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RENEGADES. San Francisco: Queer Life in the 1990s - Chloe Sherman | f3 - freiraum für fotografie | Berlin
Juni
30
bis 3. Sept.

RENEGADES. San Francisco: Queer Life in the 1990s - Chloe Sherman | f3 - freiraum für fotografie | Berlin

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f3 - freiraum für fotografie | Berlin
30. Juni - 3. September 2023

RENEGADES. San Francisco: Queer Life in the 1990s
Chloe Sherman


Liebe/Hass, Ruhe in Frieden Christopher Lee, 1999 © Chloe Sherman


San Francisco in den 90er Jahren war eine entscheidende, wegweisende Zeit und ich hatte das Glück, ein Teil davon zu sein. Ich fand Schönheit, Anmut und Tapferkeit in der queeren Subkultur, die sich eine eigene Identität abseits der Mainstream-Gesellschaft schuf. Meine Fotografien dokumentieren den einzigartigen Puls der Stadt während dieser Zeit und halten fest, wie wir das Anderssein in der Sicherheit unserer Gemeinschaft feierten. (Chloe Sherman, 2023)

Auch die junge Fotografin Chloe Sherman genoss das Leben in der für ihre Offenheit berühmten Westküstenmetropole. Als Kunststudentin begann sie die lesbische und queere Szene San Franciscos zu fotografieren. Inspiriert von Del LaGrace Volcanos Fotografien der Londoner Lesbenszene, hielt Sherman ihre eigene Welt der Femmes, Butches, Punks und Studs fest und füllte einen ganzen Wandschrank mit 35-mm-Negativen. Mit dem differenzierten Blick einer Insiderin dokumentierte sie eine sich entwickelnde Gemeinschaft, die sich entschlossen gegen die vorherrschenden kulturellen Normen auflehnte und ihre ganz eigenen Regeln für den Umgang mit gängigen Geschlechterzuschreibungen und dem gesellschaftlichen Zusammenleben entwickelte.

Auch die junge Fotografin Chloe Sherman genoss das Leben in der für ihre Offenheit berühmten Westküstenmetropole. Als Kunststudentin begann sie die lesbische und queere Szene San Franciscos zu fotografieren. Inspiriert von Del LaGrace Volcanos Fotografien der Londoner Lesbenszene, hielt Sherman ihre eigene Welt der Femmes, Butches, Punks und Studs fest und füllte einen ganzen Wandschrank mit 35-mm-Negativen. Mit dem differenzierten Blick einer Insiderin dokumentierte sie eine sich entwickelnde Gemeinschaft, die sich entschlossen gegen die vorherrschenden kulturellen Normen auflehnte und ihre ganz eigenen Regeln für den Umgang mit gängigen Geschlechterzuschreibungen und dem gesellschaftlichen Zusammenleben entwickelte.

30 Jahre lagerten die Fotografien jener Zeit vergessen im Archiv der Fotografin. RENEGADES. San Francisco: Queer Life in the 1990s präsentiert die herausragenden und historisch bedeutenden Aufnahmen nun erstmalig einem Publikum außerhalb der USA. Chloe Shermans Ausstellung fängt den rebellischen Geist jener Zeit ein und porträtiert offen eine zukunftsweisende Ära.

Chloe Sherman (*1969, New York) kam 1991 nach San Francisco, um am San Francisco Art Institute Fine Art-Fotografie zu studieren. Ihre Arbeiten wurden international ausgestellt und in Zeitschriften wie Rolling Stone und Interview veröffentlicht.


San Francisco dans les années 90 a été une période décisive et pionnière, et j'ai eu la chance d'en faire partie. J'ai trouvé de la beauté, de la grâce et de la bravoure dans la sous-culture queer qui se créait sa propre identité à l'écart de la société mainstream. Mes photographies documentent le pouls unique de la ville pendant cette période et enregistrent la façon dont nous célébrions la différence dans la sécurité de notre communauté. (Chloe Sherman, 2023)

La jeune photographe Chloe Sherman a également apprécié la vie dans cette métropole de la côte ouest, célèbre pour son ouverture d'esprit. Alors qu'elle était étudiante en art, elle a commencé à photographier la scène lesbienne et queer de San Francisco. Inspirée par les photographies de Del LaGrace Volcano sur la scène lesbienne londonienne, Sherman a capturé son propre monde de femmes, de butches, de punks et de studs et a rempli un placard entier de négatifs 35 mm. Avec le regard nuancé d'une initiée, elle a documenté une communauté en plein développement qui s'est résolument rebellée contre les normes culturelles dominantes et a développé ses propres règles pour faire face aux attributions de genre courantes et à la cohabitation sociale.

La jeune photographe Chloe Sherman a elle aussi apprécié la vie dans cette métropole de la côte ouest, célèbre pour son ouverture d'esprit. En tant qu'étudiante en art, elle a commencé à photographier la scène lesbienne et queer de San Francisco. Inspirée par les photographies de Del LaGrace Volcano sur la scène lesbienne londonienne, Sherman a capturé son propre monde de femmes, de butches, de punks et de studs et a rempli un placard entier de négatifs 35 mm. Avec le regard nuancé d'une initiée, elle a documenté une communauté en plein développement qui s'est résolument opposée aux normes culturelles dominantes et a développé ses propres règles pour faire face aux attributions de genre courantes et à la cohabitation sociale.

Pendant 30 ans, les photographies de cette époque sont restées oubliées dans les archives de la photographe. RENEGADES. San Francisco : Queer Life in the 1990s présente pour la première fois ces clichés exceptionnels et historiquement importants à un public extérieur aux États-Unis. L'exposition de Chloe Sherman capture l'esprit rebelle de cette époque et dresse ouvertement le portrait d'une ère d'avenir.

Chloe Sherman (*1969, New York) est arrivée à San Francisco en 1991 pour étudier la photographie au San Francisco Art Institute Fine Art. Son travail a fait l'objet d'expositions internationales et a été publié dans des magazines tels que Rolling Stone et Interview.

La San Francisco degli anni '90 è stata un'epoca cruciale e innovativa e io ho avuto la fortuna di farne parte. Ho trovato bellezza, grazia e coraggio nella sottocultura queer che stava creando la propria identità lontano dalla società tradizionale. Le mie fotografie documentano l'impulso unico della città in quel periodo e catturano il modo in cui celebravamo l'alterità nella sicurezza della nostra comunità. (Chloe Sherman, 2023)


Anche la giovane fotografa Chloe Sherman ha apprezzato la vita nella metropoli della West Coast famosa per la sua apertura. Da studentessa d'arte, ha iniziato a fotografare la scena lesbica e queer di San Francisco. Ispirata dalle fotografie di Del LaGrace Volcano sulla scena lesbica londinese, la Sherman ha catturato il suo mondo di femmine, butches, punk e studs, riempiendo un intero armadio di negativi da 35 mm. Con l'occhio attento di un'interna, ha documentato una comunità in evoluzione che si è ribellata risolutamente alle norme culturali prevalenti e ha sviluppato le proprie regole per affrontare le comuni attribuzioni di genere e la coesistenza sociale.

Anche la giovane fotografa Chloe Sherman ha apprezzato la vita nella metropoli della West Coast famosa per la sua apertura. Da studentessa d'arte, ha iniziato a fotografare la scena lesbica e queer di San Francisco. Ispirata dalle fotografie di Del LaGrace Volcano sulla scena lesbica londinese, la Sherman ha catturato il proprio mondo di femmine, butches, punk e studs, riempiendo un intero armadio di negativi da 35 mm. Con l'occhio attento di un'interna, ha documentato una comunità in evoluzione che si ribellava risolutamente alle norme culturali prevalenti e sviluppava le proprie regole per affrontare le comuni attribuzioni di genere e la coesistenza sociale.

Per 30 anni, le fotografie di quell'epoca sono rimaste dimenticate nell'archivio della fotografa. RENEGADES. San Francisco: Queer Life in the 1990s presenta per la prima volta le eccezionali e storicamente significative fotografie a un pubblico al di fuori degli Stati Uniti. La mostra di Chloe Sherman cattura lo spirito ribelle dell'epoca e ritrae candidamente un'epoca che guarda al futuro.

Chloe Sherman (*1969, New York) è arrivata a San Francisco nel 1991 per studiare fotografia d'arte al San Francisco Art Institute. Il suo lavoro è stato esposto a livello internazionale e pubblicato in riviste come Rolling Stone e Interview.


