietante e familiare, raccontano le loro storie. Nel formato della serie, Patrik Fuchs raccoglie diverse copie dell'oggetto per condensarne il simbolismo. In un'estetica ridotta, di fronte a uno sfondo neutro uniforme e staccato dal loro ambiente originale, gli oggetti risplendono come preziosi oggetti trovati che ci invitano a guardare da vicino. Dalla collezione sobria e priva di commenti vengono formulati messaggi sottili.

Tra forma e trasformazione
Sia Susanne Lyner che Sandra Capaul stabiliscono determinate condizioni e strutture per il loro lavoro, che consentono un libero sviluppo e variazioni. Nel tentativo di lasciare al colore la massima autonomia possibile, libera da attributi e associazioni rappresentative, Susanne Lyner utilizza le griglie o il rettangolo come forma di base. La ripetizione diventa un ritmo vivace che esalta il gioco dei colori e le sfumature più sottili.

Il movimento determina molte delle opere di Sandra Capaul. Tra l'altro, utilizza una piattaforma girevole su cui appoggia la superficie di lavoro, permettendo così alla pittura di fluire secondo il principio del caso provocato. Anche le nuove opere con la vernice lacca sono nate da questo processo: passo dopo passo, dai pannelli illustrati intitolati Sulfurous all'installazione The circus of the sun, che prende il nome da una poesia di Robert Lax, fino a White noise, le ragnatele di carta che hanno catturato le gocce di vernice scagliate dalla rotazione. Un ampio ciclo di opere si occupa dell'imbarcazione. L'attenzione si concentra sulla mutevolezza della forma, mettendo in moto la percezione e il pensiero.

Liberare il colore
Negli oggetti a colori di Susanne Lyner, sviluppati con una tecnica propria, il colore si stacca completamente dal supporto, non viene applicato ma gettato, formando una fitta rete di acrilico a più strati. Le opere di Susanne Lyner sono caratterizzate dalla combinazione di materialità e fugacità, dall'attenzione alla materialità del colore in una grande leggerezza.

Parlare di libertà
Oltre alle visite guidate al pubblico, sono previsti diversi eventi per la mostra FREI: Una conversazione con Erwin Schatzmann, Ingrid Käser e Tom Haller combina i temi della trilogia wide - wild - free con un'attenzione particolare alla realtà della professione dell'artista. Un panel affronterà la situazione dei diritti umani nella nostra società in Svizzera e in Europa e porrà, tra l'altro, la questione della libertà e della responsabilità nello spazio digitale. In collaborazione con la Kunstzeughaus, si terrà una breve visita guidata con workshop, e l'IG Halle partecipa anche alla Kulturnacht Rapperswil.


FREI is the third part of the exhibition trilogy weit - wild - frei, which began in 2020. The theme is topical, as the success to date and the well-attended events show. As a group exhibition, FREI also comprises artistic positions that reflect different aspects of the theme. Marlis Spielmann, for example, is concerned with the freedom of women, while Susanne Lyner has developed a working method to free color from its carrier. In a conversation about the free life of artists, we ask artists about the reality of their profession and discuss the impact of art on society. In another panel, we look at human rights, including with regard to digital space.

Uncompromisingly free
One person who tries to live freedom is Winterthur artist Erwin Schatzmann. He encourages people to make the change they want to see happen themselves. Known for his colorfully painted wooden figures and wooden benches, which stand in numerous places in public space, he repeatedly takes the initiative so that art can take place outside the museum and the established art establishment. His Morgenland is a unique offspace of the art of living. A significant part of his work are the texts, which suggest unusual perspectives with a lot of humor. In his drawings, Erwin Schatzmann also creates a colorful and boundless image of life.

Female freedom or trapped in a pattern?
Similar to Erwin Schatzmann, Marlis Spielmann used elements from folk art at the beginning. Her axially symmetrical silhouettes formed rounds of human figures, animals and flowers. For several years now, she has focused her work on large-format silhouettes and knife cuts that look like delicate tapestries but, when viewed up close, reveal surprising socio-critical details. Throughout her work, she has taken up traditionally female crafts such as textile techniques and developed them further, at the same time questioning gender roles.

Object, detached
Objects such as nesting boxes or wire fence insulators serve photographer Patrik Fuchs to reflect on the people who created them and the culture to which they belong. Between shelter and captivity, between eerie and homely, they tell their stories. In the format of series, Patrik Fuchs collects different copies of the object to condense its symbolism. In reduced aesthetics, in front of a uniform neutral background and detached from their original environment, the objects shine out like precious found objects that invite us to look closely. Subtle messages formulate from the sober, uncommented collection.

Between form and transformation
Both Susanne Lyner and Sandra Capaul establish certain conditions and structures for their work that allow for free development and variations. In an effort to allow color as much autonomy as possible, free of attributes and representational associations, Susanne Lyner uses grids or the rectangle as a basic form. Repetition becomes a lively rhythm that brings out the interplay of colors and the finest shadings.

Movement determines many of Sandra Capaul's works. Among other things, she uses a turntable on which she places the work surface, allowing the color to flow according to the principle of provoked chance. This process has also given rise to the new works with lacquer paint: progressively from the picture panels entitled Sulfurous to the installation The circus of the sun, named after a poem by Robert Lax, to White noise, the paper webs that have caught the drops of paint thrown off by the rotation. An extensive cycle of works deals with the vessel. The focus is on the mutability of form, setting perception and thought in motion.

Liberating color
In Susanne Lyner's color objects, developed with her own technique, the color completely detaches itself from the substrate by not being applied but thrown, forming a dense, multi-layered mesh of acrylic. Susanne Lyner's works are characterized by the combination of materiality and volatility, the focus on the materiality of color in great lightness.

Talking about freedom
In addition to public tours, several events are planned for the exhibition FREI: A conversation with Erwin Schatzmann, Ingrid Käser and Tom Haller connects the themes of the trilogy wide - wild - free with a special focus on the reality of the artist's profession. A panel discusses the situation of human rights in our society in Switzerland, in Europe, and raises the question of freedom and responsibility, among other things, in the digital space. In cooperation with the Kunstzeughaus, a short guided tour with workshop will take place, and IG Halle is also involved in the Kulturnacht Rapperswil.

(Text: Judith Annaheim, IG Halle, Rapperswil)

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PHOTO | BRUT - Collection Bruno Decharme | Museum im Bellpark | Kriens
Aug.
26
bis 19. Nov.

PHOTO | BRUT - Collection Bruno Decharme | Museum im Bellpark | Kriens


Museum im Bellpark | Kriens
26. August - 19. November 2023

PHOTO | BRUT - Collection Bruno Decharme



Die Ausstellung PHOTO | BRUT wurde im Jahr 2019 anlässlich des renommierten Fotofestival Rencontres d‘Arles gezeigt und sorgte dort für einiges Aufsehen. Die Ausstellung in Arles eröffnete den Besuchenden erstmals einen internationalen Blick auf „self–taught“ Fotografie und umfasste an die zweihundert Arbeiten von annähernd zwanzig Künstlerinnen und Künstlern.

Das Museum im Bellpark hat nun das Privileg, die von der abcd – Collection Bruno Decharme konzipierte Ausstellung nach Stationen in New York und Brüssel für das deutschsprachige Publikum erschliessen zu können. Die vom Museum getätigte Auswahl wird ein breites Spektrum an fotografischen Bildanwendungen vereinen: Neben traditioneller Fotografie sind auch Collagen, Arbeiten, die sich auf den fotografischen Prozess fokussieren sowie digitale Bildbearbeitungen vertreten. Die künstlerischen Strategien der Autodidakt:innen sind oft prozessorientiert und multidisziplinär angelegt. Die Ausstellung PHOTO | BRUT betont somit die vielseitige Typologie der Fotografie und fordert so unsere Sehgewohnheiten heraus.

Eine Ausstellung von abcd – Collection Bruno Decharme in Zusammenarbeit mit dem Museum im Bellpark.


L'exposition PHOTO | BRUT a été présentée en 2019 à l'occasion du prestigieux festival de photographie des Rencontres d'Arles, où elle a fait sensation. L'exposition d'Arles a permis aux visiteurs de découvrir pour la première fois un regard international sur la photographie "self-taught" et a rassemblé près de deux cents œuvres d'une vingtaine d'artistes.

Après des étapes à New York et à Bruxelles, le musée du Parc Bell a le privilège d'ouvrir l'exposition conçue par abcd - Collection Bruno Decharme au public germanophone. La sélection effectuée par le musée réunira un large éventail d'applications photographiques de l'image : Outre la photographie traditionnelle, des collages, des travaux axés sur le processus photographique ainsi que des traitements d'images numériques seront représentés. Les stratégies artistiques des autodidactes sont souvent orientées vers le processus et multidisciplinaires. L'exposition PHOTO | BRUT met ainsi l'accent sur la typologie variée de la photographie et défie ainsi nos habitudes visuelles.

Une exposition d'abcd - Collection Bruno Decharme en collaboration avec le Museum im Bellpark.


La mostra PHOTO | BRUT è stata esposta nel 2019 in occasione del rinomato festival fotografico Rencontres d'Arles e ha suscitato grande scalpore. La mostra di Arles ha offerto per la prima volta ai visitatori una visione internazionale della fotografia autodidatta e ha incluso circa duecento opere di quasi venti artisti.

Il Museum im Bellpark ha ora il privilegio di rendere accessibile al pubblico di lingua tedesca la mostra, ideata dall'abcd - Collection Bruno Decharme, dopo le tappe di New York e Bruxelles. La selezione effettuata dal museo riunirà un ampio spettro di applicazioni dell'immagine fotografica: Oltre alla fotografia tradizionale, sono rappresentati anche collage, opere incentrate sul processo fotografico e sull'elaborazione digitale delle immagini. Le strategie artistiche dei fotografi autodidatti sono spesso orientate al processo e multidisciplinari. La mostra PHOTO | BRUT mette quindi in evidenza la multiforme tipologia della fotografia e sfida le nostre abitudini di visione.

Una mostra di abcd - Collection Bruno Decharme in collaborazione con il Museum im Bellpark.


The exhibition PHOTO | BRUT was shown in 2019 on the occasion of the renowned photo festival Rencontres d'Arles and caused quite a stir there. The exhibition in Arles gave visitors an international view of "self-taught" photography for the first time and included around two hundred works by nearly twenty artists.

The Museum im Bellpark now has the privilege of making the exhibition, conceived by the abcd - Collection Bruno Decharme, accessible to the German-speaking public after stops in New York and Brussels. The selection made by the museum will unite a wide range of photographic image applications: In addition to traditional photography, collages, works that focus on the photographic process, and digital image manipulations will be represented. The artistic strategies of the self-taught photographers are often process-oriented and multidisciplinary. The exhibition PHOTO | BRUT thus emphasizes the multifaceted typology of photography, challenging our habits of seeing.

An exhibition by abcd - Collection Bruno Decharme in collaboration with the Museum im Bellpark.

(Text: Museum im Bellpark, Kriens)

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Martin Schoeller | Camera Work | Berlin
Aug.
26
bis 7. Okt.

Martin Schoeller | Camera Work | Berlin


Camera Work | Berlin
26. August - 7. Oktober 2023

Martin Schoeller


Jane Fonda, 2009 © Martin Schoeller, AUGUST / Courtesy of CAMERA WORK Gallery


Die Ausstellung von Martin Schoeller umfasst mehr als 40 Werke aus seiner weltbekannten Serie »Close Up«. Der Großteil der ausgestellten Porträts wird zum ersten Mal präsentiert, darunter die neuen »Close Up«-Werke »Christy Turlington«, »Philip Seymour Hoffman« und »Brad Pitt«. Die Ausstellung findet anlässlich des Beginns der Serie vor 25 Jahren statt und ist eine der größten »Close Up«-Ausstellungen aller Zeiten weltweit.


L'exposition de Martin Schoeller comprend plus de 40 œuvres de sa série mondialement connue "Close Up". La plupart des portraits exposés sont présentés pour la première fois, notamment les nouvelles œuvres "Close Up" "Christy Turlington", "Philip Seymour Hoffman" et "Brad Pitt". L'exposition, qui marque le début de la série il y a 25 ans, est l'une des plus grandes expositions "Close Up" jamais organisées dans le monde.


La mostra di Martin Schoeller comprende più di 40 opere della sua famosissima serie "Close Up". La maggior parte dei ritratti esposti viene presentata per la prima volta, compresi i nuovi lavori "Close Up" "Christy Turlington", "Philip Seymour Hoffman" e "Brad Pitt". La mostra è stata organizzata per celebrare l'inizio della serie 25 anni fa ed è una delle più grandi esposizioni di "Close Up" di tutti i tempi a livello mondiale.


The exhibition by Martin Schoeller includes more than 40 works from his world-famous "Close Up" series. The majority of the portraits on display will be presented for the first time, including the new "Close Up" works "Christy Turlington", "Philip Seymour Hoffman" and "Brad Pitt". The exhibition is held on the occasion of the beginning of the series 25 years ago and is one of the largest "Close Up" exhibitions of all time worldwide.

(Text: Camera Work, Berlin)

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Unseen Colour - Werner Bischof | Fotostiftung Schweiz | Winterthur
Aug.
26
bis 21. Jan.

Unseen Colour - Werner Bischof | Fotostiftung Schweiz | Winterthur


Fotostiftung Schweiz | Winterthur
26. August 2023 - 21. Januar 2024

Unseen Colour
Werner Bischof


Werner Bischof, Orchideen Studie, Zürich, 1943 © Werner Bischof Estate


Werner Bischof (1916–1954) gehört zu den bedeutendsten Schweizer Fotografen des 20. Jahrhunderts. Mit engagierten Reportagen und ikonischen Bildern in eindringlicher Schwarzweiss-Ästhetik erlangte er schon früh internationale Beachtung.

Die Ausstellung «Werner Bischof – Unseen Colour» gilt der Farbe: Dank eines neu entdeckten Archivbestands im Werner Bischof-Nachlass können bisher unbekannte Facetten seines Schaffens vorgestellt werden. Ausgangspunkt ist eine grosse Zahl von Glasplattennegativen aus den 1940er-Jahren, viele davon aus seiner Studiozeit bis 1945. Die Aufnahmen wurden mit einer Spezialkamera hergestellt, die durch Filter drei verschiedene Farbauszüge erzeugte, was die Produktion von realistisch wirkenden, farbigen Drucken erlaubte. Diese frühen Arbeiten werden in der Ausstellung durch ebenfalls unpublizierte Farbfotografien aus Bischofs späterem Werk ergänzt. Dabei zeigt sich, dass der legendäre Magnum-Fotograf die Farbe als künstlerisch wertvolle, zukunftsweisende Möglichkeit des Mediums verstand, womit er seiner Zeit weit voraus war.

Parallel zur Hauptausstellung präsentiert die Fotostiftung Schweiz eine Sonderschau über Rosellina Burri-Bischof (1925–1986), die Ehefrau von Werner Bischof (und später von René Burri), die für die Geschichte der Fotografie in der Schweiz eine zentrale Rolle spielte.

Eine Ausstellung von MASI Lugano und Werner Bischof Estate, in Zusammenarbeit mit der Fotostiftung Schweiz.


Werner Bischof (1916-1954) fait partie des photographes suisses les plus importants du 20e siècle. Ses reportages engagés et ses images iconiques à l’esthétique noir et blanc saisissante lui ont valu très tôt une reconnaissance internationale .

L’exposition « Werner Bischof – Couleur inédite » se concentre entièrement sur la couleur : grâce à un fonds d’archives récemment découvert dans la succession de Werner Bischof, des facettes jusqu’ici inconnues de son oeuvre peuvent être présentées. Le point de départ est un grand nombre de négatifs de plaques de verre des années 1940, dont beaucoup datent de sa période en studio jusqu’en 1945. Les images ont été réalisées à l’aide d’un appareil photo spécial qui, au travers de filtres, produisait trois séparations de couleurs différentes, ce qui permettait de produire des tirages en couleur d’un grand réalisme. Ces premiers travaux sont complétés dans l’exposition par des photographies en couleur, également inédites, de l’œuvre ultérieure de Bischof. On y découvre que le légendaire photographe de Magnum considérait la couleur comme une possibilité artistiquement précieuse et avantgardiste du médium, ce qui le plaçait bien en avance sur son temps.

En parallèle à l’exposition principale, la Fotostiftung Schweiz présente une exposition spéciale dédiée à Rosellina Burri-Bischof (1925-1986), l’épouse de Werner Bischof (et plus tard de René Burri), qui a joué un rôle central dans l’histoire de la photographie en Suisse.

Une exposition du MASI Lugano et du Werner Bischof Estate, en collaboration avec la Fotostiftung Schweiz.


Werner Bischof (1916–1954) è stato uno dei più importanti fotografi svizzeri del XX secolo. Grazie a reportage immersivi e immagini iconiche in un'estetica coinvolgente in bianco e nero, l’artista è riuscito sin da subito a ritagliarsi un ruolo di rilievo nel palcoscenico internazionale.

La mostra "Werner Bischof – Unseen Colour" è dedicata al colore: grazie al materiale d'archivio rinvenuto nel lascito di Werner Bischof, è possibile presentare al pubblico aspetti inediti del suo lavoro. Il punto di partenza è offerto dal gran numero di negativi su lastre di vetro degli anni '40, molti dei quali risalenti agli anni di studio fino al 1945. Gli scatti sono stati realizzati con una speciale macchina fotografica provvista di filtri per creare tre diverse separazioni di colore, che hanno permesso la produzione di stampe a colori assai realistiche. Queste prime opere sono integrate nella mostra da fotografie a colori (anch'esse inedite) tratte dagli ultimi lavori di Bischof. Ciò dimostra quanto il leggendario fotografo della Magnum vedesse il colore come una possibilità del mezzo artisticamente preziosa e lungimirante; un'intuizione, questa, che lo ha portato parecchio avanti rispetto ai suoi tempi.

Parallelamente all'esposizione principale, la Fondazione svizzera per la fotografia presenta una mostra speciale su Rosellina Burri-Bischof (1925–1986), moglie di Werner Bischof (e poi di René Burri), che ha ricoperto un ruolo centrale nella storia della fotografia elvetica.

Una mostra del MASI Lugano e della Werner Bischof Estate, in collaborazione con la Fondazione svizzera per la fotografia.


Werner Bischof (1916–1954) was one of the 20th century’s most significant Swiss photographers. His committed reportage and iconic images with striking black-and-white aesthetics quickly brought him international acclaim.

The exhibition Werner Bischof –Unseen Colour concentrates for the first time on his work in colour. Thanks to newly discovered archive holdings in the Werner Bischof estate, previously unknown facets of his oeuvre can be presented. The starting point is provided by a large quantity of glass-plate negatives from the 1940s, many of them from his studiobased period, up to 1945. These photographs were taken with a special camera that used filters to produce three different colour separations, allowing the production of realisticlooking colour prints. In this exhibition, these early works are complemented by colour photographs from Bischof’s later oeuvre, which have also never been published. Here, it becomes evident that this legendary Magnum photographer was well ahead of his time, in that he saw colour as an artistically valuable opportunity, pointing the way ahead for the medium.

In a special show, running parallel to the main exhibition, Fotostiftung Schweiz presents Rosellina Burri Bischof (1925–1986), the wife of Werner Bischof (and later of René Burri) who played a central role in the history of photography in Switzerland.

An exhibition by MASI Lugano and Werner Bischof Estate, in collaboration with Fotostiftung Schweiz.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

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Rosellina – Leben für die Fotografie | Fotostiftung Schweiz | Winterthur
Aug.
26
bis 21. Jan.

Rosellina – Leben für die Fotografie | Fotostiftung Schweiz | Winterthur


Fotostiftung Schweiz | Winterthur
26. August 2023 - 21. Januar 2024

Rosellina – Leben für die Fotografie


Rosellina Bischof in Japan, 1952 © Werner Bischof Estate / Magnum Photos


Als Gründungsmitglied der Fotostiftung Schweiz und als Leiterin von Magnum Schweiz spielte Rosellina Burri-Bischof (1925-1986) eine zentrale Rolle für die Geschichte der Fotografie in der Schweiz. Mit zahlreichen Foto-Ausstellungen leistete sie Pionierarbeit in der Vermittlung und Förderung der Fotografie. Das Engagement dieser charismatischen Persönlichkeit wird mit Fotografien sowie Dokumenten und Korrespondenzen aus dem Rosellina Archiv präsentiert und gewürdigt.

«Es gab wohl keinen Namen wie den von Rosellina Burri-Bischof, der in unserem Land auf gleich liebenswerte wie phantasievolle und folgenreiche Weise mit der Photographie verbunden bleibt», schrieb Hugo Loetscher 1986. Die Fotostiftung Schweiz würdigt gemeinsam mit dem Rosellina Archiv den bedeutenden Beitrag von Rosellina Burri-Bischof (1925–1986) zur Schweizer Fotografie parallel zur Ausstellung Werner Bischof – Unseen Colour . Die Ausstellung ist kuratiert von Tania Kuhn, Rosellina Archiv & Werner Bischof Estate, und Alessa Widmer, Doktorandin, Universität Zürich.

Rosa Helene Mandel, auch «Rösli» genannt, wächst als Einzelkind ihrer tschechischen Mutter Anna Prazak und ihres ungarischen Vaters Moses Mandel in Zürich auf. Die sozialistisch gesinnten und politisch aktiven Eltern prägen den Werdegang der jungen Frau: Nach Kriegsende und abgeschlossener Ausbildung als Kindergärtnerin zieht es sie über die heimatliche Grenze hinaus, um im zerstörten Europa Hilfe zu leisten. 1946 lernen sich Rösli – in Italien nun Rosellina genannt – und Werner Bischof auf der Durchreise in Mailand kennen. Die beiden teilen ihren Wunsch, sich für humanitäre Anliegen zu engagieren, aber auch ihre Sensibilität gegenüber Kunst und Fotografie. Nach ihrer Rückkehr in die Schweiz heiraten sie 1949. Rosellina kümmert sich um die Verbreitung des fotografischen Schaffens ihres Mannes.

Als Werner 1954 während einer Reportage tödlich verunglückt, bewahrt Rosellina seinen Nachlass und führt die Verbreitung seines fotografischen Werkes mit Ausstellungen und Publikationen weiter. Aufgrund ihrer Verbundenheit mit dem Fotografenkollektiv Magnum Photos wirkt sie 1956–1968 als Leiterin der Fotoagentur Magnum Photos Schweiz in Zürich. Rosellina versteht die Fotografie als eine universelle Sprache und ist bestrebt, einen internationalen Austausch zu schaffen. 1963 heiratet sie den Magnum-Fotografen René Burri und setzt in dieser Partnerschaft ihr Engagement für die Fotografie fort.

Rosellina gehört zu den Gründungsmitgliedern der Stiftung für die Photographie (heute Fotostiftung Schweiz ), die 1971 in Zürich ins Leben gerufen wird und die sie gemeinsam mit Walter Binder bis 1986 leitet. Ihre Vermittlungsarbeit ermöglicht es, die erste permanente Fotogalerie in einem Schweizer Kunstmuseum – dem Kunsthaus Zürich – von 1976 bis 1983 zu errichten. Die Fotografie sollte mit den anderen Künsten auf die gleiche Ebene gestellt sowie der kulturelle Wert des fotografischen Schaffens der Öffentlichkeit vor Augen geführt werden.

Dank zahlreichen Freundschaften und Kontakten in der ganzen Welt ist Rosellina auch Teil eines tragenden, professionellen Netzwerks: «Das Team war für sie die selbstverständliche Arbeitsweise», so Hugo Loetscher. Die Ausstellung Rosellina – Leben für die Fotografie präsentiert mit Zeitdokumenten und Fotografien das faszinierende Werk einer Pionierin, die die Auseinandersetzung mit Fotografie in der Schweiz entscheidend förderte.


En tant que membre fondateur de la Fotostiftung Schweiz et directrice de Magnum Suisse, Rosellina Burri-Bischof (1925-1986) a joué un rôle central dans l'histoire de la photographie en Suisse. Avec de nombreuses expositions de photos, elle a fait oeuvre de pionnière dans la médiation et la promotion de la photographie. L'engagement de cette personnalité charismatique est présenté et honoré par des photographies ainsi que des documents et de la correspondance provenant des archives Rosellina.

« Il n’y avait sans doute pas de nom comme celui de Rosellina Burri-Bischof, qui reste lié à la photographie dans notre pays d’une manière à la fois aimable, imaginative et riche de conséquences », écrit Hugo Loetscher en 1986. En parallèle à l’exposition Werner Bischof – Unseen Colour , la Fotostiftung Schweiz rend hommage, en collaboration avec les Archives Rosellina, à l’importante contribution de Rosellina Burri-Bischof (1925-1986) à la photographie suisse. Le commissariat de l’exposition est assuré par Tania Kuhn, Rosellina Archiv et Alessa Widmer, doctorante, Université de Zurich.

Rosa Helene Mandel, également appelée « Rösli », grandit à Zurich en tant que fille unique de sa mère tchèque Anna Prazak et de son père hongrois Moses Mandel. Ses parents, de tendance socialiste et politiquement actifs, marquent la jeune femme. À la fin de la guerre et après avoir terminé sa formation de jardinière d’enfants, elle quitte la Suisse pour apporter son aide dans une Europe dévastée. En 1946, Rösli – en Italie désormais appelée Rosellina – et Werner Bischof se rencontrent à Milan. Tous deux sont en route : Rosellina pour Rimini, afin de travailler comme éducatrice au Centre éducatif italo-suisse créé par le Don suisse, et Werner, mandaté par la même organisation, pour la Grèce.

Rosellina et Werner partagent leur engagement humanitaire et leur sensibilité à l’art et à la photographie. Leur abondante correspondance reflète leur attitude face à la vie, leur soutien mutuel et leur désir de collaboration, qui se concrétise dès 1947 par des projets communs. Après leur retour en Suisse et leur mariage en 1949, Rosellina prend en charge la coordination et l’administration de la création photographique de son mari. Grâce à leurs voyages communs dans les années qui suivent, elle se familiarise avec l’activité photojournalistique et est responsable du traitement des reportages de Werner.

Lorsque Werner Bischof meurt dans un accident en 1954 au cours d’un reportage, Rosellina préserve son héritage et poursuit la diffusion de son oeuvre photographique par des expositions et des publications. Très attachée à l’association de photographes Magnum Photos, indépendante des entreprises de médias, elle dirige l’agence photo Magnum Suisse à Zurich de 1956 à 1968. Rosellina considère la photographie comme un langage universel et s’efforce de créer un échange international. En 1963, elle épouse le photographe de Magnum René Burri et poursuit, dans le cadre de cette union, son engagement pour la photographie. Avec Cornell Capa, elle crée en 1966 le International Fund for Concerned Photography (Fonds International pour la Photographie Concernée) à New York, consacré entre autres à l’héritage des photographes décédés Werner Bischof, Robert Capa et David Seymour.

Rosellina fait partie des membres fondateurs de la Stiftung für die Photographie (aujourd’hui Fotostiftung Schweiz), créée en 1971 à Zurich, et la dirige avec Walter Binder jusqu’en 1986. C’est grâce à son travail de médiation que la première galerie photographique permanente dans un musée d’art suisse – le Kunsthaus de Zurich – est créée, fonctionnant de 1976 à 1983. L’objectif est de mettre la photographie sur un pied d’égalité avec les autres arts et de faire connaître au public la valeur culturelle de la création photographique.