San Francisco in the 1990s was a pivotal, groundbreaking time, and I was lucky enough to be a part of it. I found beauty, grace and bravery in the queer subculture that forged an identity alongside by mainstream society. My photographs document the unique pulse of the city during this time and capture how we celebrated otherness in the safety of our community. (Chloe Sherman, 2023)

In the 1990s, San Francisco was the stronghold of queer life in the Western-influenced world. Young queer people, artists and free spirits flocked to the city to experiment with art, style, gender and identity, to be free, and to live their lives independent of mainstream society. A style-defining subculture emerged: affordable rents paved the way for bars, clubs, tattoo stores, art galleries, cafes, bookstores, and women-owned businesses. A new wave of feminism allowed gender identities to be explored and butch/femme culture reached a peak.

Young photographer Chloe Sherman also enjoyed life in the West Coast metropolis famous for its openness. As an art student, she began photographing San Francisco's lesbian and queer scene. Inspired by Del LaGrace Volcano's photographs of the London lesbian scene, Sherman captured her own world of femmes, butches, punks and studs, filling an entire wall cabinet with 35mm negatives. With the nuanced eye of an insider, she documented an evolving community that resolutely rebelled against prevailing cultural norms and developed its own unique rules for dealing with common gender ascriptions and social coexistence.

For 30 years, the photographs of that period were stored forgotten in the photographer's archive. RENEGADES. San Francisco: Queer Life in the 1990s presents the outstanding and historically significant photographs to an audience outside the USA for the first time. Chloe Sherman's exhibition captures the rebellious spirit of the era and candidly portrays a forward-thinking era.

Chloe Sherman (b. 1969, New York) came to San Francisco in 1991 to study fine art photography at the San Francisco Art Institute. Her work has been exhibited internationally and published in magazines such as Rolling Stone and Interview.

(f3 - freiraum für fotografie, Berlin)

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Temporary Truths | FWR | FeldbuschWiesnerRudolph | Berlin
Juni
30
bis 29. Juli

Temporary Truths | FWR | FeldbuschWiesnerRudolph | Berlin

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FWR | FeldbuschWiesnerRudolph | Berlin
30. Juni - 29. Juli 2023

Temporary Truths
Marta Djourina, Sara-Lena Maierhofer, Sophie Thun


ohne Titel, 2021, Direktbelichtung auf analogem Fotopapier, selbsterstelltes Filmnegativ | © Marta Djourina


In der Projektschau TEMPORARY TRUTHS haben Marta Djourina und Sara-Lena Maierhofer die Künstlerin Sophie Thun (Wien) eingeladen, gemeinsam fotografische Arbeiten zu zeigen. Thematisch in unterschiedlichen Bereichen angesiedelt, eint die drei Künstlerinnen der experimentelle Umgang mit fotografischem Material und die Neuinterpretation analoger Techniken. Die gezeigten Arbeiten zeigen die Fotografie als Spur, als Abdruck von temporären Wahrheiten, als Medium der Visualisierung von etwas, das wir sonst nicht sehen.


Dans le cadre du projet TEMPORARY TRUTHS, Marta Djourina et Sara-Lena Maierhofer ont invité l'artiste Sophie Thun (Vienne) à présenter ensemble des œuvres photographiques. Les trois artistes, qui travaillent dans des domaines différents, sont unies par leur approche expérimentale du matériel photographique et la réinterprétation des techniques analogiques. Les œuvres exposées montrent la photographie comme une trace, une empreinte de vérités temporaires, un moyen de visualisation, de quelque chose que nous ne voyons pas.


Nel progetto espositivo TEMPORARY TRUTHS Marta Djourina e Sara-Lena Maierhofer hanno invitato l'artista Sophie Thun (Vienna) a presentare insieme opere fotografiche. Tematicamente collocate in ambiti diversi, le tre artiste sono accomunate dall'approccio sperimentale al materiale fotografico e dalla reinterpretazione delle tecniche analogiche. Le opere in mostra mostrano la fotografia come traccia, come impronta di verità temporanee, come mezzo di visualizzazione, di qualcosa che altrimenti non vediamo.


In the project show TEMPORARY TRUTHS Marta Djourina and Sara-Lena Maierhofer have invited the artist Sophie Thun (Vienna) to show photographic works together. Thematically located in different fields, the three artists are united by their experimental approach to photographic material and the reinterpretation of analog techniques. The works on display show photography as a trace, as an imprint of temporary truths, a medium of visualization, of something we otherwise do not see.

(Text: FWR | FeldbuschWiesnerRudolf, Berlin)

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WinterWale – Fotografien von Audun Rikardsen | Stadtmuseum Schleswig
Juni
30
bis 17. Sept.

WinterWale – Fotografien von Audun Rikardsen | Stadtmuseum Schleswig


Stadtmuseum Schleswig
30. Juni - 17. September 2023

WinterWale
Audun Rikardsen


The Silvery Of The Arctic Ocean © Audun Rikardsen


Auf dem Höhepunkt des nordischen Winters, wenn die Sonne nur kurz am Horizont erscheint, findet in den Fjorden des nördlichen Norwegens ein unvergleichliches Naturschauspiel statt: Millionen von Heringen ziehen in riesigen Schwärmen in die flachen Küstengewässer, um dort zu laichen. Angelockt von diesem unermesslichen Nahrungsangebot, versammeln sich in den Fjorden Schwärme von Raubfischen und Möwen, Seeadler, Robben und – Wale.

Der Norweger Audun Rikardsen, Professor für Biologie und vielfach preisgekrönter Naturfotograf, hat das Verhalten und die archaische Schönheit dieser Giganten der Meere in einzigartigen Bildern festgehalten. Dem passionierten Taucher und Umweltschützer gelang es auch, bislang ungesehene Szenen aus dem Interessenkonflikt zwischen lokalen Fischern und jagenden Walen zu fotografieren, die um das Silber des Meeres, den Hering, konkurrieren.


Au plus fort de l'hiver nordique, lorsque le soleil n'apparaît que brièvement à l'horizon, un spectacle naturel incomparable se déroule dans les fjords du nord de la Norvège : Des millions de harengs se déplacent en immenses bancs vers les eaux côtières peu profondes pour y frayer. Attirés par cette offre alimentaire incommensurable, des bancs de poissons prédateurs et des mouettes, des aigles de mer, des phoques et - des baleines se rassemblent dans les fjords.

Le Norvégien Audun Rikardsen, professeur de biologie et photographe de la nature maintes fois récompensé, a immortalisé le comportement et la beauté archaïque de ces géants des mers dans des visuels uniques. Ce plongeur passionné et défenseur de l'environnement est également parvenu à photographier des scènes inédites du conflit d'intérêts entre les pêcheurs locaux et les baleines en chasse, qui se disputent l'argent de la mer, le hareng.


Al culmine dell'inverno nordico, quando il sole appare solo brevemente all'orizzonte, nei fiordi della Norvegia settentrionale ha luogo uno spettacolo naturale incomparabile: Milioni di aringhe migrano in enormi banchi verso le acque costiere poco profonde per deporre le uova. Attirati da questa immensa offerta di cibo, nei fiordi si radunano stormi di pesci predatori e gabbiani, aquile di mare, foche e balene.

Il norvegese Audun Rikardsen, professore di biologia e pluripremiato fotografo naturalista, ha catturato il comportamento e la bellezza arcaica di questi giganti dei mari in immagini uniche. L'appassionato subacqueo e ambientalista è riuscito anche a fotografare scene inedite del conflitto di interessi tra i pescatori locali e le balene cacciatrici che si contendono l'argento del mare, l'aringa.


At the height of the Nordic winter, when the sun appears only briefly on the horizon, an incomparable natural spectacle takes place in the fjords of northern Norway: Millions of herring migrate in huge shoals to the shallow coastal waters to spawn. Attracted by this immense food supply, flocks of predatory fish and gulls, sea eagles, seals and - whales gather in the fjords.

Norwegian Audun Rikardsen, professor of biology and multiple award-winning nature photographer, has captured the behavior and archaic beauty of these giants of the seas in unique images. The passionate diver and environmentalist also managed to photograph previously unseen scenes from the conflict of interests between local fishermen and hunting whales competing for the silver of the sea, the herring.

(Text: Stadtmuseum Schleswig)

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ON MASS HYSTERIA - Laia Abril | Photo Elysée | Lausanne
Juni
30
bis 1. Okt.

ON MASS HYSTERIA - Laia Abril | Photo Elysée | Lausanne


Photo Elysée | Lausanne
30. Juni - 1. Oktober 2023

ON MASS HYSTERIA
Laia Abril


Laia Abril, Delicate Hands, de la série De l'hystérie de masse, 2023 © Laia Abril courtoisie Galerie Les Filles du Calvaire


In Salem wurden unheilbringende Hexen angeklagt und hingerichtet, während in ganz Europa besessene Nonnen wie Katzen miauten und sich im Krampf verrenkten. In Internaten in der Schweiz und in Deutschland begannen Hände zu zittern, Lachkrämpfe schüttelten Studentinnen in Tansania durch. In Afghanistan fielen heranwachsende Mädchen in Ohnmacht und 600 Schülerinnen in einem mexikanischen Internat konnten plötzlich nicht mehr geradeaus laufen. In den Kleiderfabriken Kambodschas haben in den letzten zehn Jahren Tausende von Frauen das Bewusstsein verloren und in den USA wurden Cheerleader ohne jeden biologischen Grund von nervösen Ticks und Krämpfen erfasst.

Die Massenhysterie, auch "kollektive Hysterie" oder – ein heute weithin anerkannter Begriff – "psychogenes Massenleiden" genannt, kommt zustande, wenn eine Gruppe eng zusammenhaltender Frauen unerträglichen gesellschaftlichen Umständen ausgesetzt wird, denen sie nicht entkommen kann. In einer solchen Stresssituation beginnen sie alle, ohne jede organische Ursache, unkontrollierbare Bewegungssymptome, wie beispielsweise Zittern, Weinen, Krämpfe, nervöse Ticks oder sogar Ohnmachtsanfälle, zu entwickeln. Diese Symptome erinnern oft an tranceähnliche Zustände und halten mitunter monatelang an. Obwohl dieses Phänomen bereits unter verschiedenen kulturellen und wissenschaftlichen Aspekten untersucht worden ist, sind zwei Grundsatzfragen weiterhin ungeklärt: Wie verbreitet sich das Phänomen und warum entsteht es hauptsächlich unter jungen Frauen, speziell im Teenageralter?

Mit dem Begriff "Hysterie" bezeichnete man früher gern medizinisch als "schwierig" geltende Frauen. Der Medizinhistoriker Robert Woolsey hält Hysterie für eine Protosprache, die Symptome sind für ihn ein "Code, der verwendet wird, um eine Botschaft zu überbringen, die aus unterschiedlichen Gründen nicht in Worte gefasst werden kann."

Geht man der Vorstellung von Massenhysterie als einer Form unbewussten Protests nach, so entdeckt man, dass die Wellen oft junge Mädchen oder Frauen treffen, die in niedrigen gesellschaftlichen Positionen mit schwierigen Situationen konfrontiert werden – gnadenlose Internatsregeln, menschenverachtende Arbeitsbedingungen in einer Fabrik oder Isolation in religiösen Einrichtungen wie Klöstern. Josefina Ramírez, eine medizinische Anthropologin aus Mexiko, vertritt dazu eine interessante Ansicht: Massenhysterie könnte eine kollektive körperliche Antwort als Symbol für den Kampf junger Frauen sein, die sozialer Ungleichheit ausgesetzt sind.

On Mass Hysteria, das Auftaktkapitel zu A History of Misogyny, geht der Hypothese einer historischen Protosprache weiblichen Protests nach. Das Projekt zieht den vorherrschenden psychologischen Ansatz in Zweifel, demzufolge Frauen selbst an all jenen Krankheiten schuld sind, die die Medizin nicht erklären kann, und betont gesellschaftliche Faktoren wie soziale und politische Unterdrückung. Mit On Mass Hysteria will die Künstlerin das gemeinsame Leiden an generationenübergreifenden Traumata zeigen, die von Frau zu Frau weitergegeben und von der Gesellschaft meist ignoriert oder heruntergespielt werden.


Des sorcières maléfiques ont été accusées et exécutées à Salem, tandis que des nonnes possédées miaulaient et convulsaient à travers toute l’Europe. Des mains se sont mises à trembler dans des internats suisses et allemands, et des crises de fou-rire se sont propagées parmi des étudiantes tanzaniennes. En Afghanistan, des adolescentes se sont évanouies, tandis que 600 écolières d’un internat mexicain perdaient subitement leur capacité à marcher droit. Dans les usines de confection cambodgiennes, des milliers de femmes ont mystérieusement perdu connaissance ces dix dernières années, et des pom-pom girls américaines ont été prises de tics et de convulsions sans cause biologique.

L’hystérie de masse, appelée également "hystérie collective" ou "maladie psychogène de masse" — terme largement accepté à l’heure actuelle — se produit lorsqu’un groupe de femmes soudées sont soumises à des circonstances sociales insoutenables et inexorables. Confrontées à une situation de stress, toutes se mettent à éprouver des symptômes moteurs incontrôlables et sans cause organique tels que des tremblements, des sanglots, des spasmes, des tics, voire des évanouissements. Ces symptômes rappellent souvent des états semblables à une transe et persistent parfois plusieurs mois. Bien que ce phénomène ait été étudié sous divers angles culturels et académiques, deux questions fondamentales subsistent : comment se propage-t-il, et pourquoi se produit-il principalement chez des jeunes femmes, en particulier des adolescentes ?

Le terme "hystérie" était autrefois employé pour caractériser médicalement des femmes considérées comme "difficiles". Robert Woolsey, historien de la médecine, considère l’hystérie comme un protolangage dont les symptômes sont "un code utilisé pour communiquer un message qui, pour diverses raisons, ne peut être verbalisé".

Lorsqu’on approfondit l’idée d’hystérie de masse comme forme de protestation inconsciente, on découvre que ces vagues touchent souvent des jeunes filles et des femmes dans des positions sociales inférieures et confrontées à des situations difficiles — un règlement d’internat intransigeant, des conditions de travail inhumaines en usine, ou l’isolement dans des institutions religieuses comme les couvents. Josefina Ramírez, anthropologue physique mexicaine, propose un point de vue intéressant : l’hystérie de masse pourrait être une réponse physique collective symbolisant la lutte des jeunes femmes confrontées à des inégalités sociales.

De l'hystérie de masse [On Mass Hysteria], chapitre constituant la genèse d'Une histoire de la misogynie [A History of Misogyny], explore l’éventualité d’un ancien protolangage de protestation féminine. Le projet remet en question l’approche psychologique dominante, d’après laquelle ces femmes seraient coupables de ces maladies que la médecine ne sait pas expliquer, et met en avant l’impact de facteurs sociétaux tels que l’oppression sociale et politique. Avec De l'hystérie de masse, l’artiste s’attache à montrer la souffrance collective de traumatismes transgénérationnels transmis de femme en femme, souvent ignorée ou minimisée par la société.


Streghe malefiche sono state accusate e giustiziate a Salem mentre in tutta Europa suore possedute miagolavano ed erano scosse da convulsioni. Delle mani si sono messe a tremare in collegi svizzeri e tedeschi e delle crisi di ridarella si sono propagate tra studentesse tanzaniane. In Afghanistan, adolescenti sono svenute mentre 600 scolare di un collegio messicano perdevano all’improvviso la loro capacità a camminare dritto. Nelle fabbriche tessili in Cambogia, migliaia di donne hanno misteriosamente perso i sensi negli ultimi dieci anni, e pom-pom girls americane sono state prese da tic e convulsioni senza causa biologica.

L’isteria di massa, anche denominata " isteria collettiva " o " malattia psicogena di massa " — termine ampiamente diffuso oggi come oggi — si verifica quando un gruppo di donne unite vengono sottoposte a circostanze sociali insostenibili ed inesorabili. Confrontate ad una situazione di stress, tutte si mettono a provare sintomi motori incontrollabili e senza causa quali tremiti, pianti, spasimi, tic, e perfino svenimenti. Questi sintomi ricordano spesso stati simili ad una trance e persistono talvolta alcuni mesi. Benché questo fenomeno sia stato studiato da vari punti di vista culturali ed accademici, due questioni fondamentali sussistono : come esso si diffonde e perché si verifica soprattutto in donne giovani, ed in particolare, in adolescenti?

Il termine " isteria " era utilizzato una volta dai medici per parlare di donne ritenute " difficili ". Robert Woolsey, storico della medicina, considera l’isteria un protolinguaggio i cui sintomi sono " un codice utilizzato per comunicare un messaggio che, per vari motivi, non può essere verbalizzato ".

Quando si approfondisce l’idea di isteria di massa quale forma di protesta inconscia, si scopre che queste ondate colpiscono spesso ragazze e donne di classi sociali inferiori e confrontate a contesti difficili — un regolamento di collegio intransigente, condizioni di lavoro disumane in fabbrica, o l’isolamento in istituzioni religiose come i conventi. Josefina Ramírez, antropologa fisica messicana, propone un punto di vista interessante: l’isteria di massa potrebbe essere una risposta fisica collettiva che simboleggia la lotta delle giovani donne di fronte a disuguaglianze sociali.

On Mass Hysteria, il capitolo che costituisce la genesi di A History of Misogyny, esplora l’eventualità di un antico protolinguaggio di protesta femminile. Il progetto rimette in discussione l’approccio psicologico prevalente, secondo cui queste donne sarebbero colpevoli di queste malattie che la medicina non è in grado di spiegare, e mette avanti l’impatto di fattori sociali quali l’oppressione sociale e politica. Con On Mass Hysteria, l’artista si dedica a mostrare la sofferenza collettiva di traumi transgenerazionali trasmessi da una donna ad un’altra, spesso ignorata o minimizzata dalla società.