Rosellina entretenait de nombreuses amitiés dans le monde entier et faisait ainsi également partie d’un réseau professionnel de soutien. Ou dans les mots de Hugo Loetscher : « L’équipe était pour elle le mode de travail qui allait de soi. » Sur cette base, elle a contribué à l’appréciation de la photographie au niveau national et international. L’exposition Rosellina – Vivre pour la photographie présente, avec des documents d’époque et des photographies, l’oeuvre fascinante d’une pionnière qui a encouragé de manière décisive l’étude de la photographie en Suisse.


In qualità di membro fondatore della Fotostiftung Schweiz e Direttrice di Magnum Schweiz, Rosellina Burri-Bischof (1925-1986) ha ricoperto un ruolo centrale nella storia della fotografia svizzera. Le numerose mostre fotografiche riflettono il suo lavoro pionieristico nella comunicazione e promozione della fotografia. L'impegno di questa figura carismatica viene presentato e riconosciuto con scatti fotografici, documenti e corrispondenze del Rosellina Archiv.

"Probabilmente non c'è mai stato un nome all'altezza di quello di Rosellina Burri-Bischof, che nel nostro Paese rimane legato alla fotografia in modo accattivante, fantasioso e impattante", scrive Hugo Loetscher nel 1986. Insieme al Rosellina Archiv, La Fotostiftung Schweiz rende omaggio all'importante contributo di Rosellina Burri-Bischof (1925–1986) alla fotografia svizzera, in concomitanza con la mostra Werner Bischof – Unseen Colour . La mostra è a cura di Tania Kuhn, Rosellina Archiv, Werner Bischof Estate e Alessa Widmer, dottoranda presso l'Università di Zurigo.

Rosa Helene Mandel, detta anche "Rösli", è cresciuta a Zurigo come figlia unica di Anna Prazak, di nazionalità ceca, e di Moses Mandel, cittadino ungherese. I genitori socialisti e politicamente attivi plasmano la carriera della giovane donna: dopo la fine della guerra e il completamento del percorso formativo come maestra d'asilo, Rösli si spinge oltre le mura di casa per contribuire alla ricostruzione di un'Europa distrutta e ferita. Nel 1946, Rosellina – come la chiamano in Italia – e Werner Bischof si conoscono di sfuggita a Milano. Oltre alla volontà di impegnarsi in cause umanitarie, i due condividono anche una spiccata sensibilità per l'arte e la fotografia. Tornati in Svizzera, si sposano nel 1949. Rosellina si occupa della diffusione dell'opera fotografica del marito.

Quando Werner muore nel 1954 a causa di un incidente mortale durante la realizzazione di un reportage, Rosellina ne conserva l'eredità mantenendo viva la sua arte fotografica con mostre e pubblicazioni. Grazie al suo legame con il collettivo di fotografi Magnum Photos, dal 1956 al 1968 è direttrice dell'agenzia fotografica Magnum Photos Schweiz di Zurigo. Rosellina concepisce la fotografia come un linguaggio universale e si sforza di creare uno scambio internazionale. Nel 1963 sposa il fotografo della Magnum René Burri e porta avanti il suo impegno per la fotografia in questo sodalizio.

Rosellina è tra i membri fondatori della Stiftung für die Photographie (oggi Fotostiftung Schweiz ), fondata a Zurigo nel 1971 e che insieme a Walter Binder dirige fino al 1986. Il suo lavoro di mediazione le consente di allestire la prima galleria fotografica permanente in un museo d'arte svizzero – la Kunsthaus Zürich – dal 1976 al 1983. Secondo Rosellina, la fotografia merita di essere messa sullo stesso piano delle altre arti e il valore culturale dell'opera fotografica deve essere mostrato al pubblico.

Grazie a numerose amicizie e contatti in tutto il mondo, Rosellina fa anche parte di una rete professionale di supporto: "Lavorare in team era la cosa più naturale per lei", afferma Hugo Loetscher. La mostra Rosellina – Vivere per la fotografia presenta con documenti e fotografie l'affascinante opera di una pioniera che ha promosso in modo decisivo il confronto con la fotografia in Svizzera.


As a founding member of Fotostiftung Schweiz and as director of Magnum Switzerland, Rosellina Burri-Bischof (1925-1986) played a central role in the history of photography in Switzerland. With numerous photo exhibitions, she did pioneering work in the mediation and promotion of photography. The commitment of this charismatic personality is presented and honoured with photographs as well as documents and correspondence from the Rosellina Archive.

“In our country, there has probably never been a name so endearingly, imaginatively and monumentally associated with photography than that of Rosellina Burri-Bischof,” wrote Hugo Loetscher in 1986. Fotostiftung Schweiz and the Rosellina Archive are jointly honouring the significant contribution that Rosellina Burri-Bischof (1925–1986) made to Swiss photography, in an exhibition that coincides with the show Werner Bischof – Unseen Colour , and is curated by Tania Kuhn, Rosellina Archive and Alessa Widmer, PhD student, University of Zurich.

Rosa Helene Mandel, or ‘Rösli’, grew up in Zurich as the only child of her Czech mother Anna Prazak and Hungarian father Moses Mandel. Her parents were socialist-minded and politically active, which left a mark on the young woman. After the end of the war and completion of her training as a kindergarten teacher, she felt drawn beyond the borders of her homeland to help in devastated Europe. In 1946, Rösli (now known as ‘Rosellina’ in Italy) met Werner Bischof in Milan. Rosellina was on her way to Rimini, to work as a teacher at Centro Educativo Italo-Svizzero, which had been established there by Schweizer Spende, an organisation on whose behalf Werner was on his way to Greece.

Rosellina and Werner shared a commitment to humanitarian concerns, and an appreciation of art and photography. Their extensive written correspondence reflects their attitude to life, their support of one another and their desire to work together, which materialised in joint projects from 1947 onwards. After returning to Switzerland, they married in 1949, and she took over the coordination and administration of her husband’s photographic work. As they travelled together in the years that followed, Rosellina gained insight into the profession of photojournalism and was responsible for the post-processing of Werner’s reportage.

When Werner died in an accident during reportage work in 1954, Rosellina preserved his estate and continued to disseminate his photographic work in exhibitions and publications. Due to her affiliation with the independent photo agency Magnum Photos, which had no links to any media enterprises, she worked as the director of the Magnum Switzerland agency in Zurich from 1956 to 1968. Rosellina saw photography as a universal language and strove to establish an international exchange. In 1963, she married Magnum photographer René Burri and continued her commitment to photography within this partnership. In New York in 1966, she and Cornell Capa founded the International Fund for Concerned Photography, dedicated to the legacy of the deceased photographers Werner Bischof, Robert Capa and David Seymour, among others.

Rosellina was one of the founding members of Stiftung für die Photographie (now Fotostiftung Schweiz), which was established in Zurich in 1971, and which she and Walter Binder jointly directed until 1986. Her mediation work made it possible to set up the first permanent photo gallery in a Swiss art museum, Kunsthaus Zürich. This was in place from 1976 to 1983. Here, the aim was to put photography on an equal footing with the other arts and to make the public aware of the cultural value of photographic work.

Rosellina maintained numerous friendships all over the world and was thus also part of a supporting professional network. “For her, teamwork was the natural way to work,” wrote Hugo Loetscher. On this basis, she helped to ensure that photography was appreciated on a national and international level. By means of photographs and contemporary documents, the exhibition Rosellina – Living for Photography presents the fascinating oeuvre of a pioneer who decisively promoted engagement with photography in Switzerland.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

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Mongolei. Zeitgenössische Fotografien | Stadthaus Ulm
Aug.
26
bis 1. Nov.

Mongolei. Zeitgenössische Fotografien | Stadthaus Ulm


Stadthaus Ulm
26. August - 1. November 2023

Mongolei. Zeitgenössische Fotografien

Agnuush, Nathalie Daoust, Munkhgerel Purevkhuu und Künstler: Bat-Orgil Battulga, Injinaash Bor, Davaanyam Delgerjargal, Esunge Erdenebat, Munkh-Od Ganzorig, Taij Taichar, Erkhbayar Tsengel.


Mönch, Gandan © Taij Taichar


Über die Mongolei wissen wir hier viel zu wenig, zumindest die meisten von uns. Die junge, rohstoffreiche Demokratie liegt eingeklemmt zwischen Russland und China. Die Mongolei ist etwa viereinhalb Mal so groß wie Deutschland, doch mit gerade mal drei Millionen Menschen der am dünnsten besiedelte Staat der Welt.

Fast die Hälfte der Bevölkerung lebt in der Hauptstadt Ulaanbaatar. Viele Familien ziehen aber auch noch als Nomaden durch die Steppe. Der Klimawandel und die rasche Ausbreitung der Wüste Gobi verändern ihre Lebensbedingungen radikal.

Zehn zeitgenössische Fotografinnen und Fotografen, neun davon aus der Mongolei, zeigen im Stadthaus aktuelle Bilder aus diesem sich so schnell verändernden Land. Darunter Bilder der national immer noch bedeutenden Pferderennen in ihrer modernen Ausprägung und des nach den brutalen sowjetischen Säuberungen wiedererstarkten Buddhismus. Aber auch Bilder vom Kohleabbau, der fortschreitenden Desertifikation des Weidelandes, den Ger-Distrikten (Jurten-Slums) rund um Ulaanbaatar und der urbanen Jugend. So, wie traditionelle Lebensweisen durch Klimawandel und Veränderung der Umweltbedingungen unter Druck stehen, ist das städtische Leben von starkem Zuzug, Luft- und Umweltverschmutzung und gesellschaftlichen Umbrüchen geprägt.

Die in Berlin lebende, kanadische Künstlerin Nathalie Daoust traf in der Mongolei auf die bei uns weitgehend unbekannte Fotografieszene und brachte diese dem Stadthaus nahe. Die Faszination für das Land und seine Künstlerinnen und Künstler möchte das Stadthaus Ulm nun weitergeben.

Kuratiert von Dr. Katharina Menzel-Ahr


Nous en savons beaucoup trop peu sur la Mongolie ici, du moins la plupart d'entre nous. Cette jeune démocratie riche en ressources naturelles est coincée entre la Russie et la Chine. La Mongolie est environ quatre fois et demie plus grande que l'Allemagne, mais avec à peine trois millions d'habitants, c'est l'État le moins peuplé du monde.

Près de la moitié de la population vit à Oulan-Bator, la capitale. Mais de nombreuses familles se déplacent encore en tant que nomades à travers la steppe. Le changement climatique et l'expansion rapide du désert de Gobi modifient radicalement leurs conditions de vie.

Dix photographes contemporains, dont neuf originaires de Mongolie, présentent à l'hôtel de ville des images actuelles de ce pays qui se transforme si rapidement. Parmi elles, des images des courses de chevaux, toujours importantes au niveau national, dans leur version moderne, et du bouddhisme qui renaît après les brutales purges soviétiques. Mais aussi des images de l'exploitation du charbon, de la désertification progressive des pâturages, des districts Ger (bidonvilles de yourtes) autour d'Ulaanbaatar et de la jeunesse urbaine. De même que les modes de vie traditionnels sont mis sous pression par le changement climatique et l'évolution des conditions environnementales, la vie urbaine est marquée par un fort afflux de population, la pollution de l'air et de l'environnement et des bouleversements sociaux.

L'artiste canadienne Nathalie Daoust, qui vit à Berlin, a rencontré en Mongolie la scène photographique, largement inconnue chez nous, et l'a fait découvrir à la maison de ville. La maison de ville d'Ulm souhaite désormais transmettre sa fascination pour ce pays et ses artistes.

Organisé par Dr. Katharina Menzel-Ahr


Della Mongolia sappiamo troppo poco, almeno la maggior parte di noi. Questa giovane democrazia, ricca di risorse, è incastrata tra la Russia e la Cina. La Mongolia è grande circa quattro volte e mezzo la Germania, ma con soli tre milioni di abitanti è il Paese più scarsamente popolato del mondo.

Quasi la metà della popolazione vive nella capitale Ulaanbaatar. Tuttavia, molte famiglie vagano ancora nella steppa come nomadi. I cambiamenti climatici e la rapida espansione del deserto del Gobi stanno cambiando radicalmente le loro condizioni di vita.

Dieci fotografi contemporanei, nove dei quali provenienti dalla Mongolia, presentano allo Stadthaus immagini attuali di questo Paese in rapida evoluzione. Tra queste, le immagini delle corse di cavalli, ancora importanti a livello nazionale, nella loro forma moderna e del buddismo, che ha riacquistato forza dopo le brutali purghe sovietiche. Ma anche immagini delle miniere di carbone, della progressiva desertificazione delle praterie, dei quartieri ger (baraccopoli di yurte) intorno a Ulaanbaatar e della gioventù urbana. Così come i modi di vita tradizionali sono sotto pressione a causa dei cambiamenti climatici e delle mutate condizioni ambientali, la vita urbana è caratterizzata da un forte afflusso di persone, dall'inquinamento atmosferico e ambientale e da sconvolgimenti sociali.

L'artista canadese Nathalie Daoust, che vive a Berlino, si è imbattuta nella scena fotografica della Mongolia, in gran parte sconosciuta qui, e l'ha portata all'attenzione dello Stadthaus. Lo Stadthaus Ulm vuole ora trasmettere questo fascino per il Paese e i suoi artisti.

A cura della dott.ssa Katharina Menzel-Ahr


We know far too little about Mongolia here, at least most of us. The young, resource-rich democracy is sandwiched between Russia and China. Mongolia is about four and a half times the size of Germany, but with just three million people it is the most sparsely populated country in the world.

Almost half of the population lives in the capital, Ulaanbaatar. However, many families still roam the steppe as nomads. Climate change and the rapid expansion of the Gobi Desert are radically altering their living conditions.

Ten contemporary photographers, nine of them from Mongolia, are showing current images from this rapidly changing country at the Stadthaus. Among them are images of the still nationally important horse races in their modern manifestation and of Buddhism, which has regained its strength after the brutal Soviet purges. But also images of coal mining, the ongoing desertification of the grasslands, the ger districts (yurt slums) around Ulaanbaatar, and urban youth. Just as traditional ways of life are under pressure from climate change and changing environmental conditions, urban life is characterized by heavy immigration, air and environmental pollution, and social upheaval.

The Canadian artist Nathalie Daoust, who lives in Berlin, encountered the photographic scene in Mongolia, which is largely unknown in our country, and brought it to the attention of the Stadthaus. The Stadthaus Ulm would now like to pass on this fascination for the country and its artists.

Curated by Dr. Katharina Menzel-Ahr

(Text: Stadthaus Ulm)

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Rosellina – Leben für die Fotografie | Fotostiftung Schweiz | Winterthur
Aug.
25
6:00 PM18:00

Rosellina – Leben für die Fotografie | Fotostiftung Schweiz | Winterthur


Fotostiftung Schweiz | Winterthur
25. August 2023

Rosellina – Leben für die Fotografie


Rosellina Bischof in Japan, 1952 © Werner Bischof Estate / Magnum Photos


Als Gründungsmitglied der Fotostiftung Schweiz und als Leiterin von Magnum Schweiz spielte Rosellina Burri-Bischof (1925-1986) eine zentrale Rolle für die Geschichte der Fotografie in der Schweiz. Mit zahlreichen Foto-Ausstellungen leistete sie Pionierarbeit in der Vermittlung und Förderung der Fotografie. Das Engagement dieser charismatischen Persönlichkeit wird mit Fotografien sowie Dokumenten und Korrespondenzen aus dem Rosellina Archiv präsentiert und gewürdigt.

«Es gab wohl keinen Namen wie den von Rosellina Burri-Bischof, der in unserem Land auf gleich liebenswerte wie phantasievolle und folgenreiche Weise mit der Photographie verbunden bleibt», schrieb Hugo Loetscher 1986. Die Fotostiftung Schweiz würdigt gemeinsam mit dem Rosellina Archiv den bedeutenden Beitrag von Rosellina Burri-Bischof (1925–1986) zur Schweizer Fotografie parallel zur Ausstellung Werner Bischof – Unseen Colour . Die Ausstellung ist kuratiert von Tania Kuhn, Rosellina Archiv & Werner Bischof Estate, und Alessa Widmer, Doktorandin, Universität Zürich.

Rosa Helene Mandel, auch «Rösli» genannt, wächst als Einzelkind ihrer tschechischen Mutter Anna Prazak und ihres ungarischen Vaters Moses Mandel in Zürich auf. Die sozialistisch gesinnten und politisch aktiven Eltern prägen den Werdegang der jungen Frau: Nach Kriegsende und abgeschlossener Ausbildung als Kindergärtnerin zieht es sie über die heimatliche Grenze hinaus, um im zerstörten Europa Hilfe zu leisten. 1946 lernen sich Rösli – in Italien nun Rosellina genannt – und Werner Bischof auf der Durchreise in Mailand kennen. Die beiden teilen ihren Wunsch, sich für humanitäre Anliegen zu engagieren, aber auch ihre Sensibilität gegenüber Kunst und Fotografie. Nach ihrer Rückkehr in die Schweiz heiraten sie 1949. Rosellina kümmert sich um die Verbreitung des fotografischen Schaffens ihres Mannes.

Als Werner 1954 während einer Reportage tödlich verunglückt, bewahrt Rosellina seinen Nachlass und führt die Verbreitung seines fotografischen Werkes mit Ausstellungen und Publikationen weiter. Aufgrund ihrer Verbundenheit mit dem Fotografenkollektiv Magnum Photos wirkt sie 1956–1968 als Leiterin der Fotoagentur Magnum Photos Schweiz in Zürich. Rosellina versteht die Fotografie als eine universelle Sprache und ist bestrebt, einen internationalen Austausch zu schaffen. 1963 heiratet sie den Magnum-Fotografen René Burri und setzt in dieser Partnerschaft ihr Engagement für die Fotografie fort.

Rosellina gehört zu den Gründungsmitgliedern der Stiftung für die Photographie (heute Fotostiftung Schweiz ), die 1971 in Zürich ins Leben gerufen wird und die sie gemeinsam mit Walter Binder bis 1986 leitet. Ihre Vermittlungsarbeit ermöglicht es, die erste permanente Fotogalerie in einem Schweizer Kunstmuseum – dem Kunsthaus Zürich – von 1976 bis 1983 zu errichten. Die Fotografie sollte mit den anderen Künsten auf die gleiche Ebene gestellt sowie der kulturelle Wert des fotografischen Schaffens der Öffentlichkeit vor Augen geführt werden.

Dank zahlreichen Freundschaften und Kontakten in der ganzen Welt ist Rosellina auch Teil eines tragenden, professionellen Netzwerks: «Das Team war für sie die selbstverständliche Arbeitsweise», so Hugo Loetscher. Die Ausstellung Rosellina – Leben für die Fotografie präsentiert mit Zeitdokumenten und Fotografien das faszinierende Werk einer Pionierin, die die Auseinandersetzung mit Fotografie in der Schweiz entscheidend förderte.


En tant que membre fondateur de la Fotostiftung Schweiz et directrice de Magnum Suisse, Rosellina Burri-Bischof (1925-1986) a joué un rôle central dans l'histoire de la photographie en Suisse. Avec de nombreuses expositions de photos, elle a fait oeuvre de pionnière dans la médiation et la promotion de la photographie. L'engagement de cette personnalité charismatique est présenté et honoré par des photographies ainsi que des documents et de la correspondance provenant des archives Rosellina.

« Il n’y avait sans doute pas de nom comme celui de Rosellina Burri-Bischof, qui reste lié à la photographie dans notre pays d’une manière à la fois aimable, imaginative et riche de conséquences », écrit Hugo Loetscher en 1986. En parallèle à l’exposition Werner Bischof – Unseen Colour , la Fotostiftung Schweiz rend hommage, en collaboration avec les Archives Rosellina, à l’importante contribution de Rosellina Burri-Bischof (1925-1986) à la photographie suisse. Le commissariat de l’exposition est assuré par Tania Kuhn, Rosellina Archiv et Alessa Widmer, doctorante, Université de Zurich.

Rosa Helene Mandel, également appelée « Rösli », grandit à Zurich en tant que fille unique de sa mère tchèque Anna Prazak et de son père hongrois Moses Mandel. Ses parents, de tendance socialiste et politiquement actifs, marquent la jeune femme. À la fin de la guerre et après avoir terminé sa formation de jardinière d’enfants, elle quitte la Suisse pour apporter son aide dans une Europe dévastée. En 1946, Rösli – en Italie désormais appelée Rosellina – et Werner Bischof se rencontrent à Milan. Tous deux sont en route : Rosellina pour Rimini, afin de travailler comme éducatrice au Centre éducatif italo-suisse créé par le Don suisse, et Werner, mandaté par la même organisation, pour la Grèce.

Rosellina et Werner partagent leur engagement humanitaire et leur sensibilité à l’art et à la photographie. Leur abondante correspondance reflète leur attitude face à la vie, leur soutien mutuel et leur désir de collaboration, qui se concrétise dès 1947 par des projets communs. Après leur retour en Suisse et leur mariage en 1949, Rosellina prend en charge la coordination et l’administration de la création photographique de son mari. Grâce à leurs voyages communs dans les années qui suivent, elle se familiarise avec l’activité photojournalistique et est responsable du traitement des reportages de Werner.

Lorsque Werner Bischof meurt dans un accident en 1954 au cours d’un reportage, Rosellina préserve son héritage et poursuit la diffusion de son oeuvre photographique par des expositions et des publications. Très attachée à l’association de photographes Magnum Photos, indépendante des entreprises de médias, elle dirige l’agence photo Magnum Suisse à Zurich de 1956 à 1968. Rosellina considère la photographie comme un langage universel et s’efforce de créer un échange international. En 1963, elle épouse le photographe de Magnum René Burri et poursuit, dans le cadre de cette union, son engagement pour la photographie. Avec Cornell Capa, elle crée en 1966 le International Fund for Concerned Photography (Fonds International pour la Photographie Concernée) à New York, consacré entre autres à l’héritage des photographes décédés Werner Bischof, Robert Capa et David Seymour.

Rosellina fait partie des membres fondateurs de la Stiftung für die Photographie (aujourd’hui Fotostiftung Schweiz), créée en 1971 à Zurich, et la dirige avec Walter Binder jusqu’en 1986. C’est grâce à son travail de médiation que la première galerie photographique permanente dans un musée d’art suisse – le Kunsthaus de Zurich – est créée, fonctionnant de 1976 à 1983. L’objectif est de mettre la photographie sur un pied d’égalité avec les autres arts et de faire connaître au public la valeur culturelle de la création photographique.

Rosellina entretenait de nombreuses amitiés dans le monde entier et faisait ainsi également partie d’un réseau professionnel de soutien. Ou dans les mots de Hugo Loetscher : « L’équipe était pour elle le mode de travail qui allait de soi. » Sur cette base, elle a contribué à l’appréciation de la photographie au niveau national et international. L’exposition Rosellina – Vivre pour la photographie présente, avec des documents d’époque et des photographies, l’oeuvre fascinante d’une pionnière qui a encouragé de manière décisive l’étude de la photographie en Suisse.


In qualità di membro fondatore della Fotostiftung Schweiz e Direttrice di Magnum Schweiz, Rosellina Burri-Bischof (1925-1986) ha ricoperto un ruolo centrale nella storia della fotografia svizzera. Le numerose mostre fotografiche riflettono il suo lavoro pionieristico nella comunicazione e promozione della fotografia. L'impegno di questa figura carismatica viene presentato e riconosciuto con scatti fotografici, documenti e corrispondenze del Rosellina Archiv.

"Probabilmente non c'è mai stato un nome all'altezza di quello di Rosellina Burri-Bischof, che nel nostro Paese rimane legato alla fotografia in modo accattivante, fantasioso e impattante", scrive Hugo Loetscher nel 1986. Insieme al Rosellina Archiv, La Fotostiftung Schweiz rende omaggio all'importante contributo di Rosellina Burri-Bischof (1925–1986) alla fotografia svizzera, in concomitanza con la mostra Werner Bischof – Unseen Colour . La mostra è a cura di Tania Kuhn, Rosellina Archiv, Werner Bischof Estate e Alessa Widmer, dottoranda presso l'Università di Zurigo.

Rosa Helene Mandel, detta anche "Rösli", è cresciuta a Zurigo come figlia unica di Anna Prazak, di nazionalità ceca, e di Moses Mandel, cittadino ungherese. I genitori socialisti e politicamente attivi plasmano la carriera della giovane donna: dopo la fine della guerra e il completamento del percorso formativo come maestra d'asilo, Rösli si spinge oltre le mura di casa per contribuire alla ricostruzione di un'Europa distrutta e ferita. Nel 1946, Rosellina – come la chiamano in Italia – e Werner Bischof si conoscono di sfuggita a Milano. Oltre alla volontà di impegnarsi in cause umanitarie, i due condividono anche una spiccata sensibilità per l'arte e la fotografia. Tornati in Svizzera, si sposano nel 1949. Rosellina si occupa della diffusione dell'opera fotografica del marito.

Quando Werner muore nel 1954 a causa di un incidente mortale durante la realizzazione di un reportage, Rosellina ne conserva l'eredità mantenendo viva la sua arte fotografica con mostre e pubblicazioni. Grazie al suo legame con il collettivo di fotografi Magnum Photos, dal 1956 al 1968 è direttrice dell'agenzia fotografica Magnum Photos Schweiz di Zurigo. Rosellina concepisce la fotografia come un linguaggio universale e si sforza di creare uno scambio internazionale. Nel 1963 sposa il fotografo della Magnum René Burri e porta avanti il suo impegno per la fotografia in questo sodalizio.

Rosellina è tra i membri fondatori della Stiftung für die Photographie (oggi Fotostiftung Schweiz ), fondata a Zurigo nel 1971 e che insieme a Walter Binder dirige fino al 1986. Il suo lavoro di mediazione le consente di allestire la prima galleria fotografica permanente in un museo d'arte svizzero – la Kunsthaus Zürich – dal 1976 al 1983. Secondo Rosellina, la fotografia merita di essere messa sullo stesso piano delle altre arti e il valore culturale dell'opera fotografica deve essere mostrato al pubblico.

Grazie a numerose amicizie e contatti in tutto il mondo, Rosellina fa anche parte di una rete professionale di supporto: "Lavorare in team era la cosa più naturale per lei", afferma Hugo Loetscher. La mostra Rosellina – Vivere per la fotografia presenta con documenti e fotografie l'affascinante opera di una pioniera che ha promosso in modo decisivo il confronto con la fotografia in Svizzera.


As a founding member of Fotostiftung Schweiz and as director of Magnum Switzerland, Rosellina Burri-Bischof (1925-1986) played a central role in the history of photography in Switzerland. With numerous photo exhibitions, she did pioneering work in the mediation and promotion of photography. The commitment of this charismatic personality is presented and honoured with photographs as well as documents and correspondence from the Rosellina Archive.

“In our country, there has probably never been a name so endearingly, imaginatively and monumentally associated with photography than that of Rosellina Burri-Bischof,” wrote Hugo Loetscher in 1986. Fotostiftung Schweiz and the Rosellina Archive are jointly honouring the significant contribution that Rosellina Burri-Bischof (1925–1986) made to Swiss photography, in an exhibition that coincides with the show Werner Bischof – Unseen Colour , and is curated by Tania Kuhn, Rosellina Archive and Alessa Widmer, PhD student, University of Zurich.