Evil witches were accused and executed in Salem, while possessed nuns meowed and had seizures across Europe. Hand-trembling epidemics spread among Swiss and German boarding schools, and laughing attacks widespread among Tanzanian girl’s students. Female adolescents in Afghanistan experienced fainting outbreaks, while over 600 boarding schoolgirls suddenly lost the ability to walk straight at a boarding school in Mexico. In Cambodian garment factories, thousands of women faint inexplicably during the last decade, and American cheerleaders tick compulsively and have seizures without a biological explanation.

Mass hysteria, or Mass psychogenic disorder – a term now more widely accepted – arises in tightly knit environments burdened by unbearable and inescapable social circumstances. When a stress trigger event unfolds, the group starts experiencing uncontrollable motor symptoms simultaneously, such as trembling, weeping, twitching, ticking, or even fainting. These involuntary symptoms, often resembling trance-like states, can persist for months and have non-organic origins. Although studied from diverse cultural and academic interpretations, two essential questions remain unresolved: How does it spread, and why does it predominantly affect young women, especially teenage girls?

Historically, the term hysteria has been employed to pathologize women perceived as "difficult." Medical historian Robert Woolsey suggests it could serve as a "protolanguage," with its symptoms functioning as "a code used to convey a message which, for various reasons, cannot be verbalized."

Exploring Mass Hysteria further as a form of unconscious protest, we discover that outbreaks often influence those in lower social positions confronted with challenging situations, such as life in strict boarding schools, laboring in factories with inhuman conditions, or dwelling in isolated religious institutions like convents. Dr. Josefina Ramírez, a Mexican physical anthropologist, offers an insightful perspective: Mass Hysteria might be a collective physical response that symbolizes the struggles these young women endure due to unequal social power dynamics.

The genesis chapter of A History of Misogyny, titled On Mass Hysteria, investigates the possibility of an ancient female protolanguage of protest. The project challenges the prevailing psychological approach that blames women for medically unexplained maladies. Instead, it emphasizes the impact of societal factors such as social and political oppression. On Mass Hysteria aims to visualize the collective pain of transgenerational trauma that is often ignored or diminished by society, passed down among women.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

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Fotografie neu ordnen: Blickinszenierungen - Linda Fregni Nagler | Museum für Kunst & Gewerbe | Hamburg
Juni
30
bis 7. Jan.

Fotografie neu ordnen: Blickinszenierungen - Linda Fregni Nagler | Museum für Kunst & Gewerbe | Hamburg

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Museum für Kunst & Gewerbe | Hamburg
30. Juni 2023 - 7. Januar 2024

Fotografie neu ordnen: Blickinszenierungen
Linda Fregni Nagler


Unbekannt, Kamin und Spiegel, um 1890, Kollodiumpapier, auf Karton kaschiert, 21,5 x 16 cm, Sammlung Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg


Das MK&G präsentiert mit „Linda Fregni Nagler. Fotografie neu ordnen: Blickinszenierungen“ die erste Einzelausstellung der italienischen Künstlerin Linda Fregni Nagler (* 1976, Stockholm, Schweden) in Deutschland. Auf assoziative Weise verbindet sie zwei Werkgruppen mit ausgewählten Fotografien aus der Sammlung des MK&G. Die Zusammenschau verhandelt den Themenkomplex von Anschauen und Angeschaut-Werden, von Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit – zentrale Aspekte des Mediums Fotografie.  In ihrer künstlerischen Praxis reaktiviert Linda Fregni Nagler seit vielen Jahren historische Fotografien, bearbeitet und übersetzt sie und nimmt dabei gleichzeitig die Perspektive einer Sammlerin und Kuratorin ein. So transferiert sie Themen wie die Repräsentation von Frauen und – im fotografischen Blick angelegte– ungleiche Machtstrukturen in die Gegenwart.  Die Ausstellung findet in der Reihe „Fotografie neu ordnen“ statt, die Künstler*innen und Wissenschaftler*innen einlädt, sich mit den historischen Beständen des MK&G auseinanderzusetzen. Linda Fregni Nagler ist die fünfte Künstlerin in dieser Reihe.


Le MK&G présente avec "Linda Fregni Nagler. Réorganiser la photographie : Mises en scène du regard", la première exposition individuelle de l'artiste italienne Linda Fregni Nagler (* 1976, Stockholm, Suède) en Allemagne. De manière associative, elle relie deux groupes d'œuvres à des photographies sélectionnées dans la collection du MK&G. L'ensemble traite de la thématique du regard et de l'être regardé, de la visibilité et de l'invisibilité - des aspects centraux du médium photographique.  Dans sa pratique artistique, Linda Fregni Nagler réactive depuis de nombreuses années des photographies historiques, les retravaille et les traduit, tout en adoptant la perspective d'une collectionneuse et d'une conservatrice. Elle transpose ainsi dans le présent des thèmes tels que la représentation des femmes et les structures de pouvoir inégalitaires - inscrites dans le regard photographique.  L'exposition s'inscrit dans le cadre de la série "Réorganiser la photographie", qui invite les artistes et les scientifiques à se pencher sur les collections historiques du MK&G. Linda Fregni Nagler est la cinquième artiste de cette série.


MK&G presenta "Linda Fregni Nagler. Rearranging Photography: Stagings of the Gaze", la prima mostra personale dell'artista italiana Linda Fregni Nagler (* 1976, Stoccolma, Svezia) in Germania. In modo associativo, l'artista combina due gruppi di opere con fotografie selezionate dalla collezione MK&G. La sinossi affronta il complesso dei temi del guardare e dell'essere guardati, della visibilità e dell'invisibilità - aspetti centrali del mezzo fotografico.  Nella sua pratica artistica, Linda Fregni Nagler ha riattivato per molti anni fotografie storiche, modificandole e traducendole e adottando allo stesso tempo la prospettiva di una collezionista e curatrice. In questo modo, trasferisce nel presente temi come la rappresentazione della donna e le strutture di potere diseguali, insite nello sguardo fotografico.  La mostra fa parte della serie "Reordering Photography", che invita artisti e studiosi a confrontarsi con il patrimonio storico del MK&G. Linda Fregni Nagler è la quinta artista di questa serie.


The MK&G presents "Linda Fregni Nagler. Rearranging Photography: Stagings of the Gaze", the first solo exhibition of the Italian artist Linda Fregni Nagler (* 1976, Stockholm, Sweden) in Germany. In an associative way, she combines two groups of works with selected photographs from the MK&G collection. The synopsis negotiates the thematic complex of looking at and being looked at, of visibility and invisibility - central aspects of the medium of photography.  In her artistic practice, Linda Fregni Nagler has been reactivating historical photographs for many years, editing and translating them, while at the same time adopting the perspective of a collector and curator. In this way, she transfers themes such as the representation of women and - inherent in the photographic gaze - unequal power structures into the present.  The exhibition is part of the series "Reordering Photography," which invites artists and scholars to engage with the MK&G's historical holdings. Linda Fregni Nagler is the fifth artist in this series.

(Text: Museum für Kunst & Gewerbe, Hamburg)

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Model Citizens - Debi Cornwall | Photo Elysée | Lausanne
Juni
30
bis 1. Okt.

Model Citizens - Debi Cornwall | Photo Elysée | Lausanne


Photo Elysée | Lausanne
30. Juni - 1. Oktoeber 2023

Model Citizens
Debi Cornwall


Debi Cornwall, Victime. Musée historique de Champ Roberts. Champ Roberts, California, 2018, de la série Citoyens modèles © Dbei Cornwall / Prix Elysée


Debi Cornwall (Vereinigte Staaten, 1973), Gewinnerin des Prix Elysée 2023, eines der renommiertesten Fotopreise der Welt, präsentiert Model Citizens [Musterbürger]. In dieser Serie, die noch in Arbeit ist, untersucht sie, wie Inszenierung, Performance und Rollenspiel die Idee der Staatsbürgerschaft in unseren westlichen Gesellschaften beeinflussen. Das fotografische Medium wird hier zu einem Instrument der politischen Analyse.

Debi Cornwall wurde unter den acht Nominierten des Prix Elysée 2023 ausgewählt, weil ihre "Arbeit einen starken Gegenwartsbezug hat", wie die Jury befand, "und einen wichtigen Beitrag zu einer vom Gesellschaftsphänomen der 'Fake News' bestimmten Zeit darstellt. Die Künstlerin setzt sich mit der fliessenden Grenze zwischen Wahrheit und Fiktion auseinander. Das politisch wie intellektuell engagierte Projekt unterstreicht, wie dringend und notwendig wir den Beweischarakter der Fotografie in Frage stellen müssen. Die Auswirkungen der 'Fake News' betreffen nicht nur die USA – die Künstlerin erzählt eine lokale Geschichte, in der es um globale Probleme geht. Wir sind davon überzeugt, dass Debi Cornwall mit dem Prix Elysée ein neues, breiteres Publikum erreichen wird und der Preis ihr in Europa zu grösserer Sichtbarkeit verhelfen wird."