Rosa Helene Mandel, or ‘Rösli’, grew up in Zurich as the only child of her Czech mother Anna Prazak and Hungarian father Moses Mandel. Her parents were socialist-minded and politically active, which left a mark on the young woman. After the end of the war and completion of her training as a kindergarten teacher, she felt drawn beyond the borders of her homeland to help in devastated Europe. In 1946, Rösli (now known as ‘Rosellina’ in Italy) met Werner Bischof in Milan. Rosellina was on her way to Rimini, to work as a teacher at Centro Educativo Italo-Svizzero, which had been established there by Schweizer Spende, an organisation on whose behalf Werner was on his way to Greece.

Rosellina and Werner shared a commitment to humanitarian concerns, and an appreciation of art and photography. Their extensive written correspondence reflects their attitude to life, their support of one another and their desire to work together, which materialised in joint projects from 1947 onwards. After returning to Switzerland, they married in 1949, and she took over the coordination and administration of her husband’s photographic work. As they travelled together in the years that followed, Rosellina gained insight into the profession of photojournalism and was responsible for the post-processing of Werner’s reportage.

When Werner died in an accident during reportage work in 1954, Rosellina preserved his estate and continued to disseminate his photographic work in exhibitions and publications. Due to her affiliation with the independent photo agency Magnum Photos, which had no links to any media enterprises, she worked as the director of the Magnum Switzerland agency in Zurich from 1956 to 1968. Rosellina saw photography as a universal language and strove to establish an international exchange. In 1963, she married Magnum photographer René Burri and continued her commitment to photography within this partnership. In New York in 1966, she and Cornell Capa founded the International Fund for Concerned Photography, dedicated to the legacy of the deceased photographers Werner Bischof, Robert Capa and David Seymour, among others.

Rosellina was one of the founding members of Stiftung für die Photographie (now Fotostiftung Schweiz), which was established in Zurich in 1971, and which she and Walter Binder jointly directed until 1986. Her mediation work made it possible to set up the first permanent photo gallery in a Swiss art museum, Kunsthaus Zürich. This was in place from 1976 to 1983. Here, the aim was to put photography on an equal footing with the other arts and to make the public aware of the cultural value of photographic work.

Rosellina maintained numerous friendships all over the world and was thus also part of a supporting professional network. “For her, teamwork was the natural way to work,” wrote Hugo Loetscher. On this basis, she helped to ensure that photography was appreciated on a national and international level. By means of photographs and contemporary documents, the exhibition Rosellina – Living for Photography presents the fascinating oeuvre of a pioneer who decisively promoted engagement with photography in Switzerland.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

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Unseen Colour - Werner Bischof | Fotostiftung Schweiz | Winterthur
Aug.
25
6:00 PM18:00

Unseen Colour - Werner Bischof | Fotostiftung Schweiz | Winterthur


Fotostiftung Schweiz | Winterthur
25. August 2023

Unseen Colour
Werner Bischof


Werner Bischof, Model mit Rose, Zürich, 1939 © Werner Bischof Estate


Werner Bischof (1916–1954) gehört zu den bedeutendsten Schweizer Fotografen des 20. Jahrhunderts. Mit engagierten Reportagen und ikonischen Bildern in eindringlicher Schwarzweiss-Ästhetik erlangte er schon früh internationale Beachtung.

Die Ausstellung «Werner Bischof – Unseen Colour» gilt der Farbe: Dank eines neu entdeckten Archivbestands im Werner Bischof-Nachlass können bisher unbekannte Facetten seines Schaffens vorgestellt werden. Ausgangspunkt ist eine grosse Zahl von Glasplattennegativen aus den 1940er-Jahren, viele davon aus seiner Studiozeit bis 1945. Die Aufnahmen wurden mit einer Spezialkamera hergestellt, die durch Filter drei verschiedene Farbauszüge erzeugte, was die Produktion von realistisch wirkenden, farbigen Drucken erlaubte. Diese frühen Arbeiten werden in der Ausstellung durch ebenfalls unpublizierte Farbfotografien aus Bischofs späterem Werk ergänzt. Dabei zeigt sich, dass der legendäre Magnum-Fotograf die Farbe als künstlerisch wertvolle, zukunftsweisende Möglichkeit des Mediums verstand, womit er seiner Zeit weit voraus war.

Parallel zur Hauptausstellung präsentiert die Fotostiftung Schweiz eine Sonderschau über Rosellina Burri-Bischof (1925–1986), die Ehefrau von Werner Bischof (und später von René Burri), die für die Geschichte der Fotografie in der Schweiz eine zentrale Rolle spielte.

Eine Ausstellung von MASI Lugano und Werner Bischof Estate, in Zusammenarbeit mit der Fotostiftung Schweiz.


Werner Bischof (1916-1954) fait partie des photographes suisses les plus importants du 20e siècle. Ses reportages engagés et ses images iconiques à l’esthétique noir et blanc saisissante lui ont valu très tôt une reconnaissance internationale .

L’exposition « Werner Bischof – Couleur inédite » se concentre entièrement sur la couleur : grâce à un fonds d’archives récemment découvert dans la succession de Werner Bischof, des facettes jusqu’ici inconnues de son oeuvre peuvent être présentées. Le point de départ est un grand nombre de négatifs de plaques de verre des années 1940, dont beaucoup datent de sa période en studio jusqu’en 1945. Les images ont été réalisées à l’aide d’un appareil photo spécial qui, au travers de filtres, produisait trois séparations de couleurs différentes, ce qui permettait de produire des tirages en couleur d’un grand réalisme. Ces premiers travaux sont complétés dans l’exposition par des photographies en couleur, également inédites, de l’œuvre ultérieure de Bischof. On y découvre que le légendaire photographe de Magnum considérait la couleur comme une possibilité artistiquement précieuse et avantgardiste du médium, ce qui le plaçait bien en avance sur son temps.

En parallèle à l’exposition principale, la Fotostiftung Schweiz présente une exposition spéciale dédiée à Rosellina Burri-Bischof (1925-1986), l’épouse de Werner Bischof (et plus tard de René Burri), qui a joué un rôle central dans l’histoire de la photographie en Suisse.

Une exposition du MASI Lugano et du Werner Bischof Estate, en collaboration avec la Fotostiftung Schweiz.


Werner Bischof (1916–1954) è stato uno dei più importanti fotografi svizzeri del XX secolo. Grazie a reportage immersivi e immagini iconiche in un'estetica coinvolgente in bianco e nero, l’artista è riuscito sin da subito a ritagliarsi un ruolo di rilievo nel palcoscenico internazionale.

La mostra "Werner Bischof – Unseen Colour" è dedicata al colore: grazie al materiale d'archivio rinvenuto nel lascito di Werner Bischof, è possibile presentare al pubblico aspetti inediti del suo lavoro. Il punto di partenza è offerto dal gran numero di negativi su lastre di vetro degli anni '40, molti dei quali risalenti agli anni di studio fino al 1945. Gli scatti sono stati realizzati con una speciale macchina fotografica provvista di filtri per creare tre diverse separazioni di colore, che hanno permesso la produzione di stampe a colori assai realistiche. Queste prime opere sono integrate nella mostra da fotografie a colori (anch'esse inedite) tratte dagli ultimi lavori di Bischof. Ciò dimostra quanto il leggendario fotografo della Magnum vedesse il colore come una possibilità del mezzo artisticamente preziosa e lungimirante; un'intuizione, questa, che lo ha portato parecchio avanti rispetto ai suoi tempi.

Parallelamente all'esposizione principale, la Fondazione svizzera per la fotografia presenta una mostra speciale su Rosellina Burri-Bischof (1925–1986), moglie di Werner Bischof (e poi di René Burri), che ha ricoperto un ruolo centrale nella storia della fotografia elvetica.

Una mostra del MASI Lugano e della Werner Bischof Estate, in collaborazione con la Fondazione svizzera per la fotografia.


Werner Bischof (1916–1954) was one of the 20th century’s most significant Swiss photographers. His committed reportage and iconic images with striking black-and-white aesthetics quickly brought him international acclaim.

The exhibition Werner Bischof –Unseen Colour concentrates for the first time on his work in colour. Thanks to newly discovered archive holdings in the Werner Bischof estate, previously unknown facets of his oeuvre can be presented. The starting point is provided by a large quantity of glass-plate negatives from the 1940s, many of them from his studiobased period, up to 1945. These photographs were taken with a special camera that used filters to produce three different colour separations, allowing the production of realisticlooking colour prints. In this exhibition, these early works are complemented by colour photographs from Bischof’s later oeuvre, which have also never been published. Here, it becomes evident that this legendary Magnum photographer was well ahead of his time, in that he saw colour as an artistically valuable opportunity, pointing the way ahead for the medium.

In a special show, running parallel to the main exhibition, Fotostiftung Schweiz presents Rosellina Burri Bischof (1925–1986), the wife of Werner Bischof (and later of René Burri) who played a central role in the history of photography in Switzerland.

An exhibition by MASI Lugano and Werner Bischof Estate, in collaboration with Fotostiftung Schweiz.

(Text: Fotostiftung Schweiz, Winterthur)

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Promise me a Land - Clément Chapillon | Galerie Focale | Nyon
Aug.
25
bis 5. Nov.

Promise me a Land - Clément Chapillon | Galerie Focale | Nyon

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Galerie Focale | Nyon
25. August - 5. November 2023

Promise me a Land
Clément Chapillon


Abandoned building on the shore of the Dead Sea, West Bank, May 2016 . ©Clément Chapillon.


"Promise me a Land" ist ein persönliches Zeugnis, das einen neuen Blick auf das israelisch-palästinensische Mosaik und seine Wurzeln wirft und sich mit dem Begriff des Territoriums auseinandersetzt.

Nach 70 Jahren Konflikt und mehr als einem Jahrhundert erzwungener oder gewollter Koexistenz fühlen sich die Menschen, die auf dem Gebiet Israel/Palästina leben, noch stärker mit diesem verbunden. Welche Spuren hat dieses Land in ihrer Identität hinterlassen? Welche Hoffnung, welche Vorstellungswelt, welches Versprechen? Mit "Promise me a Land" legt Clément Chapillon eine fotografische Erzählung vor, die diese Verbundenheit fernab von Klischees und Ideologien erforscht. Eine sensible dokumentarische Arbeit, die durch eine subtile Anordnung von Worten, Porträts und Landschaften die Individualität in den Mittelpunkt seiner Erzählung stellt.

"Israel/Palästina: Zwei Völker für ein Land. Clément Chapillon hatte den Mut und die Kraft, diese Formel, die von den politischen Herausforderungen missbraucht und bis auf die Knochen abgenutzt wurde, ernst zu nehmen, indem er uns auf das Wesentliche zurückführte: das Land. In einer schillernden Fotoreportage zeigt er uns, wie alle, die dort leben - jüdische und arabische Israelis, Palästinenser und Drusen - ihre Kraft daraus schöpfen. Seine Fotos, die vor allem eine große metaphysische Tiefe aufweisen, lassen uns in dieses Gebiet eindringen, das seine eigene Seele hat. Eine Seele, die in seine trockenen Hügel, seine leuchtenden Wüsten, seine Salz-, Meeres- oder Seewasserflächen und vor allem in seine Täler eingeschrieben ist, in denen jahrtausendealte Sträucher als stumme Zeugen einer vormenschlichen Essenz aufragen. Eine farbige Seele, die sich in diesem weißen Stein, dem blauen Himmel, der strahlenden Sonne und der ockerfarbenen Erde ablesen lässt. Diese Erde ist auch ein Palimpsest aller Zivilisationen, die sie bevölkert haben, und aller Kriege, die sie durchzogen haben. Sie trägt die Stigmata der Zeit, der Epochen und der Zyklen, die einander ablösen, in sich".


« Promise me a Land » est un témoignage personnel qui pose un nouveau regard sur la mosaïque Israélo-Palestinienne et ses racines, investissant la notion de territoire.

Après 70 ans de conflits et plus d’un siècle de coexistence forcée ou voulue, ceux qui vivent sur le territoire Israël/Palestine sont encore davantage attachés à lui. Quelle empreinte cette terre a-t-elle laissée sur leur identité ? Quel espoir, quel imaginaire, quelle promesse ? Avec « Promise me a Land », Clément Chapillon propose un récit photographique qui explore cet attachement, loin des clichés et des idéologies. Un travail documentaire sensible qui place les individualités au coeur de sa narration grâce à un subtil agencement de mots, portraits et paysages.

« Israël/Palestine : deux peuples pour une seule terre. Cette formule, malmenée par les enjeux politiques et usée à l’os, Clément Chapillon a eu le courage et la force de la prendre au sérieux en nous ramenant à son essentiel : la terre. Dans un reportage photographique éblouissant, il nous montre comment tous ceux qui y vivent, Israéliens juifs et arabes, Palestiniens et Druzes y puisent leurs forces. Ses photos, avant tout porteuses d’une grande profondeur métaphysique, nous font pénétrer dans ce territoire qui a sa propre âme. Une âme inscrite dans ses collines sèches, ses déserts lumineux, ses surfaces d’eau salée, maritime ou lacustre, et surtout dans ses vallées où des arbustes millénaires se dressent comme témoins silencieux d’une essence préhumaine. Une âme colorée qui se lit dans cette pierre blanche, ce ciel bleu, ce soleil irradiant et cette terre ocre. Cette terre est aussi un palimpseste de toutes les civilisations qui l’ont peuplée et de toutes les guerres qui l’ont traversée. Elle porte en elle les stigmates du temps, des époques et des cycles qui se succèdent. »


"Promettimi una terra" è un racconto personale che getta uno sguardo nuovo sul mosaico israelo-palestinese e sulle sue radici, esplorando la nozione di territorio.

Dopo 70 anni di conflitto e più di un secolo di coesistenza forzata o voluta, coloro che vivono nella terra di Israele/Palestina vi sono ancora più legati. Quale impronta ha lasciato questa terra sulla loro identità? Quale speranza, quale immaginazione, quale promessa? Con "Promettimi una terra", Clément Chapillon offre una narrazione fotografica che esplora questo attaccamento, lontano da cliché e ideologie. È un documentario sensibile che pone gli individui al centro della sua narrazione attraverso una sottile combinazione di parole, ritratti e paesaggi.

"Israele/Palestina: due popoli per una sola terra. Clément Chapillon ha avuto il coraggio e la forza di prendere sul serio questa formula, riportandoci alla sua essenza: la terra. In un folgorante reportage fotografico, ci mostra come tutti coloro che vi abitano, ebrei e arabi israeliani, palestinesi e drusi, traggano da essa la loro forza. Le sue fotografie, che sono soprattutto intrise di una grande profondità metafisica, ci portano in questa terra che ha un'anima propria. Un'anima inscritta nelle sue colline aride, nei suoi deserti luminosi, nelle sue superfici di acqua salata, marina o lacustre, e soprattutto nelle sue valli dove arbusti millenari si ergono come testimoni silenziosi di un'essenza pre-umana. Un'anima colorata che si legge nella pietra bianca, nel cielo azzurro, nel sole radioso e nella terra ocra. Questa terra è anche un palinsesto di tutte le civiltà che l'hanno abitata e di tutte le guerre che l'hanno attraversata. Porta le cicatrici del tempo, delle epoche e dei cicli successivi.


"Promise me a Land" is a personal testimony that takes a fresh look at the Israeli-Palestinian mosaic and its roots, investing the notion of territory.

After 70 years of conflict and more than a century of forced or desired coexistence, those who live on the Israel/Palestine territory are even more attached to it. What imprint has this land left on their identity? What hope, what imagination, what promise? With "Promise me a Land", Clément Chapillon offers a photographic narrative that explores this attachment, far from clichés and ideologies. A sensitive documentary work that places individuals at the heart of its narrative, thanks to a subtle combination of words, portraits and landscapes.

"Israel/Palestine: two peoples for one land. Clément Chapillon has the courage and strength to take this formula seriously, bringing us back to its essence: the land. In a dazzling photographic report, he shows us how all those who live there - Jewish and Arab Israelis, Palestinians and Druze - draw their strength from it. His photos, above all those of great metaphysical depth, take us into a land with a soul of its own. A soul inscribed in its dry hills, luminous deserts, surfaces of salt, sea or lake water, and above all in its valleys where thousand-year-old shrubs stand as silent witnesses to a prehuman essence. A colorful soul that can be read in the white stone, blue sky, radiant sun and ochre earth. This land is also a palimpsest of all the civilizations that have populated it and all the wars that have passed through it. It bears the scars of time, epochs and cycles that follow one another.

(Text: Diana Pinto, extrait de la préface du livre « Promise me a Land » publié chez Kehrer Verlag en 2018.)

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Uncertain Homelands - Nora Bibel | Haus am Kleistpark | Berlin
Aug.
25
bis 1. Okt.

Uncertain Homelands - Nora Bibel | Haus am Kleistpark | Berlin


Haus am Kleistpark | Berlin
25. August - 1. Oktober 2023

Uncertain Homelands
Nora Bibel


© Nora Bibel, 51°40'36.8"N 13°09'13.7“E, aus Uncertain Homelands


Wasser, zu viel davon und zu wenig, steht im Fokus der neuen Arbeit der Fotografin Nora Bibel, die sich künstlerisch mit den Folgen des Klimawandels in Indonesien, Namibia und Deutschland befasst hat. Drohnenaufnahmen von nahezu abstrakt wirkenden Landschaften, Porträts von Menschen in ihrem Umfeld und Fotografien von mit der Wasserwirtschaft verbundenen Objekten wirken zusammen und schaffen in der Ausstellung einen vielschichtigen Denkraum, der das Thema Wasser wirkungsvoll als global verbundenes und sich wechselseitig beeinflussendes System aufgreift.


L'eau, trop et trop peu, est au centre du nouveau travail de la photographe Nora Bibel, qui s'est penchée artistiquement sur les conséquences du changement climatique en Indonésie, en Namibie et en Allemagne. Des prises de vue par drone de paysages à l'aspect presque abstrait, des portraits de personnes dans leur environnement et des photographies d'objets liés à la gestion de l'eau interagissent et créent dans l'exposition un espace de réflexion à plusieurs niveaux qui aborde efficacement le thème de l'eau en tant que système globalement lié et s'influençant mutuellement.


L'acqua, troppa e troppo poca, è al centro del nuovo lavoro della fotografa Nora Bibel, che ha esplorato artisticamente le conseguenze del cambiamento climatico in Indonesia, Namibia e Germania. Riprese con il drone di paesaggi dall'aspetto quasi astratto, ritratti di persone nel loro ambiente e fotografie di oggetti legati alla gestione dell'acqua concorrono a creare uno spazio di riflessione a più livelli nella mostra, che affronta efficacemente il tema dell'acqua come sistema connesso a livello globale e che si influenza reciprocamente.


Water – too much of it and too little – is a focal point in new works by Nora Bibel, who artistically engaged with the consequences of climate change in Indonesia, Namibia, and Germany. Drone images of nearly abstract-seeming landscapes, portraits of people in their familiar environment, and photos of objects connected to the water industry come together and create a multi-layered conceptual space in the exhibition that deals with the topic of water in a powerful way, demonstrating that it is a globally connected and mutually influencing system.

(Text: Haus am Kleistpark, Berlin)

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Fotowerkschau Luzern
Aug.
25
bis 10. Sept.

Fotowerkschau Luzern



Women-Life-Freedom | © Mahdieh Mirhabibi


Die Stiftung Fotodokumentation Kanton Luzern, kurz Fotodok, führt alle zwei Jahre eine Fotowerkschau in der Kornschütte Luzern durch. Auch in diesem Jahr steht das vielfältige Schaffen in der Zentralschweiz im Mittelpunkt. Neugierige können elf ebenso unterschiedliche wie lustvolle Fotoserien vom 25. August bis 10. September in der Kornschütte Luzern sehen.

Die aus einem Open Call ausgewählten fotografischen Arbeiten beschäftigen sich mit Erinnerungen und Träumen von Grossmüttern, der Konstruktion von Erlebtem und mit Menschen, die es gab oder geben könnte. Die teils jungen Ausstellenden zeigen, dass Fotografie ein Instrument ist, mit dem man die Welt erfahren und erkunden kann.

Öffentliche Führungen für Interessierte finden an den beiden Sonntagen 27. August und 3. September jeweils um 13.30 Uhr statt. Damit auch die Jüngeren die Freude an der Fotografie entdecken, wird es am Sonntag, 27. August, zwei Kinder-Workshops geben. Alle Veranstaltungen sind kostenlos.

Speziell eingeladen ist die iranische Fotografin Mahdieh Mirhabibi, die kurdische Frauen im bewaffneten Kampf gegen den IS begleitet hat. Sie wird einen Teil ihrer eindrücklichen Arbeit unter dem Titel «Woman, Life, Freedom» zeigen. Während des Kampfes gegen den IS im Jahr 2014 wurde der Slogan «Jin, Jiyan, Azadî» (Frau, Leben, Freiheit) bekannt. Diese Parole richtet sich gegen den Leitsatz «Frau-Tod» (Jin-Mirin), die den Kern des männlichen Faschismus des IS darstellt. Mahdieh Mirhabibi hat den Titel im Zeichen der Solidarität mit den Frauen im Iran gewählt. Der Ruf «Woman, Life, Freedom» hat vor allem während den jüngsten Unruhen im Iran global Bekanntheit erlangt.

Die Zentralschweizer Fotograf:innen
In der Arbeit «Recalled» untersucht Kim da Motta (Adligenswil) die Frage, ob wir uns tatsächlich an vergangene Erlebnisse erinnern oder ob wir glauben, uns zu erinnern, weil wir immer wieder Fotos eines Erlebnisses betrachten. Die Sammlung von scheinbar erlebten Erinnerungen in dieser Arbeit lässt uns darüber nachdenken, ob diese Fotos echt sind oder ob sie von künstlicher Intelligenz (KI) generiert wurden. Durch eine Videoprojektion zeigt die Künstlerin eine Parallelwelt, in der Erinnerungen käuflich sind und verändert werden können. Dabei wird angedeutet: Je mehr persönliche Daten freigegeben werden, desto realistischer und manipulierbarer werden die neuen Erinnerungen.

Liv Burkhard (Luzern, LU) hat für «See You in My Dreams – How Can I Be a Woman Today» luzid geträumt. Die Installation ist eine fotografische, halb-fiktive Arbeit, die sich mit der Frage beschäftigt, ob und wie das Reisen im Leben von Erna Burkhard, der verstorbenen Grossmutter der Künstlerin, ein Akt der Befreiung und Emanzipation war. Liv Burkhard schreibt eine Reihe von Briefen an diese Frau, die nicht mehr da ist. Ihr Projekt ist eine Korrespondenz und Konstruktion zwischen Fiktion und Realität und zugleich greift es relevante Fragen des «Frauseins» und die Entwicklung des Feminismus über die Generationen auf.

Judith Huber (Emmenbrücke, LU) hatte einen Traum: Ihre Grossmutter Helene sitzt ihr gegenüber und schaut sie an. Sie sagt nicht viel, aber ihre Körperhaltung und ihr Blick drücken aus: Ich bin da, ich bin selbstverständlich da, ich fühle mich stark mit allen Verletzlichkeiten, die dazugehören.

Dieser Traum war der Ausgangspunkt für die Fotoserie «Helene» von Judith Huber und Ralph Kühne. Die acht Frauen stehen stellvertretend für die Grossmutter, stellvertretend für alle Grossmütter, stellvertretend für alle Frauen.

Mischa Christen (Emmenbrücke, LU) zeigt mit «Das neue Leben», wie persönliche Ereignisse und damit verbundene positive Veränderungen beeinflussen, womit man sich fotografisch auseinandersetzt und welche Herangehensweisen man wählt, um eine neue Arbeit entstehen zu lassen. Inwiefern wirken sich persönliche Beziehungen auf die Wahrnehmung einer bisher vertrauten Umgebung aus? Der Fotograf hat in den vergangenen vier Jahren die Erfahrung gemacht, dass das Zusammensein mit einem Menschen einer anderen Kultur eine neue Sichtweise auf einen spezifischen Ort eröffnen kann, der bisher als fotografisch uninteressant wahrgenommen wurde.

Hansjürg Buchmeier (Emmen, LU) stellt sein Buch «Hotel» aus. Es kann jedoch nur in Hotels angeschaut und gelesen werden. Wer die 204 Seiten mit den Fotoarbeiten, die während seinen vielen Hotelaufenthalten gemacht wurden, sehen möchte, muss ihn in einem Hotel besuchen. Die Fotos werden nicht in Ausstellungen oder im digitalen Raum gezeigt.

In «Studio Visit» inszeniert sich Andrea Gwerder (Steinen, SZ) selbst durch verschiedene Alter-Ego-Figuren. Diese eignen sich die Ateliers und Arbeiten anderer Kunstschaffenden an. In jeder Figur spielt sie performativ für die Kamera nach, wie sie wahrgenommen wird und an welchen Klischees sie sich bedient oder von welchen sie sich inspirieren lassen möchte.


La fondation Fotodokumentation Kanton Luzern, en abrégé Fotodok, organise tous les deux ans une exposition d'œuvres photographiques à la Kornschütte de Lucerne. Cette année encore, l'accent est mis sur la diversité de la création en Suisse centrale. Les curieux pourront découvrir onze séries de photos aussi diverses que réjouissantes du 25 août au 10 septembre à la Kornschütte de Lucerne.

Les travaux photographiques sélectionnés à l'issue d'un appel ouvert traitent des souvenirs et des rêves des grands-mères, de la construction du vécu et des personnes qui ont existé ou qui pourraient exister. Les exposants, en partie jeunes, montrent que la photographie est un instrument qui permet d'expérimenter et d'explorer le monde.

Des visites guidées publiques pour les personnes intéressées auront lieu les deux dimanches 27 août et 3 septembre à 13h30. Pour que les plus jeunes découvrent aussi les joies de la photographie, deux ateliers pour enfants seront organisés le dimanche 27 août. Toutes les manifestations sont gratuites.

La photographe iranienne Mahdieh Mirhabibi, qui a accompagné des femmes kurdes dans la lutte armée contre l'EI, est spécialement invitée. Elle présentera une partie de son travail impressionnant sous le titre "Woman, Life, Freedom". Pendant la lutte contre l'EI en 2014, le slogan "Jin, Jiyan, Azadî" (femme, vie, liberté) est devenu célèbre. Ce slogan s'oppose à la devise "femme-mort" (Jin-Mirin), qui est au cœur du fascisme masculin de l'EI. Mahdieh Mirhabibi a choisi ce titre en signe de solidarité avec les femmes en Iran. Le cri "Woman, Life, Freedom" a acquis une notoriété mondiale, surtout lors des récents troubles en Iran.

Les photographes de Suisse centrale
Dans son travail "Recalled", Kim da Motta (Adligenswil) examine la question de savoir si nous nous souvenons réellement d'expériences passées ou si nous croyons nous en souvenir parce que nous regardons sans cesse des photos d'une expérience. La collection de souvenirs apparemment vécus dans ce travail nous fait nous demander si ces photos sont réelles ou si elles ont été générées par une intelligence artificielle (IA). Grâce à une projection vidéo, l'artiste montre un monde parallèle dans lequel les souvenirs peuvent être achetés et modifiés. Elle laisse entendre que plus les données personnelles sont libérées, plus les nouveaux souvenirs sont réalistes et manipulables.

Liv Burkhard (Lucerne, LU) a fait des rêves lucides pour "See You in My Dreams - How Can I Be a Woman Today". L'installation est un travail photographique, semi-fictif, qui s'interroge sur la question de savoir si et comment le voyage a été un acte de libération et d'émancipation dans la vie d'Erna Burkhard, la défunte grand-mère de l'artiste. Liv Burkhard écrit une série de lettres à cette femme qui n'est plus là. Son projet est une correspondance et une construction entre fiction et réalité et, en même temps, il aborde des questions pertinentes sur la "féminité" et l'évolution du féminisme au fil des générations.

Judith Huber (Emmenbrücke, LU) a fait un rêve : sa grand-mère Hélène est assise en face d'elle et la regarde. Elle ne dit pas grand-chose, mais sa posture et son regard expriment : Je suis là, je suis là bien sûr, je me sens forte avec toutes les vulnérabilités qui vont avec.

Ce rêve a été le point de départ de la série de photos "Helene" de Judith Huber et Ralph Kühne. Les huit femmes sont représentatives de la grand-mère, représentatives de toutes les grands-mères, représentatives de toutes les femmes.

Mischa Christen (Emmenbrücke, LU) montre avec "Das neue Leben" (La nouvelle vie) comment les événements personnels et les changements positifs qui y sont liés influencent ce que l'on photographie et quelles approches on choisit pour faire naître un nouveau travail. Dans quelle mesure les relations personnelles affectent-elles la perception d'un environnement jusque-là familier ? Au cours des quatre dernières années, le photographe a fait l'expérience que le fait d'être avec une personne d'une autre culture peut ouvrir une nouvelle perspective sur un lieu spécifique qui était jusqu'alors perçu comme sans intérêt photographique.

Hansjürg Buchmeier (Emmen, LU) transmet son livre "Hotel". Il ne peut toutefois être consulté et lu que dans les hôtels. Si vous souhaitez voir les 204 pages de travaux photographiques réalisés lors de ses nombreux séjours à l'hôtel, vous devez lui rendre visite dans un hôtel. Les photos ne sont pas présentées dans des expositions ou dans un espace numérique.

Dans "Studio Visit", Andrea Gwerder (Steinen, SZ) se met elle-même en scène à travers différents personnages alter ego. Celles-ci s'approprient les ateliers et les travaux d'autres artistes. Dans chaque personnage, elle rejoue de manière performative pour la caméra la manière dont elle est perçue et les clichés dont elle se sert ou dont elle souhaite s'inspirer.


La Fondazione Fotodokumentation Kanton Luzern, in breve Fotodok, organizza ogni due anni una mostra fotografica nella Kornschütte Luzern. Anche quest'anno l'attenzione è rivolta alla variegata produzione creativa della Svizzera centrale. Dal 25 agosto al 10 settembre, presso la Kornschütte di Lucerna, i visitatori curiosi potranno ammirare undici serie fotografiche tanto diverse quanto divertenti.

Le opere fotografiche selezionate da un bando aperto riguardano i ricordi e i sogni delle nonne, la costruzione di esperienze e le persone che sono esistite o potrebbero esistere. Gli espositori, alcuni dei quali giovani, dimostrano che la fotografia è uno strumento con cui si può sperimentare ed esplorare il mondo.

Le visite guidate pubbliche per gli interessati si svolgeranno nelle due domeniche 27 agosto e 3 settembre alle 13.30 ciascuna. Per aiutare i più piccoli a scoprire il piacere della fotografia, domenica 27 agosto si terranno due laboratori per bambini. Tutti gli eventi sono gratuiti.

La fotografa iraniana Mahdieh Mirhabibi, che ha accompagnato le donne curde nella lotta armata contro l'IS, è stata invitata appositamente. Mostrerà una parte del suo impressionante lavoro dal titolo "Donna, vita, libertà". Durante la lotta contro l'IS nel 2014, è diventato famoso lo slogan "Jin, Jiyan, Azadî" (Donna, Vita, Libertà). Questo slogan è diretto contro il principio guida della "donna-morte" (Jin-Mirin), che è il fulcro del fascismo maschile dell'IS. Mahdieh Mirhabibi ha scelto questo titolo per solidarietà con le donne in Iran. L'appello "Donna, Vita, Libertà" ha guadagnato notorietà a livello mondiale, soprattutto durante i recenti disordini in Iran.

I fotografi della Svizzera centrale
Nell'opera "Recalled", Kim da Motta (Adligenswil) esamina la questione se ricordiamo effettivamente le esperienze passate o se crediamo di ricordare perché guardiamo ripetutamente le foto di un'esperienza. La raccolta di ricordi apparentemente vissuti in quest'opera ci porta a chiederci se queste foto siano reali o se siano state generate dall'intelligenza artificiale (AI). Attraverso una proiezione video, l'artista mostra un mondo parallelo in cui i ricordi sono in vendita e possono essere modificati. L'implicazione è che più i dati personali vengono rilasciati, più i nuovi ricordi diventano realistici e manipolabili.

Liv Burkhard (Lucerna, LU) ha sognato lucidamente per "See You in My Dreams - How Can I Be a Woman Today". L'installazione è un'opera fotografica e semi-fantastica che affronta la questione se e come viaggiare sia stato un atto di liberazione ed emancipazione nella vita di Erna Burkhard, la defunta nonna dell'artista. Liv Burkhard scrive una serie di lettere a questa donna che non c'è più. Il suo progetto è una corrispondenza e una costruzione tra finzione e realtà, e allo stesso tempo affronta questioni rilevanti sulla "femminilità" e sullo sviluppo del femminismo nel corso delle generazioni.

Judith Huber (Emmenbrücke, LU) ha fatto un sogno: sua nonna Helene siede di fronte a lei e la guarda. Non dice molto, ma la sua postura e il suo sguardo esprimono: Sono lì, sono naturalmente lì, mi sento forte con tutte le vulnerabilità che ne derivano.

Questo sogno è stato il punto di partenza per la serie fotografica "Helene" di Judith Huber e Ralph Kühne. Le otto donne sono rappresentative della nonna, di tutte le nonne, di tutte le donne.

Mischa Christen (Emmenbrücke, LU) mostra con "Das neue Leben" come gli eventi personali e i cambiamenti positivi ad essi associati influenzino ciò che si affronta fotograficamente e quali approcci si scelgono per far emergere un nuovo lavoro. In che misura le relazioni personali influenzano la percezione di un ambiente precedentemente familiare? Negli ultimi quattro anni, il fotografo ha sperimentato che stare con una persona di un'altra cultura può aprire una nuova prospettiva su un luogo specifico che prima era percepito come poco interessante dal punto di vista fotografico.

Hansjürg Buchmeier (Emmen, LU) espone il suo libro "Hotel". Tuttavia, può essere visto e letto solo negli alberghi. Chiunque voglia vedere le 204 pagine di fotografie scattate durante i suoi numerosi soggiorni in hotel deve andare a trovarlo in albergo. Le foto non vengono esposte in mostre o in spazi digitali.

In "Studio Visit", Andrea Gwerder (Steinen, SZ) mette in scena se stessa attraverso varie figure di alter ego. Queste si appropriano degli studi e delle opere di altri artisti. In ogni figura, l'artista mette in scena per la macchina fotografica il modo in cui viene percepita e i cliché a cui si ispira.


The Fotodokumentation Kanton Luzern Foundation, Fotodok for short, organizes a photo exhibition every two years in the Kornschütte Luzern. This year, too, the focus is on the diverse creativity in Central Switzerland. Curious visitors can see eleven photo series, as diverse as they are fun, from August 25 to September 10 at the Kornschütte Luzern.

The photographic works selected from an open call deal with memories and dreams of grandmothers, the construction of experiences and with people who existed or could exist. The exhibitors, some of whom are young, show that photography is an instrument with which to experience and explore the world.

Public tours for those interested will take place on the two Sundays August 27 and September 3, both at 1:30 pm. To help younger children discover the joy of photography, there will be two children's workshops on Sunday, August 27. All events are free of charge.

The Iranian photographer Mahdieh Mirhabibi, who accompanied Kurdish women in the armed struggle against IS, has been specially invited. She will show part of her impressive work under the title "Woman, Life, Freedom". During the fight against IS in 2014, the slogan "Jin, Jiyan, Azadî" (Woman, Life, Freedom) became famous. This slogan is directed against the guiding principle of "woman-death" (Jin-Mirin), which is the core of IS's male fascism. Mahdieh Mirhabibi chose the title in solidarity with women in Iran. The call "Woman, Life, Freedom" has gained global notoriety, especially during the recent unrest in Iran.

The Central Swiss Photographers
In the work "Recalled" Kim da Motta (Adligenswil) examines the question of whether we actually remember past experiences or whether we believe we remember because we repeatedly look at photos of an experience. The collection of seemingly experienced memories in this work makes us wonder if these photos are real or if they were generated by artificial intelligence (AI). Through a video projection, the artist shows a parallel world in which memories are for sale and can be changed. The implication is that the more personal data is released, the more realistic and manipulable the new memories become.

Liv Burkhard (Lucerne, LU) lucidly dreamed for "See You in My Dreams - How Can I Be a Woman Today." The installation is a photographic, semi-fictional work that explores whether and how travel was an act of liberation and emancipation in the life of Erna Burkhard, the artist's late grandmother. Liv Burkhard writes a series of letters to this woman who is no longer around. Her project is a correspondence and construction between fiction and reality, and at the same time it addresses relevant questions of "womanhood" and the development of feminism over the generations.

Judith Huber (Emmenbrücke, LU) had a dream: her grandmother Helene sits opposite her and looks at her. She doesn't say much, but her posture and her look express: I am there, I am naturally there, I feel strong with all the vulnerabilities that belong to it.

This dream was the starting point for the photo series "Helene" by Judith Huber and Ralph Kühne. The eight women are representative of the grandmother, representative of all grandmothers, representative of all women.

Mischa Christen (Emmenbrücke, LU) shows with "Das neue Leben" how personal events and related positive changes influence what one deals with photographically and which approaches one chooses to let a new work emerge. To what extent do personal relationships affect one's perception of a previously familiar environment? The photographer's experience over the past four years has been that being with someone from another culture can open up a new perspective on a specific place that was previously perceived as photographically uninteresting.

Hansjürg Buchmeier (Emmen, LU) is exhibiting his book "Hotel". However, it can only be viewed and read in hotels. Anyone who wants to see the 204 pages of photographic works taken during his many stays in hotels must visit him in a hotel. The photos will not be shown in exhibitions or in digital space.

In "Studio Visit" Andrea Gwerder (Steinen, SZ) stages himself through various alter-ego figures. These appropriate the studios and works of other artists. In each figure, she performs for the camera how she is perceived and which clichés she uses or wants to be inspired by.

(DE Text: Fotowerkschau Luzern)

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Omar Victor Diop | Fotografiska | Tallinn
Aug.
25
bis 26. Nov.

Omar Victor Diop | Fotografiska | Tallinn


Fotografiska | Tallinn
25. August - 26. November 2023

Omar Victor Diop


© Omar Victor Diop


Die beeindruckenden Fotografien des von der Kritik gefeierten zeitgenössischen senegalesischen Künstlers Omar Victor Diop fangen moderne afrikanische Sensibilitäten ein und konzentrieren sich oft auf eine Neufassung der Geschichte, die Darstellung von Erfahrungen in der Diaspora und die globale Politik des schwarzen Widerstands.

Omar Victor Diops bemerkenswertes Werk, das Fotografie mit anderen Kunstformen kombiniert, umfasst Kunst-, Mode-, Design- und Porträtfotografie. Er nutzt die künstlerische Selbstdarstellung als Schlüsselinstrument, um sich mit komplexer Repräsentationspolitik, der Verkörperung von Gemeinschaften und Ideen der Selbstgestaltung auseinanderzusetzen. Seine Praxis zeichnet sich durch akribisch inszenierte, dramatische Bilder aus, in denen der Künstler selbst als Hauptdarsteller und Gesprächspartner auftritt.

Die Selbstporträtierung ist für mich zu einer Möglichkeit geworden, historische Figuren zu verkörpern, die für aktuelle gesellschaftliche Diskussionen wichtig und relevant sind. Dadurch, dass sie alle mit demselben Gesicht auftreten, werden sie zu einem Teil derselben menschlichen Armee, die für Fortschritt, Würde und Menschlichkeit eintritt. Für mich unterstreicht es die Tatsache, dass ich einer von ihnen hätte sein können. Mit meiner Arbeit erweise ich ihnen die Ehre. (Omar Victor Diop)


Les photographies saisissantes de l'artiste contemporain sénégalais Omar Victor Diop, acclamé par la critique, capturent les sensibilités africaines modernes et se concentrent souvent sur une refonte de l'histoire, la représentation des expériences diasporiques et la politique mondiale de la résistance noire.

Associant la photographie à d'autres formes d'art, l'œuvre remarquable d'Omar Victor Diop comprend des photographies d'art, de mode, de design et des portraits. Utilisant l'autoportrait artistique comme un outil clé pour aborder les politiques de représentation complexes, l'incarnation de la communauté et les idées d'auto-façonnage, sa pratique se caractérise par une imagerie dramatique méticuleusement mise en scène dans laquelle l'artiste lui-même apparaît comme le principal protagoniste visuel et interlocuteur.

L'autoportrait est devenu pour moi un moyen d'incarner des figures historiques qui sont importantes et pertinentes pour les conversations sociales actuelles. En les voyant tous apparaître avec le même visage, ils deviennent une partie de la même armée humaine qui marche vers le progrès, la dignité et l'humanité. Pour moi, cela souligne le fait que j'aurais pu être l'un d'entre eux. À travers mon travail, je leur rends hommage. (Omar Victor Diop)


Le straordinarie fotografie di Omar Victor Diop, artista contemporaneo senegalese acclamato dalla critica, catturano la sensibilità africana moderna e spesso si concentrano sulla rielaborazione della storia, sulla rappresentazione delle esperienze diasporiche e sulle politiche globali di resistenza dei neri.

Combinando la fotografia con altre forme d'arte, il notevole corpus di opere di Omar Victor Diop comprende fotografie di belle arti, moda, design e ritratti. Utilizzando l'autoritratto artistico come strumento chiave per confrontarsi con le complesse politiche di rappresentazione, l'incarnazione della comunità e le idee di auto-modellazione, la sua pratica è caratterizzata da immagini meticolosamente messe in scena e drammatiche in cui l'artista stesso appare come il principale protagonista e interlocutore visivo.

L'autoritratto è diventato per me un modo per incarnare figure storiche importanti e rilevanti per le conversazioni sociali attuali. Apparendo tutti con lo stesso volto, diventano parte dello stesso esercito umano che marcia verso il progresso, la dignità e l'umanità. Per me sottolinea il fatto che avrei potuto essere uno di loro. Con il mio lavoro rendo loro omaggio. (Omar Victor Diop)


The critically acclaimed Senegalese contemporary artist Omar Victor Diop’s striking photographs capture modern African sensibilities, and often focus on a recasting of history, the representation of diasporic experiences and global politics of black resistance.

Combining photography with other art forms, Omar Victor Diop’s remarkable body of work includes fine art, fashion, design, and portrait photography. Using artistic self-portraiture as a key tool to engage with complex representational politics, community embodiment and ideas of self-fashioning, his practice is characterised by meticulously staged, dramatic imagery in which the artist himself appears as the main visual protagonist and interlocutor.

Self-portraiture has become a way for me to embody historical figures that are important and relevant to current social conversations. Having them all appear with the same face they become a part of the same human army marching towards progress, dignity, and humanity. For me it emphasises the fact that I could have been one of them. Through my work I pay homage to them. (Omar Victor Diop)


Kriitikute poolt tunnustatud Senegali kaasaegse kunstniku Omar Victor Diopi silmatorkavad fotod jäädvustavad kaasaegset Aafrika tunnetust ning keskenduvad sageli ajaloo ümberkujundamisele, diasporaa kogemuste kujutamisele ja mustanahaliste vastupanuvõitluse globaalsele poliitikale.

Omar Victor Diop ühendab fotograafiat teiste kunstiliikidega ning tema tähelepanuväärne looming hõlmab kunsti-, moe-, disaini- ja portreefotograafiat. Kasutades kunstilist eneseportreed kui peamist vahendit, et tegeleda keerulise representatsioonipoliitika, kogukonna kehastuse ja enese kujundamise ideedega, iseloomustab tema praktikat hoolikalt lavastatud dramaatiline pildikeel, kus kunstnik ise on peamine visuaalne peategelane ja vestluspartner.

Eneseportreedest on saanud minu jaoks võimalus kehastada ajaloolisi tegelasi, kes on olulised ja aktuaalsed praeguste ühiskondlike vestluste jaoks. Kui nad kõik ilmuvad sama näoga, saavad nad osaks samast inimarmeest, mis marsib progressi, väärikuse ja inimlikkuse suunas. Minu jaoks rõhutab see asjaolu, et ma oleksin võinud olla üks neist. Oma tööga avaldan neile austust. (Omar Victor Diop)

(Text: Fotografiska, Tallinn)

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Promise me a Land - Clément Chapillon | Galerie Focale | Nyon
Aug.
24
6:00 PM18:00

Promise me a Land - Clément Chapillon | Galerie Focale | Nyon


Galerie Focale | Nyon
24. August 2023

Promise me a Land
Clément Chapillon


Western Wall, Jerusalem, February 2016. ©Clément Chapillon.


"Promise me a Land" ist ein persönliches Zeugnis, das einen neuen Blick auf das israelisch-palästinensische Mosaik und seine Wurzeln wirft und sich mit dem Begriff des Territoriums auseinandersetzt.

Nach 70 Jahren Konflikt und mehr als einem Jahrhundert erzwungener oder gewollter Koexistenz fühlen sich die Menschen, die auf dem Gebiet Israel/Palästina leben, noch stärker mit diesem verbunden. Welche Spuren hat dieses Land in ihrer Identität hinterlassen? Welche Hoffnung, welche Vorstellungswelt, welches Versprechen? Mit "Promise me a Land" legt Clément Chapillon eine fotografische Erzählung vor, die diese Verbundenheit fernab von Klischees und Ideologien erforscht. Eine sensible dokumentarische Arbeit, die durch eine subtile Anordnung von Worten, Porträts und Landschaften die Individualität in den Mittelpunkt seiner Erzählung stellt.

"Israel/Palästina: Zwei Völker für ein Land. Clément Chapillon hatte den Mut und die Kraft, diese Formel, die von den politischen Herausforderungen missbraucht und bis auf die Knochen abgenutzt wurde, ernst zu nehmen, indem er uns auf das Wesentliche zurückführte: das Land. In einer schillernden Fotoreportage zeigt er uns, wie alle, die dort leben - jüdische und arabische Israelis, Palästinenser und Drusen - ihre Kraft daraus schöpfen. Seine Fotos, die vor allem eine große metaphysische Tiefe aufweisen, lassen uns in dieses Gebiet eindringen, das seine eigene Seele hat. Eine Seele, die in seine trockenen Hügel, seine leuchtenden Wüsten, seine Salz-, Meeres- oder Seewasserflächen und vor allem in seine Täler eingeschrieben ist, in denen jahrtausendealte Sträucher als stumme Zeugen einer vormenschlichen Essenz aufragen. Eine farbige Seele, die sich in diesem weißen Stein, dem blauen Himmel, der strahlenden Sonne und der ockerfarbenen Erde ablesen lässt. Diese Erde ist auch ein Palimpsest aller Zivilisationen, die sie bevölkert haben, und aller Kriege, die sie durchzogen haben. Sie trägt die Stigmata der Zeit, der Epochen und der Zyklen, die einander ablösen, in sich".


« Promise me a Land » est un témoignage personnel qui pose un nouveau regard sur la mosaïque Israélo-Palestinienne et ses racines, investissant la notion de territoire.

Après 70 ans de conflits et plus d’un siècle de coexistence forcée ou voulue, ceux qui vivent sur le territoire Israël/Palestine sont encore davantage attachés à lui. Quelle empreinte cette terre a-t-elle laissée sur leur identité ? Quel espoir, quel imaginaire, quelle promesse ? Avec « Promise me a Land », Clément Chapillon propose un récit photographique qui explore cet attachement, loin des clichés et des idéologies. Un travail documentaire sensible qui place les individualités au coeur de sa narration grâce à un subtil agencement de mots, portraits et paysages.

« Israël/Palestine : deux peuples pour une seule terre. Cette formule, malmenée par les enjeux politiques et usée à l’os, Clément Chapillon a eu le courage et la force de la prendre au sérieux en nous ramenant à son essentiel : la terre. Dans un reportage photographique éblouissant, il nous montre comment tous ceux qui y vivent, Israéliens juifs et arabes, Palestiniens et Druzes y puisent leurs forces. Ses photos, avant tout porteuses d’une grande profondeur métaphysique, nous font pénétrer dans ce territoire qui a sa propre âme. Une âme inscrite dans ses collines sèches, ses déserts lumineux, ses surfaces d’eau salée, maritime ou lacustre, et surtout dans ses vallées où des arbustes millénaires se dressent comme témoins silencieux d’une essence préhumaine. Une âme colorée qui se lit dans cette pierre blanche, ce ciel bleu, ce soleil irradiant et cette terre ocre. Cette terre est aussi un palimpseste de toutes les civilisations qui l’ont peuplée et de toutes les guerres qui l’ont traversée. Elle porte en elle les stigmates du temps, des époques et des cycles qui se succèdent. »


"Promettimi una terra" è un racconto personale che getta uno sguardo nuovo sul mosaico israelo-palestinese e sulle sue radici, esplorando la nozione di territorio.

Dopo 70 anni di conflitto e più di un secolo di coesistenza forzata o voluta, coloro che vivono nella terra di Israele/Palestina vi sono ancora più legati. Quale impronta ha lasciato questa terra sulla loro identità? Quale speranza, quale immaginazione, quale promessa? Con "Promettimi una terra", Clément Chapillon offre una narrazione fotografica che esplora questo attaccamento, lontano da cliché e ideologie. È un documentario sensibile che pone gli individui al centro della sua narrazione attraverso una sottile combinazione di parole, ritratti e paesaggi.

"Israele/Palestina: due popoli per una sola terra. Clément Chapillon ha avuto il coraggio e la forza di prendere sul serio questa formula, riportandoci alla sua essenza: la terra. In un folgorante reportage fotografico, ci mostra come tutti coloro che vi abitano, ebrei e arabi israeliani, palestinesi e drusi, traggano da essa la loro forza. Le sue fotografie, che sono soprattutto intrise di una grande profondità metafisica, ci portano in questa terra che ha un'anima propria. Un'anima inscritta nelle sue colline aride, nei suoi deserti luminosi, nelle sue superfici di acqua salata, marina o lacustre, e soprattutto nelle sue valli dove arbusti millenari si ergono come testimoni silenziosi di un'essenza pre-umana. Un'anima colorata che si legge nella pietra bianca, nel cielo azzurro, nel sole radioso e nella terra ocra. Questa terra è anche un palinsesto di tutte le civiltà che l'hanno abitata e di tutte le guerre che l'hanno attraversata. Porta le cicatrici del tempo, delle epoche e dei cicli successivi.


"Promise me a Land" is a personal testimony that takes a fresh look at the Israeli-Palestinian mosaic and its roots, investing the notion of territory.

After 70 years of conflict and more than a century of forced or desired coexistence, those who live on the Israel/Palestine territory are even more attached to it. What imprint has this land left on their identity? What hope, what imagination, what promise? With "Promise me a Land", Clément Chapillon offers a photographic narrative that explores this attachment, far from clichés and ideologies. A sensitive documentary work that places individuals at the heart of its narrative, thanks to a subtle combination of words, portraits and landscapes.

"Israel/Palestine: two peoples for one land. Clément Chapillon has the courage and strength to take this formula seriously, bringing us back to its essence: the land. In a dazzling photographic report, he shows us how all those who live there - Jewish and Arab Israelis, Palestinians and Druze - draw their strength from it. His photos, above all those of great metaphysical depth, take us into a land with a soul of its own. A soul inscribed in its dry hills, luminous deserts, surfaces of salt, sea or lake water, and above all in its valleys where thousand-year-old shrubs stand as silent witnesses to a prehuman essence. A colorful soul that can be read in the white stone, blue sky, radiant sun and ochre earth. This land is also a palimpsest of all the civilizations that have populated it and all the wars that have passed through it. It bears the scars of time, epochs and cycles that follow one another.

(Text: Diana Pinto, extrait de la préface du livre « Promise me a Land » publié chez Kehrer Verlag en 2018.)

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Fotowerkschau Luzern
Aug.
24
6:00 PM18:00

Fotowerkschau Luzern


Fotowerkschau Luzern
24. August 2023

Einführung durch Dr. Marie-Louise Nigg, Prof. für Kunst- und Kulturtheorie, Hochschule Luzern – Design & Kunst und Ralph Eichenberger, Stiftungsrat Fotodok

Mahdieh Mirhabibi, Hans U. Alder, Fabian Biasio, Hansjürg Buchmeier, Liv Burkhard, Mischa Christen, Kim da Motta, Salome Erni, Andrea Gwerder, Heidi Hostettler, Judith Huber & Ralph Kühne, Mirjam Landolt


Women-Life-Freedom | © Mahdieh Mirhabibi


Die Stiftung Fotodokumentation Kanton Luzern, kurz Fotodok, führt alle zwei Jahre eine Fotowerkschau in der Kornschütte Luzern durch. Auch in diesem Jahr steht das vielfältige Schaffen in der Zentralschweiz im Mittelpunkt. Neugierige können elf ebenso unterschiedliche wie lustvolle Fotoserien vom 25. August bis 10. September in der Kornschütte Luzern sehen.

Die aus einem Open Call ausgewählten fotografischen Arbeiten beschäftigen sich mit Erinnerungen und Träumen von Grossmüttern, der Konstruktion von Erlebtem und mit Menschen, die es gab oder geben könnte. Die teils jungen Ausstellenden zeigen, dass Fotografie ein Instrument ist, mit dem man die Welt erfahren und erkunden kann.

Öffentliche Führungen für Interessierte finden an den beiden Sonntagen 27. August und 3. September jeweils um 13.30 Uhr statt. Damit auch die Jüngeren die Freude an der Fotografie entdecken, wird es am Sonntag, 27. August, zwei Kinder-Workshops geben. Alle Veranstaltungen sind kostenlos.

Speziell eingeladen ist die iranische Fotografin Mahdieh Mirhabibi, die kurdische Frauen im bewaffneten Kampf gegen den IS begleitet hat. Sie wird einen Teil ihrer eindrücklichen Arbeit unter dem Titel «Woman, Life, Freedom» zeigen. Während des Kampfes gegen den IS im Jahr 2014 wurde der Slogan «Jin, Jiyan, Azadî» (Frau, Leben, Freiheit) bekannt. Diese Parole richtet sich gegen den Leitsatz «Frau-Tod» (Jin-Mirin), die den Kern des männlichen Faschismus des IS darstellt. Mahdieh Mirhabibi hat den Titel im Zeichen der Solidarität mit den Frauen im Iran gewählt. Der Ruf «Woman, Life, Freedom» hat vor allem während den jüngsten Unruhen im Iran global Bekanntheit erlangt.