Die konzeptuell-dokumentarisch arbeitende Künstlerin Debi Cornwall widmet sich ihrer kreativen Karriere seit 2014. Zuvor war sie zwölf Jahre lang als Anwältin für Zivilrecht tätig. Mit Blick für das Absurde und schwarzem Humor durchleuchtet sie unsichtbare Systeme, indem sie stille oder auch bewegte Bilder über Zeitzeugenberichte und Archivmaterial legt. Ihre vorherigen Publikationen Welcome to Camp America: Inside Guantánamo Bay und Necessary Fictions (Radius Book, 2017 und 2020) wurden mehrfach ausgezeichnet.

"Nach einer Karriere im Zivilrecht bin ich zur Fotografie zurückgekehrt, weil es mir darauf ankommt, verdeckte Wahrheiten ans Licht zu bringen. In meiner Arbeit versuche ich, die unfassbare Macht von Politik, Unternehmen und Gesellschaft zu begreifen. Die Fotografie kann als Beweis dienen, aber als Beweis wofür? Mein Projekt Model Citizens [Musterbürger] untersucht, wie in den USA – einem hochgerüsteten Land, dessen Bürger*innen sich nicht darauf einigen können, was wahr ist – die Wirklichkeit wie auch die Bürgerschaft als darstellerische Leistung in Szene gesetzt werden. Momentan verfolge ich einen noch breiter gefassten Ansatz und kreise mein Thema, also die Inszenierung und die Rollenspiele von Institutionen oder auch die darstellerische Leistung, die wir alle bewusst oder unbewusst abliefern, elliptisch ein."


Debi Cornwall (États-Unis, 1973), lauréate du Prix Elysée 2023, l’un des plus prestigieux prix de photographie à l’international, présente Citoyens modèles. Dans cette série encore en cours de réalisation, elle explore la manière dont la mise en scène, la performance et le jeu de rôle nourrissent l’idée de la citoyenneté dans nos sociétés occidentales. Le médium photographique devient ici un outil d’analyse politique.

Sélectionné parmi les huit projets nominés du Prix Elysée 2023, "le travail de Debi Cornwall s’inscrit dans l’actualité", souligne le jury, "et est une contribution importante qui arrive à point nommé compte tenu de l’effet des 'fake news' dans nos sociétés. À travers ses recherches, l’artiste interroge la frontière floue entre vérité et fiction. Le projet, qui est à la fois un engagement politique et intellectuel, souligne l’urgence et la nécessité de remettre en question la photographie en tant que preuve. L’impact des 'fake news' ne se limite pas aux États-Unis – l’artiste raconte une histoire locale qui parle de problèmes globaux. Nous sommes convaincus qu’avec le Prix Elysée, Debi Cornwall touchera un public nouveau et plus large, et que le prix contribuera à accroître sa visibilité en Europe."

Debi Cornwall est une artiste documentaire conceptuelle qui se consacre à sa carrière d'artiste depuis 2014 après avoir exercé pendant douze ans en tant qu'avocate de droit civil. Utilisant l'absurdité et l'humour noir, elle fouille les systèmes invisibles en superposant des images fixes et animées à des témoignages et du matériel d'archives. Ses livres précédents, Welcome to Camp America : Inside Guantánamo Bay et Necessary Fictions (Radius Book, 2017 et 2020) ont reçu plusieurs distinctions.

"Après une carrière dans le droit civil, je suis revenue à la photographie en cherchant à mettre en lumière les vérités cachées. Mon travail cherche à comprendre et à éclairer ces puissantes forces politiques, corporatives et sociales. La photographie peut être une preuve, mais une preuve de quoi ? Mon projet, Citoyens modèles, examine la mise en scène de la réalité et la performance de la citoyenneté aux États-Unis, un pays militarisé dont les citoyens ne peuvent s'accorder sur ce qui est vrai. Aujourd'hui, je ratisse plus large, en réalisant des photographies liées de manière plus elliptique à mon sujet, qu'il s'agisse de mises en scène et de jeux de rôles institutionnels ou de performances que nous jouons de concert, consciemment ou non."


Debi Cornwall (Stati Uniti, 1973), vincitrice del Prix Elysée 2023, uno dei più prestigiosi premi di fotografia al mondo, presenta Model Citizens [Cittadini esemplari]. In questa serie, ancora in corso, l'artista esplora come la messa in scena, la performance e il gioco di ruolo alimentino l'idea di cittadinanza nelle nostre società occidentali. Il mezzo fotografico si transforma dunque in uno strumento di analisi politica.

Selezionato tra gli otto artisti nominati di questa edizione, "il lavoro di Debi Cornwall si iscrive nell’attualità, sottolinea la commissione, ed è un contributo importante che arriva a proposito, tenuto conto dell’effetto delle "fake news" nelle nostre società. Attraverso le sue ricerche, l’artista  interroga la frontiera sfocata tra verità e finzione. Il progetto, che è insieme un impegno politico ed intellettuale, sottolinea l’urgenza e la necessità di rimettere in discussione la fotografia in quanto prova. L’impatto delle "fake news" non si limita agli Stati Uniti – l’artista racconta una storia locale che parla di problemi globali. Siamo convinti che con il Prix Elysée, Debi Cornwall toccherà un pubblico nuovo e più ampio, e che il premio contribuirà ad aumentare la sua visibilità in Europa."

Debi Cornwall è un'artista concettuale che si dedica alla propria carriera artistica dal 2014 dopo aver lavorato per dodici anni in quanto avvocato civilista. Mediante l’assurdità e l’umorismo nero, ispeziona sistemi invisibili col sovrapporre immagini fisse ed animate, a testimonianze e documenti di archivi. I suoi libri precedenti Welcome to Camp America : Inside Guantánamo Bay e Necessary Fictions (Radius Book, 2017 e 2020) sono stati premiati.

"Dopo una carriera nel diritto civile, sono tornata alla fotografia cercando di evidenziare le verità nascoste. Il mio lavoro mira a capire e a chiarire queste potenti forze politiche, corporative e sociali. La fotografia può essere una prova, ma una prova di che cosa ? Il mio progetto, Cittadini esemplari, esamina la messinscena della realtà e l’esercizio della cittadinanza negli Stati Uniti, un paese militarizzato i cui cittadini non possono concordare su ciò che è vero. Oggigiorno, aggrego più temi assieme e realizzo fotografie collegate in modo più allusivo alla mia tematica, che si tratti di messinscene e di giochi di ruolo istituzionali, o di performance che recitiamo insieme, consapevolmente o meno."


Debi Cornwall (United States, 1973), winner of the Prix Elysée 2023, one of the most prestigious photography prizes in the world, presents Model Citizens. In this series, which is still in progress, she explores how staging, performance and role-playing feed into the idea of citizenship in our Western societies. The photographic medium becomes here a tool for political analysis.

Selected among the eight nominated projects of the Prix Elysée 2023, "Debi Cornwall's work is in line with current events", underlines the jury, "and is an important contribution that is timely, given the effect of fake news in our societies. Throught her research, the artist questions the blurred line between truth and fiction. The project, which is both a political and intellectual commitment, points to the urgency and necessity of questioning photography as a proof. The impact of fake news is not limited to the United States – the artist is telling a local story that talks about global issues. We are convinced that with the Prix Elysée, Debi Cornwall will reach a new and wider audience and that the prize will help increase her visibility in Europe."

Debi Cornwall is an American conceptual documentary artist who has focused on her career as an artist since 2014 after practicing for twelve years as a civil rights attorney. Employing absurdity and dark humor, she excavates invisible systems by layering still and moving images with testimony and archival material. Her books Welcome to Camp America : Inside Guantánamo Bay and Necessary Fictions (Radius Book, 2017 and 2020) have received numerous awards.

"After a career in civil-rights law, I came back to photography looking to illuminate hidden truths. My work seeks to understand and illuminate these powerful political, corporate, and social forces. Photographs can be evidence, yes, but evidence of what? My project, Model Citizens, examines the staging of reality and the performance of citizenship in the United States, a militarized country whose citizens cannot agree on what is true. Now I'm casting a wider net, making photographs more elliptically related to my topic, from institutional staging and roleplay to the performances we play out communally, consciously or not."

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

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YOU WENT IN THE WATER - Jagoda Wisniewska | Le Signall | Lausanne
Juni
30
bis 27. Aug.