Die Zentralschweizer Fotograf:innen
In der Arbeit «Recalled» untersucht Kim da Motta (Adligenswil) die Frage, ob wir uns tatsächlich an vergangene Erlebnisse erinnern oder ob wir glauben, uns zu erinnern, weil wir immer wieder Fotos eines Erlebnisses betrachten. Die Sammlung von scheinbar erlebten Erinnerungen in dieser Arbeit lässt uns darüber nachdenken, ob diese Fotos echt sind oder ob sie von künstlicher Intelligenz (KI) generiert wurden. Durch eine Videoprojektion zeigt die Künstlerin eine Parallelwelt, in der Erinnerungen käuflich sind und verändert werden können. Dabei wird angedeutet: Je mehr persönliche Daten freigegeben werden, desto realistischer und manipulierbarer werden die neuen Erinnerungen.

Liv Burkhard (Luzern, LU) hat für «See You in My Dreams – How Can I Be a Woman Today» luzid geträumt. Die Installation ist eine fotografische, halb-fiktive Arbeit, die sich mit der Frage beschäftigt, ob und wie das Reisen im Leben von Erna Burkhard, der verstorbenen Grossmutter der Künstlerin, ein Akt der Befreiung und Emanzipation war. Liv Burkhard schreibt eine Reihe von Briefen an diese Frau, die nicht mehr da ist. Ihr Projekt ist eine Korrespondenz und Konstruktion zwischen Fiktion und Realität und zugleich greift es relevante Fragen des «Frauseins» und die Entwicklung des Feminismus über die Generationen auf.

Judith Huber (Emmenbrücke, LU) hatte einen Traum: Ihre Grossmutter Helene sitzt ihr gegenüber und schaut sie an. Sie sagt nicht viel, aber ihre Körperhaltung und ihr Blick drücken aus: Ich bin da, ich bin selbstverständlich da, ich fühle mich stark mit allen Verletzlichkeiten, die dazugehören.

Dieser Traum war der Ausgangspunkt für die Fotoserie «Helene» von Judith Huber und Ralph Kühne. Die acht Frauen stehen stellvertretend für die Grossmutter, stellvertretend für alle Grossmütter, stellvertretend für alle Frauen.

Mischa Christen (Emmenbrücke, LU) zeigt mit «Das neue Leben», wie persönliche Ereignisse und damit verbundene positive Veränderungen beeinflussen, womit man sich fotografisch auseinandersetzt und welche Herangehensweisen man wählt, um eine neue Arbeit entstehen zu lassen. Inwiefern wirken sich persönliche Beziehungen auf die Wahrnehmung einer bisher vertrauten Umgebung aus? Der Fotograf hat in den vergangenen vier Jahren die Erfahrung gemacht, dass das Zusammensein mit einem Menschen einer anderen Kultur eine neue Sichtweise auf einen spezifischen Ort eröffnen kann, der bisher als fotografisch uninteressant wahrgenommen wurde.

Hansjürg Buchmeier (Emmen, LU) stellt sein Buch «Hotel» aus. Es kann jedoch nur in Hotels angeschaut und gelesen werden. Wer die 204 Seiten mit den Fotoarbeiten, die während seinen vielen Hotelaufenthalten gemacht wurden, sehen möchte, muss ihn in einem Hotel besuchen. Die Fotos werden nicht in Ausstellungen oder im digitalen Raum gezeigt.

In «Studio Visit» inszeniert sich Andrea Gwerder (Steinen, SZ) selbst durch verschiedene Alter-Ego-Figuren. Diese eignen sich die Ateliers und Arbeiten anderer Kunstschaffenden an. In jeder Figur spielt sie performativ für die Kamera nach, wie sie wahrgenommen wird und an welchen Klischees sie sich bedient oder von welchen sie sich inspirieren lassen möchte.


La fondation Fotodokumentation Kanton Luzern, en abrégé Fotodok, organise tous les deux ans une exposition d'œuvres photographiques à la Kornschütte de Lucerne. Cette année encore, l'accent est mis sur la diversité de la création en Suisse centrale. Les curieux pourront découvrir onze séries de photos aussi diverses que réjouissantes du 25 août au 10 septembre à la Kornschütte de Lucerne.

Les travaux photographiques sélectionnés à l'issue d'un appel ouvert traitent des souvenirs et des rêves des grands-mères, de la construction du vécu et des personnes qui ont existé ou qui pourraient exister. Les exposants, en partie jeunes, montrent que la photographie est un instrument qui permet d'expérimenter et d'explorer le monde.

Des visites guidées publiques pour les personnes intéressées auront lieu les deux dimanches 27 août et 3 septembre à 13h30. Pour que les plus jeunes découvrent aussi les joies de la photographie, deux ateliers pour enfants seront organisés le dimanche 27 août. Toutes les manifestations sont gratuites.

La photographe iranienne Mahdieh Mirhabibi, qui a accompagné des femmes kurdes dans la lutte armée contre l'EI, est spécialement invitée. Elle présentera une partie de son travail impressionnant sous le titre "Woman, Life, Freedom". Pendant la lutte contre l'EI en 2014, le slogan "Jin, Jiyan, Azadî" (femme, vie, liberté) est devenu célèbre. Ce slogan s'oppose à la devise "femme-mort" (Jin-Mirin), qui est au cœur du fascisme masculin de l'EI. Mahdieh Mirhabibi a choisi ce titre en signe de solidarité avec les femmes en Iran. Le cri "Woman, Life, Freedom" a acquis une notoriété mondiale, surtout lors des récents troubles en Iran.

Les photographes de Suisse centrale
Dans son travail "Recalled", Kim da Motta (Adligenswil) examine la question de savoir si nous nous souvenons réellement d'expériences passées ou si nous croyons nous en souvenir parce que nous regardons sans cesse des photos d'une expérience. La collection de souvenirs apparemment vécus dans ce travail nous fait nous demander si ces photos sont réelles ou si elles ont été générées par une intelligence artificielle (IA). Grâce à une projection vidéo, l'artiste montre un monde parallèle dans lequel les souvenirs peuvent être achetés et modifiés. Elle laisse entendre que plus les données personnelles sont libérées, plus les nouveaux souvenirs sont réalistes et manipulables.

Liv Burkhard (Lucerne, LU) a fait des rêves lucides pour "See You in My Dreams - How Can I Be a Woman Today". L'installation est un travail photographique, semi-fictif, qui s'interroge sur la question de savoir si et comment le voyage a été un acte de libération et d'émancipation dans la vie d'Erna Burkhard, la défunte grand-mère de l'artiste. Liv Burkhard écrit une série de lettres à cette femme qui n'est plus là. Son projet est une correspondance et une construction entre fiction et réalité et, en même temps, il aborde des questions pertinentes sur la "féminité" et l'évolution du féminisme au fil des générations.

Judith Huber (Emmenbrücke, LU) a fait un rêve : sa grand-mère Hélène est assise en face d'elle et la regarde. Elle ne dit pas grand-chose, mais sa posture et son regard expriment : Je suis là, je suis là bien sûr, je me sens forte avec toutes les vulnérabilités qui vont avec.

Ce rêve a été le point de départ de la série de photos "Helene" de Judith Huber et Ralph Kühne. Les huit femmes sont représentatives de la grand-mère, représentatives de toutes les grands-mères, représentatives de toutes les femmes.

Mischa Christen (Emmenbrücke, LU) montre avec "Das neue Leben" (La nouvelle vie) comment les événements personnels et les changements positifs qui y sont liés influencent ce que l'on photographie et quelles approches on choisit pour faire naître un nouveau travail. Dans quelle mesure les relations personnelles affectent-elles la perception d'un environnement jusque-là familier ? Au cours des quatre dernières années, le photographe a fait l'expérience que le fait d'être avec une personne d'une autre culture peut ouvrir une nouvelle perspective sur un lieu spécifique qui était jusqu'alors perçu comme sans intérêt photographique.

Hansjürg Buchmeier (Emmen, LU) transmet son livre "Hotel". Il ne peut toutefois être consulté et lu que dans les hôtels. Si vous souhaitez voir les 204 pages de travaux photographiques réalisés lors de ses nombreux séjours à l'hôtel, vous devez lui rendre visite dans un hôtel. Les photos ne sont pas présentées dans des expositions ou dans un espace numérique.

Dans "Studio Visit", Andrea Gwerder (Steinen, SZ) se met elle-même en scène à travers différents personnages alter ego. Celles-ci s'approprient les ateliers et les travaux d'autres artistes. Dans chaque personnage, elle rejoue de manière performative pour la caméra la manière dont elle est perçue et les clichés dont elle se sert ou dont elle souhaite s'inspirer.


La Fondazione Fotodokumentation Kanton Luzern, in breve Fotodok, organizza ogni due anni una mostra fotografica nella Kornschütte Luzern. Anche quest'anno l'attenzione è rivolta alla variegata produzione creativa della Svizzera centrale. Dal 25 agosto al 10 settembre, presso la Kornschütte di Lucerna, i visitatori curiosi potranno ammirare undici serie fotografiche tanto diverse quanto divertenti.

Le opere fotografiche selezionate da un bando aperto riguardano i ricordi e i sogni delle nonne, la costruzione di esperienze e le persone che sono esistite o potrebbero esistere. Gli espositori, alcuni dei quali giovani, dimostrano che la fotografia è uno strumento con cui si può sperimentare ed esplorare il mondo.

Le visite guidate pubbliche per gli interessati si svolgeranno nelle due domeniche 27 agosto e 3 settembre alle 13.30 ciascuna. Per aiutare i più piccoli a scoprire il piacere della fotografia, domenica 27 agosto si terranno due laboratori per bambini. Tutti gli eventi sono gratuiti.

La fotografa iraniana Mahdieh Mirhabibi, che ha accompagnato le donne curde nella lotta armata contro l'IS, è stata invitata appositamente. Mostrerà una parte del suo impressionante lavoro dal titolo "Donna, vita, libertà". Durante la lotta contro l'IS nel 2014, è diventato famoso lo slogan "Jin, Jiyan, Azadî" (Donna, Vita, Libertà). Questo slogan è diretto contro il principio guida della "donna-morte" (Jin-Mirin), che è il fulcro del fascismo maschile dell'IS. Mahdieh Mirhabibi ha scelto questo titolo per solidarietà con le donne in Iran. L'appello "Donna, Vita, Libertà" ha guadagnato notorietà a livello mondiale, soprattutto durante i recenti disordini in Iran.

I fotografi della Svizzera centrale
Nell'opera "Recalled", Kim da Motta (Adligenswil) esamina la questione se ricordiamo effettivamente le esperienze passate o se crediamo di ricordare perché guardiamo ripetutamente le foto di un'esperienza. La raccolta di ricordi apparentemente vissuti in quest'opera ci porta a chiederci se queste foto siano reali o se siano state generate dall'intelligenza artificiale (AI). Attraverso una proiezione video, l'artista mostra un mondo parallelo in cui i ricordi sono in vendita e possono essere modificati. L'implicazione è che più i dati personali vengono rilasciati, più i nuovi ricordi diventano realistici e manipolabili.

Liv Burkhard (Lucerna, LU) ha sognato lucidamente per "See You in My Dreams - How Can I Be a Woman Today". L'installazione è un'opera fotografica e semi-fantastica che affronta la questione se e come viaggiare sia stato un atto di liberazione ed emancipazione nella vita di Erna Burkhard, la defunta nonna dell'artista. Liv Burkhard scrive una serie di lettere a questa donna che non c'è più. Il suo progetto è una corrispondenza e una costruzione tra finzione e realtà, e allo stesso tempo affronta questioni rilevanti sulla "femminilità" e sullo sviluppo del femminismo nel corso delle generazioni.

Judith Huber (Emmenbrücke, LU) ha fatto un sogno: sua nonna Helene siede di fronte a lei e la guarda. Non dice molto, ma la sua postura e il suo sguardo esprimono: Sono lì, sono naturalmente lì, mi sento forte con tutte le vulnerabilità che ne derivano.

Questo sogno è stato il punto di partenza per la serie fotografica "Helene" di Judith Huber e Ralph Kühne. Le otto donne sono rappresentative della nonna, di tutte le nonne, di tutte le donne.

Mischa Christen (Emmenbrücke, LU) mostra con "Das neue Leben" come gli eventi personali e i cambiamenti positivi ad essi associati influenzino ciò che si affronta fotograficamente e quali approcci si scelgono per far emergere un nuovo lavoro. In che misura le relazioni personali influenzano la percezione di un ambiente precedentemente familiare? Negli ultimi quattro anni, il fotografo ha sperimentato che stare con una persona di un'altra cultura può aprire una nuova prospettiva su un luogo specifico che prima era percepito come poco interessante dal punto di vista fotografico.

Hansjürg Buchmeier (Emmen, LU) espone il suo libro "Hotel". Tuttavia, può essere visto e letto solo negli alberghi. Chiunque voglia vedere le 204 pagine di fotografie scattate durante i suoi numerosi soggiorni in hotel deve andare a trovarlo in albergo. Le foto non vengono esposte in mostre o in spazi digitali.

In "Studio Visit", Andrea Gwerder (Steinen, SZ) mette in scena se stessa attraverso varie figure di alter ego. Queste si appropriano degli studi e delle opere di altri artisti. In ogni figura, l'artista mette in scena per la macchina fotografica il modo in cui viene percepita e i cliché a cui si ispira.


The Fotodokumentation Kanton Luzern Foundation, Fotodok for short, organizes a photo exhibition every two years in the Kornschütte Luzern. This year, too, the focus is on the diverse creativity in Central Switzerland. Curious visitors can see eleven photo series, as diverse as they are fun, from August 25 to September 10 at the Kornschütte Luzern.

The photographic works selected from an open call deal with memories and dreams of grandmothers, the construction of experiences and with people who existed or could exist. The exhibitors, some of whom are young, show that photography is an instrument with which to experience and explore the world.

Public tours for those interested will take place on the two Sundays August 27 and September 3, both at 1:30 pm. To help younger children discover the joy of photography, there will be two children's workshops on Sunday, August 27. All events are free of charge.

The Iranian photographer Mahdieh Mirhabibi, who accompanied Kurdish women in the armed struggle against IS, has been specially invited. She will show part of her impressive work under the title "Woman, Life, Freedom". During the fight against IS in 2014, the slogan "Jin, Jiyan, Azadî" (Woman, Life, Freedom) became famous. This slogan is directed against the guiding principle of "woman-death" (Jin-Mirin), which is the core of IS's male fascism. Mahdieh Mirhabibi chose the title in solidarity with women in Iran. The call "Woman, Life, Freedom" has gained global notoriety, especially during the recent unrest in Iran.

The Central Swiss Photographers
In the work "Recalled" Kim da Motta (Adligenswil) examines the question of whether we actually remember past experiences or whether we believe we remember because we repeatedly look at photos of an experience. The collection of seemingly experienced memories in this work makes us wonder if these photos are real or if they were generated by artificial intelligence (AI). Through a video projection, the artist shows a parallel world in which memories are for sale and can be changed. The implication is that the more personal data is released, the more realistic and manipulable the new memories become.

Liv Burkhard (Lucerne, LU) lucidly dreamed for "See You in My Dreams - How Can I Be a Woman Today." The installation is a photographic, semi-fictional work that explores whether and how travel was an act of liberation and emancipation in the life of Erna Burkhard, the artist's late grandmother. Liv Burkhard writes a series of letters to this woman who is no longer around. Her project is a correspondence and construction between fiction and reality, and at the same time it addresses relevant questions of "womanhood" and the development of feminism over the generations.

Judith Huber (Emmenbrücke, LU) had a dream: her grandmother Helene sits opposite her and looks at her. She doesn't say much, but her posture and her look express: I am there, I am naturally there, I feel strong with all the vulnerabilities that belong to it.

This dream was the starting point for the photo series "Helene" by Judith Huber and Ralph Kühne. The eight women are representative of the grandmother, representative of all grandmothers, representative of all women.

Mischa Christen (Emmenbrücke, LU) shows with "Das neue Leben" how personal events and related positive changes influence what one deals with photographically and which approaches one chooses to let a new work emerge. To what extent do personal relationships affect one's perception of a previously familiar environment? The photographer's experience over the past four years has been that being with someone from another culture can open up a new perspective on a specific place that was previously perceived as photographically uninteresting.

Hansjürg Buchmeier (Emmen, LU) is exhibiting his book "Hotel". However, it can only be viewed and read in hotels. Anyone who wants to see the 204 pages of photographic works taken during his many stays in hotels must visit him in a hotel. The photos will not be shown in exhibitions or in digital space.

In "Studio Visit" Andrea Gwerder (Steinen, SZ) stages himself through various alter-ego figures. These appropriate the studios and works of other artists. In each figure, she performs for the camera how she is perceived and which clichés she uses or wants to be inspired by.

(Text: Fotowerkschau Luzern)

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Après l’été - Roberto Badin | L'ANGLE | Hendaye
Aug.
24
bis 1. Okt.

Après l’été - Roberto Badin | L'ANGLE | Hendaye


L'ANGLE | Hendaye
24. August - 1. Oktober 2023

Après l’été
Roberto Badin


Après l’été #8 © Roberto Badin


"Wenn man mit Blick auf das Meer aufgewachsen ist, verlässt einen das ozeanische Gefühl nie. Was mich am meisten beeindruckt hat, als ich mich an der baskischen Küste niederließ, waren das Licht und die Veränderungen der Atmosphäre, die sich in der Nebensaison noch stärker bemerkbar machen. Diese Zeit, in der sich die Region von ihren Saisonarbeitern leert und die Stimmung, wie in jeder Baderegion, heiterer und freundlicher wird. Die Emotionen, die dabei entstehen, sind so stark, dass ich das Bedürfnis verspürt habe, sie in Bildern festzuhalten. Ich ziehe die Banalität des Alltags der journalistischen Reportage einer aufgezwungenen Situation vor. Die surreale Atmosphäre der entleerten Städte während der ersten Eindämmung im Jahr 2020 erzeugte einen falschen Eindruck, der mich davon abhielt, weiter zu fotografieren. Das wäre ein anderer Ansatz gewesen, sogar ein anderes Thema. Also beschloss ich, zu warten, bis das Leben wieder seinen normalen Lauf nahm, damit das Projekt wieder auftauchen konnte. Im Gegensatz zu einer Reise, bei der wir mit unverbrauchten Augen an einem Ort ankommen, ist es eine Herausforderung, die Straßen um das eigene Haus herum zu durchstreifen. Wenn man täglich mit denselben Details und Stimmungen konfrontiert wird, könnte alles fast zu banal erscheinen, um den Blick auf sich zu ziehen. Genau diese Herausforderung hat mich gereizt; die Einfachheit der Dinge, die faszinierende Ästhetik des alltäglichen Gewöhnlichen. Meine Erkundung fand ausschließlich zu Fuß statt, über einen bestimmten Zeitraum hinweg, und ich bemerkte, dass ich nie einen Radius von 4 km* um mein Haus herum überschritten habe. Diese Strecke wurde zu einer Reise mit imaginären Grenzen, wobei ich bei meinen Spaziergängen der Intuition und dem Zufall freien Lauf ließ. Meine Absicht war es, einen Raum so zu zähmen, dass ich seine Identität herausfiltern konnte; eine Art Kartografie, bei der Licht und Emotionen meine einzigen Führer waren. Ohne es zu merken, polarisierte ich meine ewigen Inspirationsquellen: Architektur, Film und Literatur; ich denke insbesondere an das, was Georges Perec "das Infra-Alltägliche" nannte. Das Entdecken bestimmter Haltungen der Figuren innerhalb der Bilder wurde zu einem täglichen Vergnügen, wenn ich von jedem Aufnahmetag nach Hause kam.

APRÈS L'Été ist ein Projekt, dessen Ziel nicht darin besteht, die Leere zu zeigen, sondern vielmehr das, was sich um sie herum und in ihr befindet. Es geht darum, einen Ausschnitt der Realität zu beobachten, so wie ich sie sehe und empfinde, ohne den Ehrgeiz, eine andere Geschichte zu erzählen als die, die sich jeder beim Betrachten der Fotos machen kann. Was man wirklich sieht und was man mit der Zeit entdeckt, einfach durch genaueres Hinsehen".


« Quand on a grandi face à la mer, le sentiment océanique ne nous quitte jamais. Ce qui m’a le plus marqué lorsque je me suis installé sur la Côte Basque c’est la lumière et les changements d’atmosphère, qui se révèlent être encore plus forts hors saison. Ce moment où la région se vide de ses saisonniers et, comme pour toute région balnéaire, l’ambiance devient plus sereine et conviviale. L’émotion qui s’en dégage est tellement puissante que j’ai ressenti le besoin de la retranscrire en images. Je préfère la banalité du quotidien au reportage journalistique d’une situation imposée. L’ambiance surréaliste des villes vidées de leurs habitants lors du premier confinement en 2020 provoquait une fausse impression qui m’a empêché de continuer à photographier. Cela aurait été une autre approche, un autre sujet même. Alors, j’ai décidé d’attendre que la vie reprenne son cours normal pour que le projet puisse refaire surface. Contrairement à un voyage, où nous arrivons dans un endroit avec un regard vierge ; arpenter les rues autour de chez soi devient un défi. Se confronter quotidiennement aux mêmes détails et aux mêmes ambiances, tout pourrait paraître presque trop banal pour attirer le regard. C’est justement ce challenge qui m’a séduit ; la simplicité des choses, la fascinante esthétique de l’ordinaire de tous les jours. Mon exploration s’est faite uniquement à pied, pendant une période déterminée, et j’ai remarqué ne jamais dépasser un rayon de 4km* autour de chez moi. Ce parcours est devenu un voyage avec des frontières imaginaires, laissant libre cours aux intuitions et au hasard au fur et à mesure de mes promenades. Plutôt que l’exercice du témoignage, mon intention était d’apprivoiser un espace de façon à en extraire son identité; une sorte de cartographie dont la lumière et l’émotion ont été mes seuls guides. Sans m’en rendre compte, j’ai polarisé mes éternelles sources d’inspiration : l’architecture, le cinéma et la littérature ; je pense notamment à ce que Georges Perec appelait “l’infra-ordinaire”. Découvrir certaines attitudes des personnages à l’intérieur des images était devenu un plaisir quotidien en rentrant de chaque journée de prise de vues.

APRÈS L’ÉTÉ est un projet dont l’objectif n’est pas de montrer le vide, mais plutôt ce qu’il y a autour et à l’intérieur. Il s’agit d’observer un fragment de la réalité telle que je la vois et que je la ressens, sans l’ambition de raconter une autre histoire que celle que chacun peut se faire en regardant les photos. Ce qu’on voit réellement et qu’on découvre avec le temps, simplement, en observant de plus près. »


"Quando si cresce in riva al mare, la sensazione oceanica non ti abbandona mai. Ciò che mi ha colpito di più quando mi sono trasferita sulla Costa Basca è stata la luce e i cambiamenti di atmosfera, che sono ancora più marcati fuori stagione. Quel momento in cui la regione si svuota dei suoi lavoratori stagionali e, come in ogni regione di mare, l'atmosfera diventa più serena e amichevole. L'emozione che emerge è così forte che ho sentito il bisogno di catturarla in immagini. Preferisco la banalità della vita quotidiana al reportage giornalistico di una situazione imposta. L'atmosfera surreale delle città svuotate dei loro abitanti durante il primo confino nel 2020 ha creato una falsa impressione che mi ha impedito di continuare a fotografare. Sarebbe stato un approccio diverso, persino un soggetto diverso. Così ho deciso di aspettare che la vita tornasse alla normalità per far riemergere il progetto. A differenza di un viaggio, dove si arriva in un luogo con una tabula rasa, camminare per le strade intorno a casa diventa una sfida. Trovandosi quotidianamente di fronte agli stessi dettagli e alla stessa atmosfera, tutto può sembrare quasi troppo banale per catturare l'attenzione. È proprio questa sfida che mi ha attratto: la semplicità delle cose, l'estetica affascinante dell'ordinario quotidiano. La mia esplorazione si è svolta esclusivamente a piedi, in un periodo di tempo prestabilito, e ho notato che non andavo mai oltre un raggio di 4 km* intorno a casa mia. Questo percorso è diventato un viaggio dai confini immaginari, dando libero sfogo all'intuizione e al caso. Più che un esercizio di testimonianza, la mia intenzione era quella di addomesticare uno spazio in modo da estrarne l'identità; una sorta di cartografia in cui la luce e l'emozione erano le mie uniche guide. Senza rendermene conto, ho polarizzato le mie eterne fonti di ispirazione: l'architettura, il cinema e la letteratura; penso in particolare a ciò che Georges Perec chiamava "l'infra-ordinario". Scoprire certi atteggiamenti dei personaggi all'interno delle immagini è diventato un piacere quotidiano al ritorno da ogni giornata di riprese.

APRÈS L'ÉTÉ è un progetto il cui obiettivo non è mostrare il vuoto, ma piuttosto ciò che c'è intorno e dentro di esso. Si tratta di osservare un frammento di realtà così come lo vedo e lo sento, senza l'ambizione di raccontare una storia diversa da quella che ognuno può inventarsi guardando le foto. Ciò che realmente vediamo e scopriamo nel tempo, semplicemente osservando più da vicino.


"When you grow up by the sea, the oceanic feeling never leaves you. What struck me most when I moved to the Basque Coast was the light and the changes in atmosphere, which are even more pronounced out of season. That moment when the region is emptied of its seasonal workers and, as with any seaside region, the atmosphere becomes more serene and friendly. The emotion that emerges is so powerful that I felt the need to capture it in images. I prefer the banality of everyday life to journalistic reporting of an imposed situation. The surreal atmosphere of the towns emptied of their inhabitants during the first confinement in 2020 created a false impression that prevented me from continuing to photograph. It would have been a different approach, a different subject even. So I decided to wait for life to return to normal so that the project could resurface. Unlike travelling, where you arrive in a new place with a fresh pair of eyes, walking the streets around your home becomes a challenge. Confronted daily with the same details and the same atmosphere, everything could seem almost too banal to catch the eye. It's precisely this challenge that appealed to me: the simplicity of things, the fascinating aesthetics of the ordinary everyday. My exploration took place solely on foot, over a set period of time, and I noticed that I never went beyond a 4km* radius around my home. This route became a journey with imaginary boundaries, giving free rein to intuition and chance as I went along. Rather than the exercise of bearing witness, my intention was to tame a space in such a way as to extract its identity; a kind of cartography in which light and emotion were my only guides. Without realising it, I polarised my eternal sources of inspiration: architecture, cinema and literature; I'm thinking in particular of what Georges Perec called 'the infra-ordinary'. Discovering certain attitudes of the characters inside the images became a daily pleasure on returning from each day's shooting.

AFTER SUMMER is a project whose aim is not to show emptiness, but rather what is around and inside. It's about observing a fragment of reality as I see it and feel it, without the ambition of telling a story other than the one that everyone can tell themselves by looking at the photos. What we really see and discover over time, simply by taking a closer look.