YOU WENT IN THE WATER - Jagoda Wisniewska | Le Signall | Lausanne


Le Signall | Lausanne
30. Juni - 27. August 2023

YOU WENT IN THE WATER
Jagoda Wisniewska


Jagoda Wisniewska, Sans titre, 2023 © Jagoda Wisniewska


Die Künstlerin Jagoda Wisniewska (1987) investiert in Le Signal L auf Vorschlag von Photo Elysée, in Zusammenarbeit mit dem Arsenic.

Die Künstlerin interessiert sich für die Wahrnehmung des weiblichen Körpers und für die Darstellung der sexuellen und reproduktiven Funktionen von Frauen (Geschlechtsverkehr, Menstruation, Geburt und Stillen). Der ausgestellte, sexuell aufgeladene Frauenkörper ist auch ein Körper, der versteckt wird, ein Körper, den Sartre als "eine Abfolge feuchter Löcher und schleimiger Substanzen" beschreibt. Diese sowohl für Lust als auch für Ekel stehende "Feuchtigkeit" ist anregend und bedrohlich zugleich.

In dieser Arbeit erforscht Jagoda Wisniewska die Beziehung zwischen Fotografie und Performance. Sie trifft auf die Arbeit der Choreographin und Tänzerin Tamara Alegre und schlägt ihr vor, die Präsenz der Kamera (und der Fotografin) als Komplizin für Experimente rund um die Darstellung des Körpers und seiner Flüssigkeiten zu nutzen.

Jagoda Wisniewska, geboren 1987 im polnischen Bydgoszcz studierte Jagoda Wisniewska Fotografie, zunächst an der Napier University in Edinburgh und dann an der ECAL. In ihrer Arbeit geht es um Konzepte der Performativität und des Porträts. Mit ihren Projekten befragt Jagoda Wisniewska die Frauen vor allem in im Familienkreis zugeschriebenen Rollen und lotet sie die ungebrochene Faszination für die Figur der Mutter und ihre Darstellung in der Fotografie aus.

Tamara Alegre arbeitet mit Tanz und Choreografie. Geboren auf Gran Canaria studierte Alegre europäisches Handelsmanagement und Psychologie und arbeitete bis 2016 als Kurator:in für Underground-Musik, DJ und Tour Manager. Nach einem einen Master in Choreografie am DOCH in Stockholm 2018 lancierte Alegre FIEBRE, das seit 2019 zusammen mit Lydia Ö Diakité, Marie Ursin, Nunu Flashdem und Célia Lutangu weiterentwickelt wird. Das Stück wurde an mehreren Orten in Europa aufgeführt und 2021 mit dem Young Choreographer’s Award prämiert. Alegres Arbeiten befassen sich mit sinnlichen Verkörperungen, Fiktionen über Sexualität und Geschlechtsorgane sowie körperliche Grenzzustände als choreografische Werkzeuge. Die Arbeiten sind körperbezogen und voller Widerstände, Intensität und der Freude am gemeinsamen Tanzen.


L’artiste Jagoda Wisniewska (1987) investit Le Signal L sur une proposition de Photo Elysée, en collaboration avec l’Arsenic .

L'artiste s’intéresse ici à la perception du corps féminin et aux représentations des fonctions sexuelles et reproductives féminines (rapports sexuels, menstruations, accouchement, allaitement). Le corps féminin, exposé, sexualisé, est aussi celui que l’on cache, que Sartre décrit comme "une série de trous humides et de substances visqueuses". À la fois désir et dégoût, cette "humidité" est vivifiante et menaçante.

Dans ce travail, Jagoda Wisniewska explore la relation entre photographie et performance. Elle rencontre le travail de la chorégraphe et danseuse Tamara Alegre et lui propose d’utiliser la présence de la caméra (et de la photographe) comme complice d’expérimentations autour de la représentation du corps et de ses fluides.

Jagoda Wisniewska, née à Bydgoszcz en Pologne en 1987, Jagoda Wisniewska a étudié la photographie à l’Université Napier d'Édimbourg puis à l’ECAL. Son travail tourne autour des concepts de performativité et du portrait. À travers ses projets, elle questionne les rôles attribués aux femmes, notamment dans la sphère familiale, et explore la fascination pérenne pour la figure maternelle et ses représentations en photographie.

Danseuse et chorégraphe, Tamara Alegre, originaire de la Grande Canarie, a initialement étudié le commerce européen et la psychologie avant de se diriger vers la musique et devenir programmatrice de musique underground dans des clubs et festivals. En 2018, elle obtient un MA en chorégraphie au DOCH, Stockholm et créée FIEBRE. Co-signée avec Lydia Ö Diakité, Marie Ursin, Nunu Flashdem et Célia Lutangu, l’œuvre a été présentée dans plusieurs lieux en Europe et a remporté le prix Young Choreographer’s Award en 2021. Ses recherches tournent autour des embodiements sensuelles, des fictions sur la sexualité et les organes sexuels et des états physiques liminaux comme outils chorégraphiques. Ses œuvres sont incarnées et chargées de résistance, d’intensité et du plaisir de danser ensemble.


Jagoda Wisniewska occupa lo spazio Signal L di Plateforme 10 su una proposta di Photo Elysée, dell’Arsenic e della Fondation Leenaards.

Jagoda Wisniewska si interessa alla percezione del corpo femminile e alle rappresentazioni delle funzioni sessuali e riproduttive della donna (relazioni sessuali, parto, allattamento). Il corpo femminile, esposto, erotizzato è anche quello che le donne nascondono, e che Sartre descrive come "una serie di fori umidi e di sostanze viscose". Sia oggetto di desiderio che di disgusto, questa "umidità" è vivificante e minacciosa".

In questo lavoro, Jagoda Wisniewska esplora il rapporto tra fotografia e performance. Si è imbattuta nel lavoro della coreografa e danzatrice Tamara Alegre e le ha suggerito di utilizzare la presenza della macchina fotografica (e del fotografo) come complice nella sperimentazione della rappresentazione del corpo e dei suoi fluidi.

Jagoda Wisniewska, nata a Bydgoszcz in Polonia nel 1987, Jagoda Wisniewska Jagoda ha studiato fotografia all’Università Napier di Edimburgo, poi all’ECAL. Il suo lavoro ruota attorno ai concetti della  performatività e del ritratto. Attraverso i suoi progetti, esplora il fascino perenne per la figura materna e le sue rappresentazioni nella fotografia.

Ballerina e coreografa, Tamara Alegre, nata a Gran Canaria, a inizialmente studiato il commercio europeo et la psicologia, prima di dedicarsi alla musica e diventare programmatrice di musica underground in club e festival. Nel 2018 ha conseguito un MA in coreografia presso il DOCH a Stoccolma e ha creato FIEBRE, co-firmata dal 2019 con Lydia Ö Diakité, Marie Ursin, Nunu Flashdem et Célia Lutangu. L'opera è stata presentata in vari luoghi in Europa ed ha conseguito il premio Young Choreographer’s Award nel 2021. Le sue ricerche ruotano attorno ad embodiments sensuali, finzioni sulla sessualità/sugli organi sessuali e spazi fisici liminali quali strumenti coreografici. Le sue opere sono vissute e cariche in resistenza, intensità e piacere di ballare insieme


The artist Jagoda Wisniewska (1987) takes over Le Signal L at the invitation of Photo Elysée in collaboration with Arsenic .

She is interested in the perception of the female body and representations of female sexual and reproductive functions (sexual intercourse, menstruation, birth and breast-feeding). The female body, exposed and sexualised, is also hidden, described by Jean-Paul Sartre as "a series of wet holes and slimy substances". Simultaneously provoking desire and disgust, this "wetness" is both invigorating and threatening.

In this work, Jagoda Wisniewska explores the relationship between photography and performance. She came across the work of choreographer and dancer Tamara Alegre, and suggested that she use the presence of the camera (and the photographer) as an accomplice in experimenting with the representation of the body and its fluids.

Jagoda Wisniewska, born in Bydgoszcz, Poland, in 1987, Jagoda Wisniewska studied photography at Napier University in Edinburgh, and then at the ECAL. Her work focuses on concepts of performativity and portraiture. Her projects examine the roles attributed to women, especially in the domestic realm, and explore the age-old fascination for the mother figure and its representations in photography.

Tamara Alegre works with dance and choreography. Born in Gran Canaria, they studied European Business and Psychology and worked as a curator of underground music, DJ and tour manager until 2016. In 2018, they were awarded an MA in Choreography from the DOCH, Stockholm, and created FIEBRE with Lydia Ö Diakité, Marie Ursin, Nunu Flashdem and Célia Lutangu. The work has been presented at several European venues and won the Young Choreographer’s Award in 2021. Their research revolves around sensual embodiments, fiction on sexuality and sexual organs, and liminal physical states as choreographic tools. Their work epitomises and is charged with resistance, intensity and the joy of dancing with others.