"Cuando creces junto al mar, la sensación oceánica nunca te abandona. Lo que más me impresionó cuando me trasladé a la Costa Vasca fue la luz y los cambios de atmósfera, que son aún más pronunciados fuera de temporada. Ese momento en que la región se vacía de sus temporeros y, como en cualquier región costera, el ambiente se vuelve más sereno y acogedor. La emoción que emerge es tan poderosa que sentí la necesidad de plasmarla en imágenes. Prefiero la banalidad de la vida cotidiana al reportaje periodístico de una situación impuesta. La atmósfera surrealista de las ciudades vaciadas de sus habitantes durante el primer confinamiento en 2020 creó una falsa impresión que me impidió seguir fotografiando. Habría sido otro enfoque, otro tema incluso. Así que decidí esperar a que la vida volviera a la normalidad para que el proyecto pudiera resurgir. A diferencia de los viajes, en los que llegamos a un lugar con la mente en blanco, pasear por las calles de tu casa se convierte en todo un reto. Enfrentado a diario con los mismos detalles y el mismo ambiente, todo puede parecer demasiado banal para llamar la atención. Es precisamente este reto lo que me atraía: la sencillez de las cosas, la fascinante estética de lo cotidiano. Mi exploración se realizó únicamente a pie, durante un periodo de tiempo determinado, y me di cuenta de que nunca iba más allá de un radio de 4 km* alrededor de mi casa. Esta ruta se convirtió en un viaje con límites imaginarios, dando rienda suelta a la intuición y al azar a medida que avanzaba. Más que el ejercicio de testimoniar, mi intención era domesticar un espacio para extraer su identidad; una especie de cartografía en la que la luz y la emoción eran mis únicas guías. Sin darme cuenta, polaricé mis eternas fuentes de inspiración: la arquitectura, el cine y la literatura; pienso en particular en lo que Georges Perec llamaba "lo infraordinario". Descubrir ciertas actitudes de los personajes dentro de las imágenes se convirtió en un placer diario al volver de cada jornada de rodaje.

AFTER SUMMER es un proyecto cuyo objetivo no es mostrar el vacío, sino lo que hay alrededor y dentro. Se trata de observar un fragmento de la realidad tal y como yo la veo y la siento, sin la ambición de contar una historia distinta de la que cada uno puede contarse mirando las fotos. Lo que realmente vemos y descubrimos con el tiempo, simplemente mirando más de cerca.

(Text: Roberto Badin)

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Zanele Muholi | Kunstmuseum Luzern
Aug.
23
6:00 PM18:00

Zanele Muholi | Kunstmuseum Luzern


Kunstmuseum Luzern
23. August 2023

Difficult Love: Film von Zanele Muholi und Peter Goldsmid, anschliessend Austausch mit Hannah Horst, Leiterin Kunstvermittlung, Courtesy The South African Broadcasting Corporation

Zanele Muholi


Zanele Muholi, Bester I, Mayotte, 2015, Courtesy Yancey Richardson and the Artist, © Zanele Muholi


Zanele Muholis (*1972) Schwarzweissfotografien sind kontrastreich. Muholi will uns jedoch nicht eine Realität in schwarz und weiss zeigen, eher das vielfältige Spektrum dazwischen: Muholis Arbeit erzählt Geschichten von lesbischen, schwulen, bisexuellen, queeren, trans* und inter* People of Color, die aus Muholis Heimat Südafrika stammen. In Südafrika werden queere Menschen oft gehasst, bedroht und verfolgt. Sexualpolitik, rassistische Gewalt und Selbstbehauptung sind Inhalte von Muholis Arbeiten. Muholi bezeichnet sich als «visuelle:r Aktivist:in» und fordert mit Porträts, die nicht gängigen Erwartungen und Konventionen entsprechen, das Denken in binären Kategorien – Mann/Frau, schwarz/weiss – heraus.

Liebevolle Umarmungen, zärtliche Blicke, gemeinsames Waschen: Die Serie Being (seit 2006) verschafft einen intimen Einblick in das alltägliche Leben queerer Paare. Auch nach dem Ende der Apartheid und dem Aufbau eines demokratischen Staates in den letzten dreissig Jahren leben queere Menschen in Südafrika unterdrückt. Für sie hat sich trotz der Demokratie kaum etwas verändert, denn die Gesellschaft ist von heteronormativem Denken geprägt. Faces and Phases (seit 2006) ist mit über 500 Arbeiten Muholis wohl umfangreichste Porträtreihe. In regelmässigen Abständen porträtiert Muholi Personen aus der Schwarzen LGBTQIA+- Community Südafrikas und hält damit deren Gesichter (Faces) sowie die Phasen (Phases) der Geschlechteridentitäten fest. Es ist Muholis zentrales Anliegen, ein Bewusstsein für die unterdrückten Communitys und damit eine positive Sichtbarkeit zu schaffen. Brave Beauties (seit 2014) ist eine Porträtserie von Transfrauen und nicht-binären Menschen, von denen einige an Schönheitswettbewerben teilnehmen. Queere Schönheitswettbewerbe bieten einen sicheren Raum innerhalb der Schwarzen LGBTQIA+-Community, in denen die Teilnehmer:innen ihrer eigenen Schönheit Ausdruck verleihen. Gleichzeitig sollen diese Bilder queer- und transphobische Stereotype in Frage stellen und Widerstand gegen den vorherrschenden binären Blick leisten. Die porträtierten Menschen sieht Muholi als Kollaborateur:innen der Bildgestaltung, dank deren Zusammenarbeit die Werke entstehen. In der Porträtreihe Somnyama Ngonyama («Gepriesen sei die dunkle Löwin» auf isiZulu, seit 2012) setzt sich Muholi selbst vor die Kamera und nimmt verschiedene Posen und Charaktere ein. Die Bilder reflektieren auf persönliche Weise die Kolonial- und Apartheidsgeschichte. Alltägliche Materialien wie Wäscheklammern, Velopneus oder Plastikrohre werden zu politisch aufgeladenen Requisiten und Kostümen verwandelt, um Fragen nach Repräsentation und race (diskriminierungssensible Bezeichnung für den deutschen Begriff «Rasse», um auf die menschgemachten Kategorisierungen aufmerksam zu machen) zu verhandeln. Ein starker schwarz-weiss Kontrast führt dazu, dass die Hautfarbe dunkler wirkt. Muholi fordert damit das Schwarzsein für sich zurück. Mit dieser Arbeit erlangt Muholi an der Venedig Biennale 2019 internationale Bekanntheit.

Die Ausstellung im Kunstmuseum Luzern präsentiert zum ersten Mal umfassend das Werk von Zanele Muholi in der Zentralschweiz. Dem Publikum steht die Website www.divers2023.ch für ergänzende Informationen sowie Begriffserklärung zur Verfügung. Dieses digitale Angebot rundet die Ausstellung zum Thema Diversität inhaltlich ab.

Die Ausstellung wurde von Fanni Fetzer und Yasufumi Nakamori, Senior Curator, Tate Modern kuratiert.


Les photographies en noir et blanc de Zanele Muholi (*1972) sont très contrastées. Muholi ne veut cependant pas nous montrer une réalité en noir et blanc, mais plutôt le spectre varié entre les deux : Le travail de Muholi raconte des histoires de personnes lesbiennes, gays, bisexuelles, queer, trans* et inter* de couleur, originaires de l'Afrique du Sud, pays d'origine de Muholi. En Afrique du Sud, les personnes queer sont souvent haïes, menacées et persécutées. La politique sexuelle, la violence raciste et l'affirmation de soi sont des contenus du travail de Muholis. Muholi se définit comme un "activiste visuel" et défie la pensée binaire - homme/femme, noir/blanc - avec des portraits qui ne correspondent pas aux attentes et aux conventions habituelles.

Des étreintes affectueuses, des regards tendres, une toilette commune : La série Being (depuis 2006) donne un aperçu intime de la vie quotidienne des couples queer. Même après la fin de l'apartheid et la construction d'un Etat démocratique au cours des trente dernières années, les personnes queer vivent toujours dans l'oppression en Afrique du Sud. Pour elles, rien ou presque n'a changé malgré l'avènement de la démocratie, car la société reste marquée par la pensée hétéronormative. Faces and Phases (depuis 2006) est sans doute la série de portraits la plus complète de Muholi, avec plus de 500 œuvres. A intervalles réguliers, Muholi fait le portrait de personnes issues de la communauté noire LGBTQIA+ d'Afrique du Sud et fixe ainsi leurs visages (Faces) ainsi que les phases (Phases) de leurs identités de genre. L'objectif central de Muholis est de créer une prise de conscience pour les communautés opprimées et ainsi une visibilité positive. Brave Beauties (depuis 2014) est une série de portraits de femmes trans et de personnes non-binaires, dont certaines participent à des concours de beauté. Les concours de beauté queer offrent un espace sûr au sein de la communauté noire LGBTQIA+, dans lequel les participant(e)s expriment leur propre beauté. Parallèlement, ces visuels visent à transmettre des stéréotypes queer et transphobes et à résister au regard binaire dominant. Muholi considère les personnes dont il fait le portrait comme des collaborateurs de la création d'images, grâce à la collaboration desquels les œuvres voient le jour. Dans la série de portraits Somnyama Ngonyama ("Louée soit la lionne sombre" sur isiZulu, depuis 2012), Muholi se place elle-même devant l'appareil photo et prend différentes poses et personnages. Les visuels reflètent de manière personnelle l'histoire coloniale et de l'apartheid. Des matériaux quotidiens tels que des pinces à linge, des pneus de vélo ou des tuyaux en plastique sont transformés en accessoires et en costumes à forte charge politique afin de négocier les questions de représentation et de race (terme sensible à la discrimination pour désigner le terme allemand "Rasse" et attirer l'attention sur les catégorisations faites par l'homme). Un fort contraste noir-blanc fait paraître la couleur de la peau plus sombre. Muholi revendique ainsi la négritude pour elle-même. Avec ce travail, Muholi acquiert une notoriété internationale à la Biennale de Venise 2019.

L'exposition du Kunstmuseum de Lucerne présente pour la première fois l'œuvre de Zanele Muholi de manière complète en Suisse centrale. Le site Internet www.divers2023.ch est à la disposition du public pour des informations complémentaires ainsi que des explications de termes. Cette offre numérique complète le contenu de l'exposition sur le thème de la diversité.

Le commissariat de l'exposition a été assuré par Fanni Fetzer et Yasufumi Nakamori, Senior Curator, Tate Modern.


Le fotografie in bianco e nero di Zanele Muholi (*1972) sono ricche di contrasti. Tuttavia, Muholi non vuole mostrarci una realtà in bianco e nero, ma piuttosto il variegato spettro intermedio: Il lavoro di Muholi racconta storie di persone lesbiche, gay, bisessuali, queer, trans* e inter* di colore del Sudafrica, paese natale di Muholi. In Sudafrica, le persone queer sono spesso odiate, minacciate e perseguitate. La politica sessuale, la violenza razzista e l'autoaffermazione sono il contenuto del lavoro di Muholi. Muholi si descrive come un "attivista visivo" e sfida il pensiero in categorie binarie - uomo/donna, bianco/nero - con ritratti che non si conformano alle aspettative e alle convenzioni comuni.

Abbracci affettuosi, sguardi teneri, lavaggi insieme: La serie Being (dal 2006) offre uno sguardo intimo sulla vita quotidiana delle coppie queer. Anche dopo la fine dell'apartheid e la creazione di uno Stato democratico negli ultimi trent'anni, le persone queer in Sudafrica vivono una vita oppressa. Per loro, nonostante la democrazia, poco è cambiato, perché la società è dominata dal pensiero eteronormativo. Con oltre 500 opere, Faces and Phases (dal 2006) è probabilmente la serie di ritratti più ampia di Muholi. Muholi ritrae regolarmente persone della comunità LGBTQIA+ nera del Sudafrica, catturando i loro volti e le fasi della loro identità di genere. La preoccupazione principale di Muholi è quella di creare consapevolezza per le comunità oppresse e quindi visibilità positiva. Brave Beauties (dal 2014) è una serie di ritratti di donne trans e persone non binarie, alcune delle quali partecipano a concorsi di bellezza. I concorsi di bellezza queer forniscono uno spazio sicuro all'interno della comunità LGBTQIA+ nera per i concorrenti che vogliono esprimere la propria bellezza. Allo stesso tempo, queste immagini intendono sfidare gli stereotipi queer e transfobici e resistere allo sguardo binario dominante. Muholi considera le persone ritratte come collaboratori nella creazione delle immagini, grazie alla cui collaborazione le opere vengono realizzate. Nella serie di ritratti Somnyama Ngonyama ("Sia lodata la leonessa scura" in isiZulu, dal 2012), Muholi stessa siede davanti alla macchina fotografica e assume varie pose e personaggi. Le immagini riflettono in modo personale la storia coloniale e dell'apartheid. Materiali di uso quotidiano come mollette per il bucato, copertoni di bicicletta o tubi di plastica sono trasformati in oggetti di scena e costumi con un'impronta politica per negoziare le questioni della rappresentazione e della razza (un termine sensibile alla discriminazione per il termine tedesco "Rasse" per richiamare l'attenzione sulle categorizzazioni create dall'uomo). Un forte contrasto tra bianco e nero fa apparire il colore della pelle più scuro. Muholi si riappropria così della sua nerezza. Con quest'opera, Muholi ottiene un riconoscimento internazionale alla Biennale di Venezia 2019.

La mostra al Museo d'Arte di Lucerna è la prima presentazione completa dell'opera di Zanele Muholi nella Svizzera centrale. Il sito web www.divers2023.ch è a disposizione del pubblico per ulteriori informazioni e spiegazioni sui termini. Questa offerta digitale completa la mostra sul tema della diversità in termini di contenuti.

La mostra è stata curata da Fanni Fetzer e Yasufumi Nakamori, Senior Curator, Tate Modern.


Zanele Muholi's (*1972) black-and-white photographs are rich in contrast. However, Muholi does not want to show us a reality in black and white, rather the diverse spectrum in between: Muholi's work tells stories of lesbian, gay, bisexual, queer, trans*, and inter* people of color who hail from Muholi's native South Africa. In South Africa, queer people are often hated, threatened, and persecuted. Sexual politics, racial violence, and self-assertion are content of Muholi's work. Muholi calls herself a "visual activist" and challenges thinking in binary categories - man/woman, black/white - with portraits that do not conform to common expectations and conventions.

Loving embraces, tender glances, washing together: The series Being (since 2006) provides an intimate glimpse into the everyday lives of queer couples. Even after the end of apartheid and the establishment of a democratic state in the last thirty years, queer people in South Africa live oppressed lives. For them, despite democracy, little has changed because society is dominated by heteronormative thinking. Faces and Phases (since 2006) is probably Muholi's most extensive portrait series, with over 500 works. Muholi regularly portrays people from South Africa's black LGBTQIA+ community, capturing their faces and the phases of their gender identities. It is Muholi's central concern to create awareness for the oppressed communities and thus positive visibility. Brave Beauties (2014-present) is a portrait series of trans women and non-binary people, some of whom participate in beauty pageants. Queer beauty pageants provide a safe space within the Black LGBTQIA+ community where participant:s express their own beauty. At the same time, these images are meant to challenge queer and transphobic stereotypes and resist the dominant binary gaze. Muholi sees the people portrayed as collaborators in the creation of the images, thanks to whose collaboration the works are created. In the portrait series Somnyama Ngonyama ("Praised be the dark lioness" on isiZulu, since 2012), Muholi herself sits in front of the camera and adopts different poses and characters. The images reflect colonial and apartheid history in a personal way. Everyday materials such as clothespins, bicycle tires, and plastic tubes are transformed into politically charged props and costumes to negotiate questions of representation and race (a discrimination-sensitive term for the German term "Rasse" to draw attention to man-made categorizations). A strong black and white contrast causes the skin color to appear darker. Muholi thus reclaims blackness for herself. With this work, Muholi is gaining international recognition at the 2019 Venice Biennale.

The exhibition at the Museum of Art Lucerne is the first comprehensive presentation of Zanele Muholi's work in Central Switzerland. The public can access the website www.divers2023.ch for supplementary information as well as explanations of terms. This digital offer rounds off the exhibition on the topic of diversity in terms of content.

The exhibition was curated by Fanni Fetzer and Yasufumi Nakamori, Senior Curator, Tate Modern.

(Text: Kunstmuseum Luzern)

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Becker & Becker. Fotografien | Kunsthalle Erfurt
Aug.
20
bis 29. Okt.

Becker & Becker. Fotografien | Kunsthalle Erfurt


Kunsthalle Erfurt
20. August - 29. Oktober 2023

Becker & Becker. Fotografien


a. d. Serie New York, 1972 ©Jürgen Becker – Courtesy Boris Becker, Köln


Die Ausstellung „Becker & Becker. Fotografien“ stellt die künstlerische Beziehung von Jürgen Becker (*1932, Köln) und Boris Becker (*1961, Köln) vor. Beide sind in unterschiedlichen Metiers beheimatet: Jürgen Becker ist einer der wichtigen deutschsprachigen Lyriker, Prosaschriftsteller und Hörspielautoren. Boris Becker studierte u. a. bei Bernd und Hilla Becher an der Düsseldorfer Kunstakademie. Seitdem ist er als Fotograf sowie Filmemacher tätig. Sein künstlerisches Werk konzentriert sich auf Architektur- und Landschaftsfotografie, neben Einzelbildern entstehen verschiedentlich Serien, die konzeptuell geprägt sind. Anlass zur fotografischen Zusammenarbeit von Vater und Sohn gaben die New-York-Aufnahmen, die Jürgen Becker im Anschluss einer Lesereise durch die USA und Kanada 1972 machte und die sein Sohn erstmalig 2012 publizierte.

Kooperationspartner: Museum für Photographie Braunschweig für die Leihgaben von Jürgen Becker


L'exposition "Becker & Becker. Photographies" présente la relation artistique entre Jürgen Becker (*1932, Cologne) et Boris Becker (*1961, Cologne). Tous deux sont issus de métiers différents : Jürgen Becker est l'un des principaux poètes, écrivains en prose et auteurs de pièces radiophoniques de langue allemande. Boris Becker a étudié, entre autres, avec Bernd et Hilla Becher à l'Académie des arts de Düsseldorf. Depuis, il travaille comme photographe et réalisateur de films. Son œuvre artistique se concentre sur la photographie d'architecture et de paysage. Outre des photos individuelles, il réalise diverses séries à caractère conceptuel. La collaboration photographique entre le père et le fils a été motivée par les photos de New York que Jürgen Becker a prises à la suite d'un voyage de lecture aux États-Unis et au Canada en 1972 et que son fils a publiées pour la première fois en 2012.

Partenaire de coopération : Museum für Photographie Braunschweig pour les prêts de Jürgen Becker


La mostra "Becker & Becker. Fotografie" presenta il rapporto artistico tra Jürgen Becker (*1932, Colonia) e Boris Becker (*1961, Colonia). Entrambi si muovono in ambiti diversi: Jürgen Becker è uno dei più importanti poeti, scrittori di prosa e autori di radiodrammi in lingua tedesca. Boris Becker ha studiato con Bernd e Hilla Becher all'Accademia d'Arte di Düsseldorf. Da allora lavora come fotografo e regista. Il suo lavoro artistico si concentra sulla fotografia di architettura e di paesaggio; oltre a singole immagini, produce anche diverse serie di natura concettuale. La collaborazione fotografica tra padre e figlio è nata dalle fotografie di New York che Jürgen Becker ha scattato in seguito a un viaggio di lettura negli Stati Uniti e in Canada nel 1972 e che il figlio ha pubblicato per la prima volta nel 2012.

Partner di cooperazione: Museum für Photographie Braunschweig per i prestiti di Jürgen Becker.


The exhibition "Becker & Becker. Photographs" presents the artistic relationship between Jürgen Becker (*1932, Cologne) and Boris Becker (*1961, Cologne). Both are at home in different métiers: Jürgen Becker is one of the important German-language poets, prose writers and radio play authors. Boris Becker studied under Bernd and Hilla Becher at the Düsseldorf Art Academy. Since then he has been active as a photographer as well as a filmmaker. His artistic work focuses on architecture and landscape photography; in addition to individual images, he also produces various series that are conceptually influenced. The photographic collaboration between father and son was prompted by the New York photographs Jürgen Becker took following a reading tour of the USA and Canada in 1972, which his son published for the first time in 2012.

Cooperation partner: Museum für Photographie Braunschweig for the loans from Jürgen Becker

(Text: Kunsthalle Erfurt)

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Beyond Fame. Die Kunst der Stars | NRW-Forum | Düsseldorf
Aug.
18
bis 21. Jan.

Beyond Fame. Die Kunst der Stars | NRW-Forum | Düsseldorf


NRW-Forum | Düsseldorf
18. August 2023 bis 21. Januar 2024

Beyond Fame. Die Kunst der Stars


I am a Stranger in my Own Skin, Collage on glass, 2015-2016 © Peter Doherty, Courtesy of Janine Bean Gallery


Jeder Star ein*e Künstler*in? Immer mehr erfolgreiche Schauspieler*innen, Musiker*innen und Prominente betätigen sich auch künstlerisch und gehen damit in die Öffentlichkeit. Warum suchen sie einen weiteren Erfolg auf der Kunstbühne? Oder dient die Kunst eher der persönlichen Selbstfindung? Die Ausstellung Beyond Fame. Die Kunst der Stars präsentiert vom 18. August 2023 bis 24. Januar 2024 Arbeiten internationaler und nationaler Berühmtheiten, die Einblicke hinter die Fassade der öffentlichen Personen bieten, jenseits von Rolle und Prominenz.

So unterschiedlich die Persönlichkeiten aus Schauspiel, Sport, Politik, Musik oder Literatur sind, so verschieden sind auch ihre Wege zur Kunst. Die Wahl des künstlerischen Mediums ist oft unerwartet und überraschend, die Werke eng mit den jeweiligen Biografien verbunden. Die Ausstellung präsentiert mit Malerei, Fotografie, Video und Installation Arbeiten von Bryan Adams, Meret Becker, Tim Bendzko, Carlito (Cro), Samy Deluxe, Anna Delvey, Lea Draeger, Peter Doherty, Harald Glööckler, Grimes, Josephine Henning, Anton Hofreiter, Isis-Maria Niedecken, Edi Rama, Jean Remy, Michael Stich, Laura Tonke und Gedeon Schenkt.

Die ausgestellten Künstler*innen teilen eine jahrelange, intensive Auseinandersetzung mit der Kunst, auch wenn viele keine Akademie besucht haben, sondern als Autodidakten begannen. In der Zusammenstellung der Arbeiten zeigt sich, dass der Trend in Richtung Universalkünstler*innen geht, die schreiben, malen, singen, fotografieren und gerne gängige Formate sprengen.

Künstlerinnen wie Lea Drager und Meret Becker sind in vielfältigen künstlerischen Feldern zuhause. Lea Draeger ist Schauspielerin, Autorin und bildende Künstlerin. Seit 2015 ist sie festes Ensemblemitglied des Maxim-Gorki-Theaters in Berlin. 2022 veröffentlichte sie ihr hoch gelobtes Romandebüt und seit 2018 arbeitet sie verstärkt als Künstlerin: Sie zeichnet Päpstinnen und Päpste, mit denen sie patriarchale Systeme und hierarchische Strukturen hinterfragt. Meret Becker kommt aus einer Künstler*innen-Familie und ist selbst Sängerin, Schauspielerin und Malerin. In ihrer Kunst setzt sie sich mit gesellschaftlichen Themen auseinander und nutzt ihre Popularität, um sich für Frauenrechte einzusetzen.

Rockstars wie Bryan Adams und Peter Doherty haben Millionen Platten verkauft und sind schon seit vielen Jahren künstlerisch tätig. Während für Adams gute Fotografien wie Zeitkapseln sind, die Erinnerungen speichern, bietet die Kunst dem skandalträchtigen Libertines-Sänger Peter Doherty neben der Lyrik eine ausdrucksstarke Möglichkeit, sein Leben zu verarbeiten. Er malt mit Blut und Kohle, kombiniert wild Zeichnung, Malerei, Bild-Text-Collagen und Skulpturen. Die Arbeiten der kanadischen Musikerin Claire Elise Boucher alias Grimes sind von Krieger*innen, Nymphen, Cyborgs und Manga-Figuren bevölkert, die sie in ihren Musikvideos auch selbst verkörpert. Die Inspiration für ihre Zeichnungen und Cover bezieht sie aus mythischen und psychedelischen Bildern, entleiht Figuren und Motive beim Jugendstil und Surrealisten und setzt oft künstliche Intelligenz ein.

Aber nicht nur in Kultur und Unterhaltung, sondern auch in vermeintlich weiter von der Kunst entfernten Bereichen wie Politik und Sport gibt es Persönlichkeiten, die neben ihren Karrieren auch als Künstler*innen tätig sind. Seine Begeisterung für Botanik kommt in den Arbeiten von Politiker Anton Hofreiter, seit 2005 Mitglied des Deutschen Bundestages und promovierter Biologe, zum Ausdruck. Seine häufigsten Motive sind Blumen und Zeichnen ist für ein Weg „um zu erkennen, wie die Dinge wirklich sind“. Der frühere Wimbledonsieger Michael Stich interessierte sich schon in jungen Jahren für Kunst und wurde erst zu einem begeisterten Kunstsammler, bevor er begann, persönliche Erfahrungen zu verarbeiten, indem er sie auf die Leinwand bringt. „Meine Kunst ist Spiegelbild meiner Persönlichkeit und meiner Emotionen“, sagt er.

Unter dem Pseudonym Gedeon Schenkt ist eine prominente Person Teil der Ausstellung, deren Identität noch nicht bekannt gegeben wird. Den Besuchenden wird es überlassen, in den Werken nach Hinweisen zu suchen und damit auch der Frage nachzugehen, inwieweit Identität mit der öffentlichen Person und dem Kunstwerk verbunden ist.

Neben persönlichen Einblicken und überraschenden Blickwinkeln auf bekannte Persönlichkeiten hält die Ausstellung Besuchenden auch einen Spiegel vor: In der Begegnung mit den Werken stellt man unwillkürlich fest, wie stark man von den medialen Stereotypen der prominenten Menschen beeinflusst ist, wie sehr diese die eigene Rezeption lenken und wie viele eigene Wünsche und Fantasien wir auf berühmte Menschen richten.

Die Ausstellung wird kuratiert von Alain Bieber, Künstlerischer Leiter des NRW-Forum Düsseldorf.


Chaque star est un* artiste ? De plus en plus d'acteurs*, de musiciens* et de célébrités à succès se lancent également dans une activité artistique et se font ainsi connaître du public. Pourquoi cherchent-ils un nouveau succès sur la scène artistique ? Ou l'art leur sert-il plutôt à se découvrir personnellement ? L'exposition Beyond Fame. L'art des stars présente, du 18 août 2023 au 24 janvier 2024, des œuvres de célébrités internationales et nationales qui offrent un aperçu de ce qui se cache derrière la façade des personnages publics, au-delà de leur rôle et de leur célébrité.

Les personnalités du monde du spectacle, du sport, de la politique, de la musique ou de la littérature sont aussi différentes les unes des autres que leurs chemins vers l'art. Le choix du médium artistique est souvent inattendu et surprenant, les œuvres sont étroitement liées à leurs biographies respectives. L'exposition présente des œuvres de Bryan Adams, Meret Becker, Tim Bendzko, Carlito (Cro), Samy Deluxe, Anna Delvey, Lea Draeger, Peter Doherty, Harald Glööckler, Grimes, Josephine Henning, Anton Hofreiter, Isis-Maria Niedecken, Edi Rama, Jean Remy, Michael Stich, Laura Tonke et Gedeon Schenkt, avec de la peinture, de la photographie, de la vidéo et des installations.

Les artistes* exposés partagent des années d'étude intensive de l'art, même si beaucoup n'ont pas fréquenté d'académie, mais ont commencé en autodidactes. La compilation des travaux montre que la tendance est aux artistes universels* qui écrivent, peignent, chantent, photographient et aiment faire éclater les formats courants.

Des artistes comme Lea Drager et Meret Becker sont à l'aise dans de multiples domaines artistiques. Lea Draeger est actrice, auteure et artiste visuelle. Depuis 2015, elle est membre permanent de la troupe du Maxim-Gorki-Theater à Berlin. En 2022, elle a publié son premier roman très apprécié et depuis 2018, elle travaille de plus en plus en tant qu'artiste : elle dessine des papes et des pontifes, avec lesquels elle remet en question les systèmes patriarcaux et les structures hiérarchiques. Meret Becker vient d'une famille d'artistes* et est elle-même chanteuse, actrice et peintre. Dans son art, elle aborde des thèmes de société et utilise sa popularité pour défendre les droits des femmes.

Des stars du rock comme Bryan Adams et Peter Doherty ont vendu des millions de disques et sont actifs dans le domaine artistique depuis de nombreuses années. Alors que pour Adams, les bonnes photographies sont comme des capsules temporelles qui stockent des souvenirs, l'art offre au chanteur scandaleux des Libertines Peter Doherty, en plus de la poésie, un moyen expressif d'assimiler sa vie. Il peint avec du sang et du fusain, combinant sauvagement le dessin, la peinture, le collage visuel-texte et la sculpture. Les œuvres de la musicienne canadienne Claire Elise Boucher, alias Grimes, sont peuplées de guerriers*, de nymphes, de cyborgs et de personnages de manga, qu'elle incarne elle-même dans ses clips musicaux. Elle puise son inspiration pour ses dessins et ses pochettes dans des visuels mythiques et psychédéliques, emprunte des figures et des motifs à l'art nouveau et aux surréalistes et utilise souvent l'intelligence artificielle.

Mais ce n'est pas seulement dans la culture et le divertissement, mais aussi dans des domaines supposés plus éloignés de l'art, comme la politique et le sport, que l'on trouve des personnalités qui, parallèlement à leurs carrières, sont aussi des artistes*. Sa passion pour la botanique s'exprime dans les œuvres du politicien Anton Hofreiter, membre du Bundestag allemand depuis 2005 et docteur en biologie. Ses motifs les plus fréquents sont les fleurs et le dessin est pour lui un moyen "de voir comment les choses sont vraiment". L'ancien vainqueur de Wimbledon Michael Stich s'est intéressé à l'art dès son plus jeune âge et est d'abord devenu un collectionneur d'art enthousiaste avant de commencer à traiter ses expériences personnelles en les transposant sur la toile. "Mon art est le reflet de ma personnalité et de mes émotions", dit-il.

Sous le pseudonyme de Gedeon Schenkt, une personne éminente, dont l'identité n'a pas encore été révélée, fait partie de l'exposition. Il est laissé aux visiteurs le soin de chercher des notes dans les œuvres et donc de se demander dans quelle mesure l'identité est liée à la personne publique et à l'œuvre d'art.

Outre des aperçus personnels et des points de vue surprenants sur des personnalités connues, l'exposition est aussi un miroir tendu aux visiteurs : Au contact des œuvres, on transmet involontairement à quel point on est influencé par les stéréotypes médiatiques des personnes célèbres, à quel point ceux-ci orientent notre propre réception et combien de nos propres désirs et fantasmes nous orientons sur les personnes célèbres.

Le commissaire de l'exposition est Alain Bieber, directeur artistique du NRW-Forum de Düsseldorf.


Ogni star è un artista? Sempre più attori, musicisti e celebrità di successo diventano artisti e rendono pubblico il loro lavoro. Perché cercano un ulteriore successo sul palcoscenico dell'arte? Oppure l'arte serve più come mezzo di scoperta personale? La mostra Beyond Fame. The Art of Stars presenta opere di celebrità internazionali e nazionali dal 18 agosto 2023 al 24 gennaio 2024, offrendo una visione dietro la facciata dei personaggi pubblici, al di là del ruolo e della celebrità.

Tanto diverse sono le personalità della recitazione, dello sport, della politica, della musica o della letteratura, quanto diversi sono i loro percorsi verso l'arte. La scelta del mezzo artistico è spesso inaspettata e sorprendente, le opere strettamente legate alle rispettive biografie. La mostra presenta opere di pittura, fotografia, video e installazioni di Bryan Adams, Meret Becker, Tim Bendzko, Carlito (Cro), Samy Deluxe, Anna Delvey, Lea Draeger, Peter Doherty, Harald Glööckler, Grimes, Josephine Henning, Anton Hofreiter, Isis-Maria Niedecken, Edi Rama, Jean Remy, Michael Stich, Laura Tonke e Gedeon Schenkt.

Gli artisti esposti condividono anni di intenso impegno con l'arte, anche se molti non hanno frequentato un'accademia ma hanno iniziato come autodidatti. La raccolta di opere mostra che la tendenza è verso artisti universali che scrivono, dipingono, cantano, fotografano e amano andare oltre i formati comuni.

Artisti come Lea Draeger e Meret Becker sono a loro agio in campi artistici diversi. Lea Draeger è attrice, autrice e artista visiva. Dal 2015 è membro permanente dell'ensemble del Teatro Maxim Gorki di Berlino. Nel 2022 ha pubblicato il suo acclamato romanzo d'esordio e dal 2018 lavora sempre più come artista: disegna papi e papesse con cui mette in discussione i sistemi patriarcali e le strutture gerarchiche. Meret Becker proviene da una famiglia di artisti ed è lei stessa cantante, attrice e pittrice. Nella sua arte affronta temi sociali e usa la sua popolarità per promuovere i diritti delle donne.

Rockstar come Bryan Adams e Peter Doherty hanno venduto milioni di dischi e sono artisti da molti anni. Mentre per Adams le fotografie sono come capsule del tempo che conservano i ricordi, l'arte offre allo scandaloso cantante dei Libertines Peter Doherty un modo espressivo per elaborare la sua vita insieme alla poesia. Dipinge con sangue e carboncino, combinando selvaggiamente disegno, pittura, collage di immagini e testi e scultura. Le opere della musicista canadese Claire Elise Boucher, in arte Grimes, sono popolate da guerrieri, ninfe, cyborg e personaggi manga, che lei stessa incarna nei suoi video musicali. Per i suoi disegni e le sue copertine si ispira a immagini mitiche e psichedeliche, prende in prestito figure e motivi dall'art nouveau e dai surrealisti e spesso utilizza l'intelligenza artificiale.

Ma non solo nella cultura e nell'intrattenimento, ma anche in campi presumibilmente più lontani dall'arte, come la politica e lo sport, ci sono personalità che affiancano alla loro carriera quella di artisti. L'entusiasmo per la botanica si esprime nelle opere del politico Anton Hofreiter, membro del Bundestag tedesco dal 2005 e biologo con un dottorato. I suoi motivi più frequenti sono i fiori e il disegno è per lui un modo "per vedere come sono realmente le cose". L'ex campione di Wimbledon Michael Stich si è interessato all'arte in giovane età ed è diventato un appassionato collezionista d'arte prima di iniziare a elaborare le esperienze personali mettendole su tela. "La mia arte è un riflesso della mia personalità e delle mie emozioni", afferma.

Sotto lo pseudonimo di Gedeon Schenkt, fa parte della mostra una persona importante, la cui identità non è ancora stata rivelata. I visitatori sono lasciati a cercare indizi nelle opere e quindi anche a interrogarsi sulla misura in cui l'identità è legata alla persona pubblica e all'opera d'arte.

Oltre a spunti personali e prospettive sorprendenti su personaggi noti, la mostra offre anche uno specchio ai visitatori: Nell'incontro con le opere, ci si rende involontariamente conto di quanto si sia influenzati dagli stereotipi mediatici sulle persone di spicco, di quanto questi orientino la propria ricezione e di quanti dei nostri desideri e delle nostre fantasie siano rivolti ai personaggi famosi.

La mostra è curata da Alain Bieber, direttore artistico del NRW-Forum di Düsseldorf.


Is every star an artist? More and more successful actors, musicians and celebrities are also active in the arts and thus go public. Why do they seek further success on the art stage? Or does art rather serve the purpose of personal self-discovery? The exhibition Beyond Fame. The Art of Stars presents works by international and national celebrities from August 18, 2023 to January 24, 2024, offering insights behind the facade of public figures, beyond role and celebrity.

As different as the personalities from acting, sports, politics, music or literature are, so are their paths to art. The choice of artistic medium is often unexpected and surprising, the works closely linked to the respective biographies. The exhibition presents painting, photography, video and installation works by Bryan Adams, Meret Becker, Tim Bendzko, Carlito (Cro), Samy Deluxe, Anna Delvey, Lea Draeger, Peter Doherty, Harald Glööckler, Grimes, Josephine Henning, Anton Hofreiter, Isis-Maria Niedecken, Edi Rama, Jean Remy, Michael Stich, Laura Tonke and Gedeon Schenkt.

The artists on display share years of intense involvement with art, even though many did not attend an academy but began as self-taught artists. The compilation of works shows that the trend is towards universal artists who write, paint, sing, photograph and like to go beyond common formats.

Artists like Lea Draeger and Meret Becker are at home in diverse artistic fields. Lea Draeger is an actress, author and visual artist. She has been a permanent ensemble member of the Maxim Gorki Theater in Berlin since 2015. In 2022 she published her highly acclaimed novel debut and since 2018 she has increasingly worked as an artist: she draws female popes and popes with whom she questions patriarchal systems and hierarchical structures. Meret Becker comes from a family of artists and is herself a singer, actress and painter. In her art she deals with social issues and uses her popularity to campaign for women's rights.

Rock stars like Bryan Adams and Peter Doherty have sold millions of records and have been artistic for many years. While for Adams, good photographs are like time capsules that store memories, art offers scandal-plagued Libertines singer Peter Doherty an expressive way to process his life, along with poetry. He paints with blood and charcoal, wildly combining drawing, painting, image-text collages and sculpture. The works of Canadian musician Claire Elise Boucher aka Grimes are populated by warriors*, nymphs, cyborgs and manga characters, which she also embodies herself in her music videos. She draws inspiration for her drawings and covers from mythical and psychedelic images, borrows figures and motifs from Art Nouveau and Surrealists, and often uses artificial intelligence.

However, not only in culture and entertainment, but also in areas supposedly further removed from art, such as politics and sports, there are personalities who, in addition to their careers, are also active as artists. His enthusiasm for botany is expressed in the works of politician Anton Hofreiter, a member of the German Bundestag since 2005 and a biologist with a doctorate. His most frequent motifs are flowers, and drawing is for him a way "to see how things really are." Former Wimbledon champion Michael Stich became interested in art at a young age and became an avid art collector before he began to process personal experiences by putting them on canvas. "My art is a reflection of my personality and emotions," he says.

Under the pseudonym Gedeon Schenkt, a prominent person is part of the exhibition, whose identity is yet to be revealed. Visitors will be left to search for notes in the works and thus also to pursue the question of the extent to which identity is linked to the public person and the work of art.

In addition to personal insights and surprising perspectives on well-known personalities, the exhibition also holds up a mirror to visitors: In the encounter with the works, one involuntarily realizes how strongly one is influenced by the media stereotypes of prominent people, how much these direct one's own reception, and how many of one's own desires and fantasies we direct towards famous people.

The exhibition is curated by Alain Bieber, Artistic Director of the NRW-Forum Düsseldorf.

(Text (d): NRW-Forum, Düsseldorf)

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Sabine Wunderlin – Fotografin in einer Umbruchzeit | Stadtmuseum Aarau
Aug.
18
bis 8. Okt.

Sabine Wunderlin – Fotografin in einer Umbruchzeit | Stadtmuseum Aarau


Stadtmuseum Aarau
18. August - 8. Oktober 2023

Sabine Wunderlin – Fotografin in einer Umbruchzeit


Soullegende Tina Turner gewinnt den SwissAward 2010 in der Sparte Kultur. Sabine Wunderlin hat Glück und ist im Pulk der Fotograf:innen gut positioniert, als Tina Turner das Auto wider Erwarten anhalten lässt und ein kurzes Interview gibt.
© Sabine Wunderlin


Als eine der wenigen Frauen gehört Sabine Wunderlin (*1953) zu den Schweizer Pressefotografinnen mit einer Festanstellung. 33 Jahre lang arbeitete sie für das Medienunternehmen Ringier, bis sie 2017 in Pension ging. Die Ausstellung blickt auf ihre aussergewöhnliche Karriere, widerspiegelt vier Jahrzehnte Fotojournalismus im Umbruch und präsentiert die persönlichen und politisch engagierten Langzeitprojekte der Fotografin.

Sabine Wunderlin realisierte für den «SonntagsBlick» und «Cash» unzählige Reportagen mit Bildserien und hielt Tagesaktualitäten fest. Von Kulturschaffenden über Politiker:innen bis zu A-Promis: Sie portraitierte über hundert bedeutende Persönlichkeiten. Die Bilder zeugen vom respektvollen Umgang mit den Menschen vor ihrer Kamera und zeigen den Balanceakt zwischen Dokumentation und Inszenierung, zwischen Natürlichkeit und bewusster Bildgestaltung.

Neben der Arbeit als Pressefotografin engagiert sich Sabine Wunderlin auch politisch mit ihrer Kamera: Sie ist Chronistin der Frauen- und Lesbenbewegung und achtsame Dokumentaristin der Zersiedelung. Das Stadtmuseum Aarau stellt erstmals diese freien Arbeiten zusammen aus und zeigt das grosse Engagement der Fotografin für die Umwelt und ihre Mitmenschen.


Sabine Wunderlin (*1953) est l'une des rares femmes à faire partie des photographes de presse suisses ayant un emploi fixe. Elle a travaillé pendant 33 ans pour l'entreprise de médias Ringier, avant de prendre sa retraite en 2017. L'exposition revient sur sa carrière exceptionnelle, reflète quatre décennies de photojournalisme en pleine mutation et présente les projets personnels et politiquement engagés à long terme de la photographe.

Sabine Wunderlin a réalisé d'innombrables reportages avec des séries de photos pour le "SonntagsBlick" et "Cash" et a immortalisé l'actualité quotidienne. Des acteurs culturels aux politiciens en passant par les célébrités : elle a fait le portrait de plus de cent personnalités importantes. Les photos témoignent d'une approche respectueuse des personnes qui se trouvent devant son appareil photo et montrent l'équilibre entre documentation et mise en scène, entre naturel et conception consciente de l'image.

Outre son travail de photographe de presse, Sabine Wunderlin s'engage également politiquement avec son appareil photo : elle est une chroniqueuse du mouvement des femmes et des lesbiennes et une documentariste attentive à l'étalement urbain. Le musée municipal d'Aarau expose pour la première fois ces travaux libres ensemble et montre le grand engagement de la photographe pour l'environnement et ses semblables.


Sabine Wunderlin (*1953) è una delle poche donne tra i fotografi della stampa svizzera con un posto fisso. Ha lavorato per la società di media Ringier per 33 anni fino al pensionamento nel 2017. La mostra ripercorre la sua straordinaria carriera, riflette quattro decenni di fotogiornalismo in transizione e presenta i progetti personali e politicamente impegnati a lungo termine della fotografa.

Sabine Wunderlin ha prodotto innumerevoli serie fotografiche per "SonntagsBlick" e "Cash" e ha catturato le ultime notizie del giorno. Da personaggi della cultura a politici e celebrità di primo piano, ha ritratto oltre un centinaio di personalità importanti. Le immagini testimoniano il trattamento rispettoso delle persone davanti alla sua macchina fotografica e mostrano l'equilibrio tra documentazione e messa in scena, tra naturalezza e composizione consapevole dell'immagine.

Oltre al suo lavoro di fotografa per la stampa, Sabine Wunderlin è anche impegnata politicamente con la sua macchina fotografica: è una cronista del movimento femminile e lesbico e una documentarista attenta dell'espansione urbana. Lo Stadtmuseum di Aarau espone per la prima volta insieme queste opere libere, a dimostrazione del grande impegno della fotografa nei confronti dell'ambiente e dei suoi simili.


Sabine Wunderlin (*1953) is one of the few women among Swiss press photographers with a permanent position. She worked for the media company Ringier for 33 years until she retired in 2017. The exhibition looks back on her extraordinary career, reflects four decades of photojournalism in transition and presents the photographer's personal and politically engaged long-term projects.

Sabine Wunderlin produced countless reportages with picture series for "SonntagsBlick" and "Cash" and captured daily news. From cultural figures to politicians and A-list celebrities, she has portrayed over a hundred important personalities. The pictures bear witness to the respectful treatment of the people in front of her camera and show the balancing act between documentation and staging, between naturalness and conscious image composition.

In addition to her work as a press photographer, Sabine Wunderlin is also politically engaged with her camera: she is a chronicler of the women's and lesbian movement and a mindful documentarian of urban sprawl. The Stadtmuseum Aarau is exhibiting these free works together for the first time, showing the photographer's great commitment to the environment and her fellow human beings.

(Text: Stadtmuseum Aarau)

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Made in Düsseldorf #5 | NRW-Forum | Düsseldorf
Aug.
18
bis 1. Okt.

Made in Düsseldorf #5 | NRW-Forum | Düsseldorf


NRW-Forum | Düsseldorf
18. August - 1. Oktober 2023

Made in Düsseldorf #5
Markus Karstiess, Donja Nasseri, Peter Piller


ohne Titel, 2021 © Peter Piller, Barbara Wien, Berlin, VG Bildkunst Bonn


Made in Düsseldorf ist eine Ausstellungsreihe der Stadtsparkasse Düsseldorf in Kooperation mit dem NRW-Forum. Sie widmet sich zeitgenössischen Künstler*innen, die durch ihr Studium, ihren Wohnort oder durch künstlerische Inhalte in Verbindung mit Düsseldorf und dem Rheinland stehen. Die fünfte Ausgabe mit dem Titel REFORMULIERUNG präsentiert vom 18. August bis 1. Oktober 2023 Arbeiten aus der Sammlung der Stadtsparkasse Düsseldorf sowie ausgewählte Leihgaben von Markus Karstieß, Donja Nasseri und Peter Piller, die sich inhaltlich, konzeptuell und materiell mit Kunstformen vergangener Kulturen befassen und diese auf aktuelle Fragestellungen übertragen.

Die Künstler*innen erforschen dabei die Kultur des alten Ägyptens sowie prähistorische Felszeichnungen, Gravuren und Höhlenkunst, deren Bedeutung und Form sie in ihren Werken neu formulieren. Dabei stehen raumgreifende Keramikinstallationen fotografischen Bildwelten gegenüber.

Oberflächen von betörendem Glanz zeigen sich in den Arbeiten von Markus Karstieß. Die beiden Werke Kammer und Stellar Stoner verdeutlichen die konzeptuelle Arbeitsweise des Künstlers, der in seinen Werken auf uralte keramische Verfahren zurückgreift und sich mit neolithischen Gravuren beschäftigt. Am Limit des technisch Machbaren experimentiert Karstieß mit Brennverfahren und Glasuren und spürt die Möglichkeiten der Materie auf.

Veränderungen von Tradition, Kultur und (Geschlechter-)Identität bilden den konzeptionellen Kern von Donja Nasseris Werk, das vor allem auf der Fotografie als Erinnerungsträger, als Medium der Dokumentation und der fiktionalen Manipulation basiert. In ihren Arbeiten kombiniert sie Fotografie, Objekte, Video und Sprache. Sie interessiert sich nicht zuletzt aufgrund eigener biografischer Bezüge für die alte ägyptische Kultur, die Eingang in ihr Werk findet. Technisch und materiell bewegen sich ihre Werke zwischen dem Digitalen und traditionellen analogen Formen.

Die künstlerische Arbeit von Peter Piller besteht darin, Fotografien zu sammeln und diese zu neuen Sinnzusammenhänge zu arrangieren, um neue Bedeutungsebenen herzustellen. Seit einiger Zeit interessiert sich Peter Piller für prähistorische Höhlenkunst, die er auf Reisen nach Südfrankreich und Nordspanien fotografiert. Er geht der Frage nach, wie die Beschäftigung mit steinzeitlicher Kunst den Blick auf die Alltagswelt verändert.


Made in Düsseldorf est une série d'expositions organisées par la Stadtsparkasse Düsseldorf en coopération avec le NRW-Forum. Elle est consacrée à des artistes contemporains* qui, de par leurs études, leur lieu de résidence ou leur contenu artistique, ont un lien avec Düsseldorf et la Rhénanie. La cinquième édition, intitulée REFORMULATION, présentera du 18 août au 1er octobre 2023 des œuvres issues de la collection de la Stadtsparkasse Düsseldorf ainsi que des prêts sélectionnés de Markus Karstieß, Donja Nasseri et Peter Piller, dont le contenu, le concept et le matériel sont liés à des formes artistiques de cultures passées et les transposent à des problématiques actuelles.

Les artistes* explorent ainsi la culture de l'Égypte ancienne ainsi que les peintures rupestres, les gravures et l'art rupestre préhistoriques, dont ils reformulent la signification et la forme dans leurs œuvres. Des installations en céramique occupant tout l'espace font face à des mondes d'images photographiques.

Les travaux de Markus Karstieß présentent des surfaces d'une brillance envoûtante. Les deux œuvres Kammer et Stellar Stoner illustrent la méthode de travail conceptuelle de l'artiste, qui recourt dans ses œuvres à des procédés céramiques ancestraux et s'intéresse aux gravures néolithiques. À la limite de ce qui est techniquement possible, Karstieß expérimente des procédés de cuisson et des émaux et traque les possibilités de la matière.

Les modifications de la tradition, de la culture et de l'identité (de genre) constituent le noyau conceptuel de l'œuvre de Donja Nasseri, qui repose avant tout sur la photographie en tant que support de mémoire, de documentation et de manipulation fictionnelle. Dans ses travaux, elle combine la photographie, les objets, la vidéo et le langage. C'est notamment en raison de ses propres références biographiques qu'elle s'intéresse à la culture égyptienne ancienne, qui fait partie intégrante de son œuvre. Sur le plan technique et matériel, ses œuvres se situent entre le numérique et les formes analogiques traditionnelles.

Le travail artistique de Peter Piller consiste à collectionner des photographies et à les agencer dans de nouveaux contextes de sens afin de créer de nouveaux niveaux de signification. Depuis quelque temps, Peter Piller s'intéresse à l'art rupestre préhistorique, qu'il photographie lors de voyages dans le sud de la France et le nord de l'Espagne. Il s'interroge sur la manière dont l'étude de l'art de l'âge de pierre modifie le regard que l'on porte sur le monde quotidien.


Made in Düsseldorf è una serie di mostre organizzate dalla Stadtsparkasse Düsseldorf in collaborazione con il NRW-Forum. È dedicata ad artisti contemporanei che sono legati a Düsseldorf e alla Renania attraverso i loro studi, il luogo di residenza o il contenuto artistico. Dal 18 agosto al 1° ottobre 2023, la quinta edizione intitolata REFORMULIERUNG presenterà opere della collezione della Stadtsparkasse Düsseldorf e prestiti selezionati di Markus Karstieß, Donja Nasseri e Peter Piller, che trattano forme d'arte di culture passate in termini di contenuto, concetto e materiale e le trasferiscono a temi attuali.

Gli artisti esplorano la cultura dell'antico Egitto e i disegni rupestri preistorici, le incisioni e l'arte rupestre, di cui riformulano il significato e la forma nelle loro opere. Ampie installazioni in ceramica sono accostate a immagini fotografiche.

Superfici di seducente brillantezza si rivelano nelle opere di Markus Karstieß. Le due opere Kammer e Stellar Stoner illustrano il metodo di lavoro concettuale dell'artista, che nelle sue opere attinge ad antichi processi ceramici e si confronta con incisioni neolitiche. Al limite del tecnicamente fattibile, Karstieß sperimenta processi di cottura e smalti e traccia le possibilità del materiale.

I cambiamenti nella tradizione, nella cultura e nell'identità (di genere) costituiscono il nucleo concettuale del lavoro di Donja Nasseri, che si basa principalmente sulla fotografia come portatrice di memoria, come mezzo di documentazione e di manipolazione fittizia. Nelle sue opere combina fotografia, oggetti, video e linguaggio. Anche a causa dei suoi riferimenti biografici, è interessata all'antica cultura egiziana, che si ritrova nel suo lavoro. Tecnicamente e materialmente, le sue opere si muovono tra il digitale e le forme analogiche tradizionali.

Il lavoro artistico di Peter Piller consiste nel raccogliere fotografie e nel disporle in nuovi contesti di significato per creare nuovi livelli di senso. Da tempo Peter Piller si interessa all'arte rupestre preistorica, che fotografa durante i suoi viaggi nel sud della Francia e nel nord della Spagna. Esplora la questione di come la preoccupazione per l'arte dell'età della pietra cambi il modo in cui guardiamo il mondo quotidiano.


Made in Düsseldorf is a series of exhibitions organized by the Stadtsparkasse Düsseldorf in cooperation with the NRW-Forum. It is dedicated to contemporary artists* who are connected to Düsseldorf and the Rhineland through their studies, place of residence or artistic content. From August 18 to October 1, 2023, the fifth edition entitled REFORMULIERUNG will present works from the collection of Stadtsparkasse Düsseldorf as well as selected loans from Markus Karstieß, Donja Nasseri, and Peter Piller, which deal with art forms of past cultures in terms of content, concept, and material and transfer them to current issues.

The artists explore the culture of ancient Egypt as well as prehistoric rock drawings, engravings and cave art, whose meaning and form they reformulate in their works. Spacious ceramic installations are juxtaposed with photographic imagery.

Surfaces of beguiling brilliance are revealed in the works of Markus Karstieß. The two works Kammer and Stellar Stoner illustrate the conceptual working method of the artist, who draws on ancient ceramic processes in his works and deals with Neolithic engravings. At the limit of what is technically possible, Karstieß experiments with firing processes and glazes and traces the possibilities of the material.

Changes in tradition, culture, and (gender) identity form the conceptual core of Donja Nasseri's work, which is based primarily on photography as a carrier of memory, as a medium of documentation, and of fictional manipulation. In her works she combines photography, objects, video and language. She is interested in ancient Egyptian culture, not least because of her own biographical references, which find their way into her work. Technically and materially, her works move between the digital and traditional analog forms.

Peter Piller's artistic work consists of collecting photographs and arranging them into new contexts of meaning in order to create new levels of meaning. For some time Peter Piller has been interested in prehistoric cave art, which he photographs on trips to southern France and northern Spain. He explores the question of how the preoccupation with Stone Age art changes the way we look at the everyday world.