(Text: Photo Elysée, Lausanne)

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RENEGADES. San Francisco: Queer Life in the 1990s - Chloe Sherman | f3 - freiraum für fotografie | Berlin
Juni
29
7:00 PM19:00

RENEGADES. San Francisco: Queer Life in the 1990s - Chloe Sherman | f3 - freiraum für fotografie | Berlin


f3 - freiraum für fotografie | Berlin
29. Juni 2023

RENEGADES. San Francisco: Queer Life in the 1990s
Chloe Sherman


Die Mission, 1996 © Chloe Sherman


San Francisco in den 90er Jahren war eine entscheidende, wegweisende Zeit und ich hatte das Glück, ein Teil davon zu sein. Ich fand Schönheit, Anmut und Tapferkeit in der queeren Subkultur, die sich eine eigene Identität abseits der Mainstream-Gesellschaft schuf. Meine Fotografien dokumentieren den einzigartigen Puls der Stadt während dieser Zeit und halten fest, wie wir das Anderssein in der Sicherheit unserer Gemeinschaft feierten. (Chloe Sherman, 2023)

Auch die junge Fotografin Chloe Sherman genoss das Leben in der für ihre Offenheit berühmten Westküstenmetropole. Als Kunststudentin begann sie die lesbische und queere Szene San Franciscos zu fotografieren. Inspiriert von Del LaGrace Volcanos Fotografien der Londoner Lesbenszene, hielt Sherman ihre eigene Welt der Femmes, Butches, Punks und Studs fest und füllte einen ganzen Wandschrank mit 35-mm-Negativen. Mit dem differenzierten Blick einer Insiderin dokumentierte sie eine sich entwickelnde Gemeinschaft, die sich entschlossen gegen die vorherrschenden kulturellen Normen auflehnte und ihre ganz eigenen Regeln für den Umgang mit gängigen Geschlechterzuschreibungen und dem gesellschaftlichen Zusammenleben entwickelte.

Auch die junge Fotografin Chloe Sherman genoss das Leben in der für ihre Offenheit berühmten Westküstenmetropole. Als Kunststudentin begann sie die lesbische und queere Szene San Franciscos zu fotografieren. Inspiriert von Del LaGrace Volcanos Fotografien der Londoner Lesbenszene, hielt Sherman ihre eigene Welt der Femmes, Butches, Punks und Studs fest und füllte einen ganzen Wandschrank mit 35-mm-Negativen. Mit dem differenzierten Blick einer Insiderin dokumentierte sie eine sich entwickelnde Gemeinschaft, die sich entschlossen gegen die vorherrschenden kulturellen Normen auflehnte und ihre ganz eigenen Regeln für den Umgang mit gängigen Geschlechterzuschreibungen und dem gesellschaftlichen Zusammenleben entwickelte.

30 Jahre lagerten die Fotografien jener Zeit vergessen im Archiv der Fotografin. RENEGADES. San Francisco: Queer Life in the 1990s präsentiert die herausragenden und historisch bedeutenden Aufnahmen nun erstmalig einem Publikum außerhalb der USA. Chloe Shermans Ausstellung fängt den rebellischen Geist jener Zeit ein und porträtiert offen eine zukunftsweisende Ära.

Chloe Sherman (*1969, New York) kam 1991 nach San Francisco, um am San Francisco Art Institute Fine Art-Fotografie zu studieren. Ihre Arbeiten wurden international ausgestellt und in Zeitschriften wie Rolling Stone und Interview veröffentlicht.


San Francisco dans les années 90 a été une période décisive et pionnière, et j'ai eu la chance d'en faire partie. J'ai trouvé de la beauté, de la grâce et de la bravoure dans la sous-culture queer qui se créait sa propre identité à l'écart de la société mainstream. Mes photographies documentent le pouls unique de la ville pendant cette période et enregistrent la façon dont nous célébrions la différence dans la sécurité de notre communauté. (Chloe Sherman, 2023)

La jeune photographe Chloe Sherman a également apprécié la vie dans cette métropole de la côte ouest, célèbre pour son ouverture d'esprit. Alors qu'elle était étudiante en art, elle a commencé à photographier la scène lesbienne et queer de San Francisco. Inspirée par les photographies de Del LaGrace Volcano sur la scène lesbienne londonienne, Sherman a capturé son propre monde de femmes, de butches, de punks et de studs et a rempli un placard entier de négatifs 35 mm. Avec le regard nuancé d'une initiée, elle a documenté une communauté en plein développement qui s'est résolument rebellée contre les normes culturelles dominantes et a développé ses propres règles pour faire face aux attributions de genre courantes et à la cohabitation sociale.

La jeune photographe Chloe Sherman a elle aussi apprécié la vie dans cette métropole de la côte ouest, célèbre pour son ouverture d'esprit. En tant qu'étudiante en art, elle a commencé à photographier la scène lesbienne et queer de San Francisco. Inspirée par les photographies de Del LaGrace Volcano sur la scène lesbienne londonienne, Sherman a capturé son propre monde de femmes, de butches, de punks et de studs et a rempli un placard entier de négatifs 35 mm. Avec le regard nuancé d'une initiée, elle a documenté une communauté en plein développement qui s'est résolument opposée aux normes culturelles dominantes et a développé ses propres règles pour faire face aux attributions de genre courantes et à la cohabitation sociale.

Pendant 30 ans, les photographies de cette époque sont restées oubliées dans les archives de la photographe. RENEGADES. San Francisco : Queer Life in the 1990s présente pour la première fois ces clichés exceptionnels et historiquement importants à un public extérieur aux États-Unis. L'exposition de Chloe Sherman capture l'esprit rebelle de cette époque et dresse ouvertement le portrait d'une ère d'avenir.

Chloe Sherman (*1969, New York) est arrivée à San Francisco en 1991 pour étudier la photographie au San Francisco Art Institute Fine Art. Son travail a fait l'objet d'expositions internationales et a été publié dans des magazines tels que Rolling Stone et Interview.

La San Francisco degli anni '90 è stata un'epoca cruciale e innovativa e io ho avuto la fortuna di farne parte. Ho trovato bellezza, grazia e coraggio nella sottocultura queer che stava creando la propria identità lontano dalla società tradizionale. Le mie fotografie documentano l'impulso unico della città in quel periodo e catturano il modo in cui celebravamo l'alterità nella sicurezza della nostra comunità. (Chloe Sherman, 2023)


Anche la giovane fotografa Chloe Sherman ha apprezzato la vita nella metropoli della West Coast famosa per la sua apertura. Da studentessa d'arte, ha iniziato a fotografare la scena lesbica e queer di San Francisco. Ispirata dalle fotografie di Del LaGrace Volcano sulla scena lesbica londinese, la Sherman ha catturato il suo mondo di femmine, butches, punk e studs, riempiendo un intero armadio di negativi da 35 mm. Con l'occhio attento di un'interna, ha documentato una comunità in evoluzione che si è ribellata risolutamente alle norme culturali prevalenti e ha sviluppato le proprie regole per affrontare le comuni attribuzioni di genere e la coesistenza sociale.

Anche la giovane fotografa Chloe Sherman ha apprezzato la vita nella metropoli della West Coast famosa per la sua apertura. Da studentessa d'arte, ha iniziato a fotografare la scena lesbica e queer di San Francisco. Ispirata dalle fotografie di Del LaGrace Volcano sulla scena lesbica londinese, la Sherman ha catturato il proprio mondo di femmine, butches, punk e studs, riempiendo un intero armadio di negativi da 35 mm. Con l'occhio attento di un'interna, ha documentato una comunità in evoluzione che si ribellava risolutamente alle norme culturali prevalenti e sviluppava le proprie regole per affrontare le comuni attribuzioni di genere e la coesistenza sociale.

Per 30 anni, le fotografie di quell'epoca sono rimaste dimenticate nell'archivio della fotografa. RENEGADES. San Francisco: Queer Life in the 1990s presenta per la prima volta le eccezionali e storicamente significative fotografie a un pubblico al di fuori degli Stati Uniti. La mostra di Chloe Sherman cattura lo spirito ribelle dell'epoca e ritrae candidamente un'epoca che guarda al futuro.

Chloe Sherman (*1969, New York) è arrivata a San Francisco nel 1991 per studiare fotografia d'arte al San Francisco Art Institute. Il suo lavoro è stato esposto a livello internazionale e pubblicato in riviste come Rolling Stone e Interview.


San Francisco in the 1990s was a pivotal, groundbreaking time, and I was lucky enough to be a part of it. I found beauty, grace and bravery in the queer subculture that forged an identity alongside by mainstream society. My photographs document the unique pulse of the city during this time and capture how we celebrated otherness in the safety of our community. (Chloe Sherman, 2023)

In the 1990s, San Francisco was the stronghold of queer life in the Western-influenced world. Young queer people, artists and free spirits flocked to the city to experiment with art, style, gender and identity, to be free, and to live their lives independent of mainstream society. A style-defining subculture emerged: affordable rents paved the way for bars, clubs, tattoo stores, art galleries, cafes, bookstores, and women-owned businesses. A new wave of feminism allowed gender identities to be explored and butch/femme culture reached a peak.