(Text (d), NRW-Forum, Düsseldorf)

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Sabine Wunderlin – Fotografin in einer Umbruchzeit | Stadtmuseum Aarau
Aug.
17
6:30 PM18:30

Sabine Wunderlin – Fotografin in einer Umbruchzeit | Stadtmuseum Aarau


Stadtmuseum Aarau
17. August 2023

Sabine Wunderlin – Fotografin in einer Umbruchzeit


Wunderlins wichtigstes Pressebild: 2010 üben drei Frauen die höchsten Ämter in der Schweiz aus. Um ein feministisches Zeichen zu setzen, laden sie 700 Frauen zum Begegnungstag ins Bundeshaus ein. v. l. Nationalratspräsidentin Pascale Bruderer, Bundespräsidentin Doris Leuthard und Ständeratspräsidentin Erika Forster.
© Sabine Wunderlin


Als eine der wenigen Frauen gehört Sabine Wunderlin (*1953) zu den Schweizer Pressefotografinnen mit einer Festanstellung. 33 Jahre lang arbeitete sie für das Medienunternehmen Ringier, bis sie 2017 in Pension ging. Die Ausstellung blickt auf ihre aussergewöhnliche Karriere, widerspiegelt vier Jahrzehnte Fotojournalismus im Umbruch und präsentiert die persönlichen und politisch engagierten Langzeitprojekte der Fotografin.

Sabine Wunderlin realisierte für den «SonntagsBlick» und «Cash» unzählige Reportagen mit Bildserien und hielt Tagesaktualitäten fest. Von Kulturschaffenden über Politiker:innen bis zu A-Promis: Sie portraitierte über hundert bedeutende Persönlichkeiten. Die Bilder zeugen vom respektvollen Umgang mit den Menschen vor ihrer Kamera und zeigen den Balanceakt zwischen Dokumentation und Inszenierung, zwischen Natürlichkeit und bewusster Bildgestaltung.

Neben der Arbeit als Pressefotografin engagiert sich Sabine Wunderlin auch politisch mit ihrer Kamera: Sie ist Chronistin der Frauen- und Lesbenbewegung und achtsame Dokumentaristin der Zersiedelung. Das Stadtmuseum Aarau stellt erstmals diese freien Arbeiten zusammen aus und zeigt das grosse Engagement der Fotografin für die Umwelt und ihre Mitmenschen.


Sabine Wunderlin (*1953) est l'une des rares femmes à faire partie des photographes de presse suisses ayant un emploi fixe. Elle a travaillé pendant 33 ans pour l'entreprise de médias Ringier, avant de prendre sa retraite en 2017. L'exposition revient sur sa carrière exceptionnelle, reflète quatre décennies de photojournalisme en pleine mutation et présente les projets personnels et politiquement engagés à long terme de la photographe.

Sabine Wunderlin a réalisé d'innombrables reportages avec des séries de photos pour le "SonntagsBlick" et "Cash" et a immortalisé l'actualité quotidienne. Des acteurs culturels aux politiciens en passant par les célébrités : elle a fait le portrait de plus de cent personnalités importantes. Les photos témoignent d'une approche respectueuse des personnes qui se trouvent devant son appareil photo et montrent l'équilibre entre documentation et mise en scène, entre naturel et conception consciente de l'image.

Outre son travail de photographe de presse, Sabine Wunderlin s'engage également politiquement avec son appareil photo : elle est une chroniqueuse du mouvement des femmes et des lesbiennes et une documentariste attentive à l'étalement urbain. Le musée municipal d'Aarau expose pour la première fois ces travaux libres ensemble et montre le grand engagement de la photographe pour l'environnement et ses semblables.


Sabine Wunderlin (*1953) è una delle poche donne tra i fotografi della stampa svizzera con un posto fisso. Ha lavorato per la società di media Ringier per 33 anni fino al pensionamento nel 2017. La mostra ripercorre la sua straordinaria carriera, riflette quattro decenni di fotogiornalismo in transizione e presenta i progetti personali e politicamente impegnati a lungo termine della fotografa.

Sabine Wunderlin ha prodotto innumerevoli serie fotografiche per "SonntagsBlick" e "Cash" e ha catturato le ultime notizie del giorno. Da personaggi della cultura a politici e celebrità di primo piano, ha ritratto oltre un centinaio di personalità importanti. Le immagini testimoniano il trattamento rispettoso delle persone davanti alla sua macchina fotografica e mostrano l'equilibrio tra documentazione e messa in scena, tra naturalezza e composizione consapevole dell'immagine.

Oltre al suo lavoro di fotografa per la stampa, Sabine Wunderlin è anche impegnata politicamente con la sua macchina fotografica: è una cronista del movimento femminile e lesbico e una documentarista attenta dell'espansione urbana. Lo Stadtmuseum di Aarau espone per la prima volta insieme queste opere libere, a dimostrazione del grande impegno della fotografa nei confronti dell'ambiente e dei suoi simili.


Sabine Wunderlin (*1953) is one of the few women among Swiss press photographers with a permanent position. She worked for the media company Ringier for 33 years until she retired in 2017. The exhibition looks back on her extraordinary career, reflects four decades of photojournalism in transition and presents the photographer's personal and politically engaged long-term projects.

Sabine Wunderlin produced countless reportages with picture series for "SonntagsBlick" and "Cash" and captured daily news. From cultural figures to politicians and A-list celebrities, she has portrayed over a hundred important personalities. The pictures bear witness to the respectful treatment of the people in front of her camera and show the balancing act between documentation and staging, between naturalness and conscious image composition.

In addition to her work as a press photographer, Sabine Wunderlin is also politically engaged with her camera: she is a chronicler of the women's and lesbian movement and a mindful documentarian of urban sprawl. The Stadtmuseum Aarau is exhibiting these free works together for the first time, showing the photographer's great commitment to the environment and her fellow human beings.

(Text: Stadtmuseum Aarau)

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The Bird Project - Erik Berglin | Fotogalleri Vasli Souza | Oslo
Aug.
17
bis 17. Sept.

The Bird Project - Erik Berglin | Fotogalleri Vasli Souza | Oslo

  • Fotogalleri Vasli Souza (Karte)
  • Google Kalender ICS

Fotogalleri Vasli Souza | Oslo
17. August - 17. September 2023

The Bird Project
Erik Berglin


Erithacus Rubecula, Lugnagatan, Malmo | © Erik Berglin


Über einen Zeitraum von zwölf Jahren hat der Stockholmer Künstler Erik Berglin 4982 handgeschnittene Bilder von Vögeln in natürlicher Größe in zwölf Städten auf der ganzen Welt mit Weizen bestreut. Jeder Vogel wurde an einem sorgfältig ausgewählten Ort platziert und anschließend von dem Künstler, der hauptsächlich mit Fotografie arbeitet, dokumentiert.

Für die Dauer des Projekts suchte Berglin in Antiquariaten und Bibliotheken nach ornithologischen Büchern. Deren Fotografien wurden eingescannt, bearbeitet und nachgedruckt. Unzählige Stunden verbrachte Berglin mit einem Skalpell und einer Schere, um die Konturen der Vögel nachzuzeichnen und sie aus ihrem Papiergefängnis zu befreien. Jedes Jahr reiste Berglin für sein Projekt in eine neue Stadt. Von Anfang bis Ende wurden insgesamt 4982 Vögel in zwölf Städten auf fünf Kontinenten mit Weizenklebern versehen: Göteborg, Berlin, Tel Aviv, Casablanca, New York, Reykjavik, Madrid, Malmö, Rio de Janeiro, Buenos Aires, London und Stockholm.

In einer Zeit, in der sich Viren von Tieren ausbreiten und ein weltweites Massensterben im Zuge der Klimakrise zu beobachten ist, kann Berglins Projekt aus vielen Blickwinkeln betrachtet werden. Was hat diese Vögel dazu veranlasst, in städtischen Umgebungen Zuflucht zu suchen, die so weit von ihrem natürlichen Lebensraum entfernt sind? Welche Gefühle löst die Sichtung eines Weißkopfseeadlers im Zentrum Londons aus? Ist es lediglich eine schmerzliche Erinnerung an die einst reiche Fauna, die heute in den immer kleiner werdenden Lücken zwischen unseren Städten ums Überleben kämpft? Oder macht er Hoffnung auf eine mögliche Koexistenz, die durch die Fähigkeit dieser seltsamen Vögel, sich an eine vom Menschen geschaffene Welt anzupassen, ermöglicht wird? Vielleicht ist der Vogel auch nur eine poetische Metapher für etwas anderes?


Sur une période de douze ans, l'artiste Erik Berglin, basé à Stockholm, a collé au blé 4982 images d'oiseaux découpées à la main à l'échelle naturelle, dans douze villes du monde. Chaque oiseau a été placé dans un endroit soigneusement choisi, puis documenté par l'artiste, dont la photographie est le principal moyen d'expression.

Pour la durée de ce projet, Berglin s'est procuré des livres d'ornithologie dans des librairies et des bibliothèques anciennes. Leurs photographies ont été scannées, éditées et réimprimées. Berglin a passé d'innombrables heures avec un scalpel et une paire de ciseaux, traçant les contours des oiseaux pour les libérer de leur emprisonnement de papier. Chaque année, Berglin s'est rendu dans une nouvelle ville pour son projet. Du début à la fin, un total de 4982 oiseaux ont été collés dans douze villes sur cinq continents : Göteborg, Berlin, Tel Aviv, Casablanca, New York, Reykjavik, Madrid, Malmö, Rio de Janeiro, Buenos Aires, Londres et Stockholm.

À une époque où les virus se propagent chez les animaux et où la crise climatique entraîne une extinction massive à l'échelle mondiale, le projet de Berglin peut être abordé sous de nombreux angles. Qu'est-ce qui a poussé ces oiseaux à se réfugier en milieu urbain, si loin de leur habitat naturel ? Quels sentiments suscite l'observation d'un pygargue à tête blanche dans le centre de Londres ? S'agit-il simplement d'un rappel douloureux d'une faune autrefois riche, qui lutte aujourd'hui pour sa survie dans les espaces de plus en plus réduits entre nos villes ? Ou bien apporte-t-il l'espoir d'une coexistence potentielle, rendue possible par la capacité de ces curieux oiseaux à s'adapter à un monde construit par l'homme ? Peut-être l'oiseau n'est-il qu'une métaphore poétique de quelque chose d'autre ?


Nell'arco di dodici anni, l'artista di Stoccolma Erik Berglin ha incollato a mano 4982 immagini di uccelli in scala naturale in dodici città del mondo. Ogni uccello è stato collocato in un luogo accuratamente selezionato e successivamente documentato dall'artista, che lavora con la fotografia come mezzo principale.

Per la durata del progetto, Berglin ha reperito libri di ornitologia in librerie antiquarie e biblioteche. Le loro fotografie sono state scansionate, modificate e ristampate. Berglin ha trascorso innumerevoli ore con un bisturi e un paio di forbici, tracciando i contorni degli uccelli per liberarli dalla loro prigionia di carta. Ogni anno Berglin si recava in una nuova città per il suo progetto. Dall'inizio alla fine, un totale di 4982 uccelli sono stati incollati al grano in dodici città di cinque continenti: Göteborg, Berlino, Tel Aviv, Casablanca, New York, Reykjavik, Madrid, Malmö, Rio de Janeiro, Buenos Aires, Londra e Stoccolma.

In un'epoca di virus diffusi tra gli animali e di estinzioni di massa a livello mondiale sulla scia della crisi climatica, il progetto di Berglin può essere affrontato da molti punti di vista. Cosa ha spinto questi uccelli a rifugiarsi in ambienti urbani, così lontani dal loro habitat naturale? Quali sentimenti suscita l'avvistamento di un'aquila calva nel centro di Londra? È solo un doloroso ricordo di una fauna un tempo ricca, che oggi lotta per la sopravvivenza negli spazi sempre più ridotti tra le nostre città? Oppure porta la speranza di una potenziale coesistenza, resa possibile dalla capacità di questi curiosi uccelli di adattarsi a un mondo antropizzato? Forse l'uccello è solo una metafora poetica di qualcos'altro?


Over a period of twelve years, Stockholm based artist Erik Berglin wheat-pasted 4982 hand cut images of birds in natural scale, in twelve cities around the world. Each bird was placed in a carefully selected location, and subsequently documented by the artist, who works with photography as his primary medium.

For the duration of this project, Berglin sourced ornithology books in antiquarian bookshops and libraries. Their photographs were scanned, edited and reprinted. Berglin spent countless hours with a scalpel and a pair of scissors, tracing the contours of the birds to free them of their paper imprisonment. Each year, Berglin traveled to a new city for his project. From start to end, a total of 4982 birds were wheat-pasted in twelve cities on five continents: Gothenburg, Berlin, Tel Aviv, Casablanca, New York, Reykjavik, Madrid, Malmö, Rio de Janeiro, Buenos Aires, London and Stockholm.

In a time of animal spread viruses and worldwide mass extinction in the wake of the climate crisis, Berglin's project can be approached from many angles. What caused these birds to seek refuge in urban environments, so far away from their natural habitat? What feelings does the sighting of a bald eagle in central London evoke? Is it merely a painful reminder of the once rich fauna, which today fights for survival in the steadily decreasing gaps in-between our cities? Or does it bring hope of a potential co-existence, made possible by these curious birds' ability to adapt to a man-made world? Perhaps, the bird is merely a Poesque metaphor for something else?

(Text: Fotogalleri Vasli Souza, Oslo)

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Imaginatio: innere Welten im Gespräch | Galerie Bernhard Bischoff & Partner | Bern
Aug.
11
4:00 PM16:00

Imaginatio: innere Welten im Gespräch | Galerie Bernhard Bischoff & Partner | Bern


Galerie Bernhard Bischoff & Partner | Bern
11. August 2023

Imaginatio: innere Welten im Gespräch
Giulia Schlüchter und Tim Rod

Die Galerie Bernhard Bischoff & Partner erstmals ihre Räumlichkeiten dem jungen Linking Art Collective zur Verfügung.


Reservoir, 2022, Photography, Collage | © Tim Rod


In der bevorstehenden Ausstellung «Imaginatio: innere Welten im Gespräch»wird die innere Landschaft, die imaginierte Welt, die wir alle in uns wissen, als Thema aufgegriffen. Die beiden künstlerischen Positionen Giulia Schlüchter und Tim Rod beschäftigen sich auf unterschiedliche Weise mit dem Thema. Es entsteht ein Kontrast, der konzeptuell und medial angelegt ist. Die Grenzen von Imagination und Realität werden unscharf. Dies spiegelt sich auch in den Kunstwerken, die durch ihre abstrakten Formen einen Zugang zur inneren Welt schaffen. Die Zeichnungen von Giulia Schlüchter eröffnen den Betrachter*innen fantastische Landschaften. Gespeist werden diese durch Eindrücke, die die Künstlerin in ihrem Alltag sammelt. Im Gegensatz dazu hält Tim Rod seine Umwelt fotografisch fest. Durch die Verarbeitung dieser Aufnahmen zu Collagen fliesst seine Imagination in die Werke ein. Die Kunstschaffenden beschäftigen sich, über ihre Werke hinaus, auch auf einer theoretischen Ebene mit dem Thema. Dies dokumentieren die im letzten halben Jahr mit ihnen geführten Interviews. Dank dieser Gespräche lässt sich die «innere Welt» der Künstler*innen ungezwungen entdecken und wird so als wichtige Ergänzung zu den Kunstwerken in der Ausstellung sichtbar. Durch die Verwendung der Interviews als Methode, die auch in den Kunstwissenschaften zur Anwendung kommt, schlägt das Ausstellungsprojekt eine Brücke zwischen Theorie und Praxis. Das Interview dient also einerseits als mögliche Strategie, mittels der Intention der Kunstschaffenden in ein Werk einzutauchen. Als wissenschaftliche Methode bietet es andererseits eine mögliche Basis für zukünftige kunsthistorische Betrachtung und Einordnung der künstlerischen Positionen.


L'exposition à venir "Imaginatio : des mondes intérieurs en conversation" a pour thème le paysage intérieur, le monde imaginé que nous connaissons tous en nous. Les deux positions artistiques de Giulia Schlüchter et Tim Rod traitent ce thème de manière différente. Il en résulte un contraste qui est à la fois conceptuel et médiatique. Les frontières entre l'imagination et la réalité deviennent floues. Cela se reflète également dans les œuvres d'art qui, par leurs formes abstraites, donnent accès au monde intérieur. Les dessins de Giulia Schlüchter ouvrent aux spectateurs* des paysages fantastiques. Ceux-ci sont alimentés par les impressions que l'artiste recueille dans son quotidien. Tim Rod, quant à lui, prend des photos de son environnement. En transformant ces prises de vue en collages, son imagination s'intègre dans les œuvres. Au-delà de leurs œuvres, les artistes se penchent également sur le sujet à un niveau théorique. Les entretiens menés avec eux au cours des six derniers mois en témoignent. Grâce à ces entretiens, le "monde intérieur" des artistes se laisse découvrir sans contrainte et devient ainsi un complément important aux œuvres d'art dans l'exposition. En utilisant les interviews comme méthode, également appliquée dans les sciences de l'art, le projet d'exposition jette un pont entre la théorie et la pratique. L'interview sert donc d'une part de stratégie possible pour se plonger dans une œuvre par le biais de l'intention des artistes. En tant que méthode scientifique, elle offre d'autre part une base possible pour une future observation de l'histoire de l'art et une classification des positions artistiques.


Nella prossima mostra "Imaginatio: mondi interiori in conversazione", il paesaggio interiore, il mondo immaginario che tutti conosciamo dentro di noi, viene ripreso come tema. Le due posizioni artistiche di Giulia Schlüchter e Tim Rod affrontano il tema in modi diversi. Il risultato è un contrasto concettuale e mediale. I confini tra immaginazione e realtà si confondono. Questo si riflette anche nelle opere d'arte, che creano un accesso al mondo interiore attraverso le loro forme astratte. I disegni di Giulia Schlüchter aprono allo spettatore paesaggi fantastici. Sono alimentati dalle impressioni che l'artista raccoglie nella sua vita quotidiana. Tim Rod, invece, cattura il suo ambiente fotograficamente. Elaborando queste fotografie in collage, la sua immaginazione confluisce nelle opere. Al di là delle loro opere, gli artisti affrontano il tema anche a livello teorico. Ciò è documentato dalle interviste condotte con loro negli ultimi sei mesi. Grazie a queste interviste, il "mondo interiore" degli artisti può essere scoperto senza costrizioni e diventa così visibile come un importante complemento alle opere in mostra. Utilizzando le interviste come metodo applicato anche agli studi d'arte, il progetto espositivo getta un ponte tra teoria e pratica. Così, da un lato, l'intervista serve come possibile strategia per immergersi in un'opera d'arte attraverso l'intenzione dell'artista. Dall'altro, come metodo scientifico, offre una possibile base per la futura osservazione storico-artistica e la classificazione delle posizioni artistiche.


In the upcoming exhibition "Imaginatio: inner worlds in conversation "the inner landscape, the imagined world that we all know inside us, is taken up as a theme. The two artistic positions Giulia Schlüchter and Tim Rod deal with the topic in different ways. A contrast emerges that is conceptual and medial. The boundaries between imagination and reality become blurred. This is also reflected in the artworks, which create access to the inner world through their abstract forms. Giulia Schlüchter's drawings open up fantastic landscapes to the viewer. They are fed by impressions that the artist collects in her everyday life. In contrast, Tim Rod captures his environment photographically. By processing these photographs into collages, his imagination flows into the works. Beyond their works, the artists also deal with the subject on a theoretical level. This is documented by the interviews conducted with them over the past six months. Thanks to these interviews, the artists' "inner world" can be discovered without constraint and thus becomes visible as an important complement to the artworks in the exhibition. By using interviews as a method that is also applied in art studies, the exhibition project builds a bridge between theory and practice. Thus, on the one hand, the interview serves as a possible strategy for immersing oneself in a work of art by means of the intention of the artist. On the other hand, as a scientific method, it offers a possible basis for future art-historical observation and classification of the artistic positions.

(Text: Galerie Bernhard Bischoff & Partner, Bern)

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Chimera - Markus Rock | BBA Gallery | Berlin
Aug.
11
bis 6. Sept.

Chimera - Markus Rock | BBA Gallery | Berlin


BBA Gallery | Berlin
11. August - 6. September 2023

Chimera
Markus Rock



Aus der Shortlist des BBA Photography Prize 2022 präsentiert die BBA Gallery eine Einzelausstellung des deutschen Fotokünstlers Markus Rock. "Chimera", der Titel seiner jüngsten Serie, nimmt die mythologische griechische Chimäre als Ausgangspunkt, um die menschliche Identität zu erkunden.

Fotografiert im Jahr 2019 in den Uferstudios, Berlin, spielt "Chimera" mit der Wahrnehmung und Vorstellungskraft. Eine unheimliche Ähnlichkeit des Körperbaus und extreme körperliche Nähe verwischen die Unterschiede zwischen den Modellen Julia und Siri. So wie die Chimäre eine inkongruente Ansammlung von Tieren ist, verformen sich die beiden Frauen auf den Fotografien zu neuen, absurden Kreaturen. Ihre blassen, geschmeidigen Körper werden zu ungewöhnlichen Organismen, bei denen Körperteile aus Schatten und Vertiefungen des Fleisches in unnatürlichen Winkeln hervortreten und scheinbar eins sind. Es sind die Betrachter und ihre Vorstellungskraft, die diese groteske Chimäre aus Körperteilen zum Leben erwecken. Bei näherer Betrachtung löst sich die Chimäre wieder in eine erkennbare Ansammlung von abgetrennten Gliedmaßen auf.

Durch die Verschmelzung von Choreografie, Tanz und Renaissance-Beleuchtung in "Chimera" rücken die Körper als Objekte in den Mittelpunkt, die in eine dynamische Beziehung treten. Während die beiden Frauen miteinander verschmelzen, werden ihre Körper zu Trägern, Schöpfern und Machern des Kunstwerks. Er - der Körper - wird zur ursprünglichen Quelle des künstlerischen Ausdrucks.

Markus Rock stützt die Serie auf Julias choreografische Arbeit mit ihrem Tanz Siri. Vor den Dreharbeiten - die in einem Take dokumentiert wurden - hatten die Frauen 2 ½ Jahre lang an einem gemeinsamen Projekt gearbeitet. Ihre enge berufliche und persönliche Beziehung macht ihre körperliche Nähe möglich. Intuitiv und gefühlsbetont ist "Chimera" ein Zeugnis für das transformative Potenzial menschlicher Beziehungen, das über die verbale Kommunikation hinausgeht.


Parmi la shortlist du BBA Photography Prize 2022, la BBA Gallery présente une exposition individuelle de l'artiste photographe allemand Markus Rock. "Chimera", le titre de sa dernière série, prend la chimère mythologique grecque comme point de départ pour explorer l'identité humaine.

Photographiée en 2019 dans les Uferstudios, à Berlin, "Chimera" joue avec la perception et l'imagination. Une ressemblance physique inquiétante et une extrême proximité physique effacent les différences entre les modèles Julia et Siri. Tout comme la chimère est un assemblage incongru d'animaux, les deux femmes se déforment sur les photographies en de nouvelles créatures absurdes. Leurs corps pâles et souples deviennent des organismes inhabituels, où des parties du corps émergent des ombres et des creux de la chair sous des angles peu naturels et semblent ne faire qu'un. Ce sont les spectateurs et leur imagination qui donnent vie à cette chimère grotesque de parties du corps. En y regardant de plus près, la chimère se dissout à nouveau en un ensemble reconnaissable de membres coupés.

La fusion de la chorégraphie, de la danse et de l'éclairage Renaissance dans "Chimera" place les corps au centre de l'attention en tant qu'objets qui entrent dans une relation dynamique. Alors que les deux femmes se fondent l'une dans l'autre, leurs corps deviennent les porteurs, les créateurs et les faiseurs de l'œuvre d'art. Lui - le corps - devient la source originelle de l'expression artistique.

Markus Rock fonde la série sur le travail chorégraphique de Julia avec sa danse Siri. Avant le tournage - qui a été documenté en une seule prise - les femmes ont travaillé pendant 2 ½ ans sur un projet commun. Leur étroite relation professionnelle et personnelle rend possible leur proximité physique. Intuitif et plein d'émotions, "Chimera" témoigne du potentiel de transformation des relations humaines, qui va au-delà de la communication verbale.


Dalla shortlist del BBA Photography Prize 2022, BBA Gallery presenta una mostra personale dell'artista fotografico tedesco Markus Rock. "Chimera", il titolo della sua ultima serie, prende la mitologica chimera greca come punto di partenza per esplorare l'identità umana.

Fotografata nel 2019 presso gli Uferstudios di Berlino, "Chimera" gioca con la percezione e l'immaginazione. Un'inquietante somiglianza di fisico e un'estrema vicinanza fisica offuscano le differenze tra le modelle Julia e Siri. Proprio come la chimera è un insieme incongruo di animali, le due donne nelle fotografie si deformano in nuove, assurde creature. I loro corpi pallidi e slanciati diventano organismi insoliti, con parti del corpo che emergono da ombre e cavità nella carne ad angoli innaturali, apparentemente un tutt'uno. Sono gli spettatori e la loro immaginazione a dare vita a questa grottesca chimera di parti del corpo. A un esame più attento, la chimera si dissolve in un insieme riconoscibile di arti mozzati.

La fusione di coreografia, danza e illuminazione rinascimentale in "Chimera" mette a fuoco i corpi come oggetti che entrano in una relazione dinamica. Quando le due donne si fondono, i loro corpi diventano portatori, creatori e artefici dell'opera d'arte. Il corpo diventa la fonte originale dell'espressione artistica.

Markus Rock basa la serie sul lavoro coreografico di Julia con la sua danza Siri. Prima delle riprese - che sono state documentate in un'unica ripresa - le donne lavoravano a un progetto comune da due anni e mezzo. Il loro stretto rapporto professionale e personale rende possibile la vicinanza fisica. Intuitivo ed emotivo, "Chimera" è una testimonianza del potenziale trasformativo delle relazioni umane che va oltre la comunicazione verbale.


From the BBA Photography Prize 2022 shortlist, BBA Gallery presents a solo exhibition by German fine-art photographer Markus Rock. “Chimera”, his latest series, takes the mythological Greek Chimera as its point of departure to explore human identity.

Photographed in 2019 at Uferstudios, Berlin, “Chimera'' plays on perception and imagination. An uncanny similarity of physique and extreme physical proximity blurs the distinction between the models Julia and Siri. Just as the Chimera is an incongruous assemblage of animals, the two women in the photographs contort around each other to become new and absurd creatures. Their pale, lithe bodies become unusual organisms, where body parts emerge from shadows and recesses of the flesh at unnatural angles, seemingly one. It is the viewer and their imagination that brings to life this grotesque Chimera of body parts. Upon closer inspection, the Chimera dissolves back into a recognisable collection of disconnected limbs.

Due to the fusion of choreography, dance and Renaissance lighting in “Chimera”, the bodies take centre-stage as objects involved in a dynamic relation. As the two women blend together, their bodies are conduits, creators and makers of the artwork. It -the body -becomes the primal source of artistic expression.

Markus Rock based the series on Julia’s choreographic work with her dance Siri. Prior to the shoot -documented in one take -  the women had been working for 2 ½ years on a project together. Their close professional and personal relationship makes possible their physical closeness. Intuitive and emotionally driven, “Chimera”’ is a testament to the transformative potential of human connections that goes beyond verbal communication.

(Text (d, e): BBA Gallery, Berlin)

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