Young photographer Chloe Sherman also enjoyed life in the West Coast metropolis famous for its openness. As an art student, she began photographing San Francisco's lesbian and queer scene. Inspired by Del LaGrace Volcano's photographs of the London lesbian scene, Sherman captured her own world of femmes, butches, punks and studs, filling an entire wall cabinet with 35mm negatives. With the nuanced eye of an insider, she documented an evolving community that resolutely rebelled against prevailing cultural norms and developed its own unique rules for dealing with common gender ascriptions and social coexistence.

For 30 years, the photographs of that period were stored forgotten in the photographer's archive. RENEGADES. San Francisco: Queer Life in the 1990s presents the outstanding and historically significant photographs to an audience outside the USA for the first time. Chloe Sherman's exhibition captures the rebellious spirit of the era and candidly portrays a forward-thinking era.

Chloe Sherman (b. 1969, New York) came to San Francisco in 1991 to study fine art photography at the San Francisco Art Institute. Her work has been exhibited internationally and published in magazines such as Rolling Stone and Interview.

(f3 - freiraum für fotografie, Berlin)

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Instants de recueillement - Jean-Louis Marçot | L'ANGLE | Hendaye
Juni
29
bis 30. Juli

Instants de recueillement - Jean-Louis Marçot | L'ANGLE | Hendaye


L'ANGLE | Hendaye
29. Juni - 30. Juli 2023

Instants de recueillement
Jean-Louis Marçot


Instants de recueillement-Bakarectchea, tourelle#2 | © Jean-Louis Marçot


Im Rahmen der Gedenkfeiern zum 100. Todestag von Pierre Loti in Hendaye präsentiert L'ANGLE Instants de recueillement, eine Fotoausstellung auf den baskischen Spuren des Schriftstellers, Reisenden und Fotografen von Jean-Louis Marçot, der selbst Fotograf und Autor ist und sie wie folgt vorstellt:

"In einem seltenen Augenblick wird der Schriftsteller, der sich von der Terrasse seines Hauses am Bidassoa aus vor der Landschaft sammelt, von einer Art Offenbarung ergriffen. Zum ersten Mal hat er das Gefühl, sich in einem besonderen Land mit einer "Seele" - ihm fehlen die Worte - zu befinden, einem "je ne sais quoi à part", wie er sagt.

Ausgestattet mit einer einfachen Schachtel mit einem Loch, einem Verschluss, der auf eine 60stel Sekunde eingestellt war, und einem Film versuchte ich, meine Schritte und Augen in die von Loti zu setzen, um ohne Gewalt oder Eile die Poesie dieses "je ne sais quoi à part" einzufangen.

An dem Tag, an dem wir von Fluten schneller, greller und retuschierter Bilder verschlungen werden, die das Sichtbare durcheinanderwirbeln und die Zukunft verschleiern, auf die wir tapfer zugehen, sollten wir uns die Zeit nehmen, ohne weit von zu Hause wegzugehen, um zur Schönheit - der Welt, der Dinge, der Wesen, der Situationen - zurückzukehren und uns vor diesem Schauspiel zu sammeln."


Dans le cadre des commémorations du centenaire de la mort de Pierre Loti à Hendaye, L'ANGLE présente Instants de recueillement, une exposition de photographies sur les traces basques de l’écrivain-voyageur-photographe, par Jean-Louis Marçot, photographe et auteur lui-même, et qui la dévoile ainsi :

« Instants de recueillement, c’est, mis au pluriel, le titre que Loti donne à une note de son Journal du 21 novembre 1892 - En un instant rare, l’écrivain, recueilli devant le paysage qui s’offre à lui depuis la terrasse de sa maison sur la Bidassoa, est saisi d’une sorte de révélation. Il a, pour la première fois, le sentiment d’être dans un pays particulier doté d’une « âme » - les mots lui manquent - un « je ne sais quoi à part », dit-il.

Muni d’une simple boite avec un trou, un obturateur réglé sur le 60e de seconde et une pellicule, mettant mes pas et mes yeux dans ceux de Loti, je me suis essayé à capter, sans violence ni précipitation, la poésie de ce « je ne sais quoi à part ».

Au jour où nous sommes engloutis par des flots d’images rapides, tapageuses et retouchées, qui font tourbillonner le visible et masquent l’avenir vers lequel nous marchons vaille que vaille, prenons le temps, sans aller bien loin de chez soi, de revenir à la beauté – du monde, des choses, des êtres, des situations –, et de nous recueillir devant ce spectacle. »


Nell'ambito della commemorazione del centenario della morte di Pierre Loti a Hendaye, L'ANGLE presenta Instants de recueillement, una mostra di fotografie sulle orme basche dello scrittore-viaggiatore-fotografo, a cura di Jean-Louis Marçot, fotografo e autore stesso:

Instants de recueillement" è il titolo plurale dato da Loti a una nota del suo Diario del 21 novembre 1892. In un raro momento, lo scrittore, guardando il paesaggio dalla terrazza della sua casa sul Bidasoa, fu colto da una specie di rivelazione. Per la prima volta ebbe la sensazione di trovarsi in un Paese speciale con un'"anima" - le parole gli mancano - un "je ne sais quoi à part", dice.

Armato di una semplice scatola con un buco, di un otturatore regolato al 60° di secondo e di un rullino, e mettendo i miei passi e i miei occhi in quelli di Loti, ho cercato di catturare, senza violenza né fretta, la poesia di questo "je ne sais quoi à part".

In un momento in cui siamo inghiottiti da una marea di immagini veloci, appariscenti, ritoccate, che fanno vorticare il visibile e mascherano il futuro verso cui tendiamo, prendiamoci il tempo, senza andare lontano da casa, di tornare alla bellezza - del mondo, delle cose, degli esseri, delle situazioni - e di riflettere su questo spettacolo".


As part of the commemoration of the centenary of Pierre Loti's death in Hendaye, L'ANGLE is presenting Instants de recueillement, an exhibition of photographs in the footsteps of the writer, by Jean-Louis Marçot, the author himself:

"Instants de recueillement" is the plural title given by Loti to a note in his Diary dated 21 November 1892. In a rare moment, the writer was seized by a kind of revelation as he gazed out over the landscape from the terrace of his house on the Bidasoa. For the first time, he had the feeling that he was in a special country with a "soul" - words fail him - a "je ne sais quoi à part", he says.

Armed with a simple box with a hole in it, a shutter set to 60th of a second and a roll of film, and putting my steps and my eyes in those of Loti, I tried to capture, without violence or haste, the poetry of this "je ne sais quoi à part".

At a time when we are being swallowed up by fast-moving, flashy, retouched images that make the visible swirl and mask the future towards which we are striving, let's take the time, without going far from home, to return to the beauty - of the world, of things, of beings, of situations - and to reflect on this spectacle".


En el marco de la conmemoración del centenario de la muerte de Pierre Loti en Hendaya, L'ANGLE presenta Instants de recueillement, una exposición de fotografías sobre las huellas del escritor, realizada por Jean-Louis Marçot, el propio autor:

"Instants de recueillement" es el título plural dado por Loti a una nota de su Diario fechada el 21 de noviembre de 1892. En un momento excepcional, el escritor fue presa de una especie de revelación mientras contemplaba el paisaje desde la terraza de su casa en el Bidasoa. Por primera vez, tuvo la sensación de encontrarse en un país especial, con un "alma" -le faltan las palabras-, un "je ne sais quoi à part", dice.

Armado con una simple caja agujereada, un obturador a 60 segundos y un rollo de película, y poniendo mis pasos y mis ojos en los de Loti, intenté captar, sin violencia ni prisas, la poesía de este "je ne sais quoi à part".

En un momento en el que nos vemos engullidos por imágenes rápidas, llamativas, retocadas, que hacen girar lo visible y enmascaran el futuro hacia el que luchamos, tomémonos el tiempo, sin alejarnos de casa, de volver a la belleza -del mundo, de las cosas, de los seres, de las situaciones- y de reflexionar sobre este espectáculo".

(Text: Jean-Louis Marçot)

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Session 7 | L'Appartement | Vevey
Juni
28
bis 5. Nov.

Session 7 | L'Appartement | Vevey

  • L’Appartement – Espace Images Vevey (Karte)
  • Google Kalender ICS

L'Appartement | Vevey
28. Juni - 5. November 2023

Session 7
Laia Abril, Augustin Lignier, Stefanie Moshammer, Jeff Wall


Stefanie Moshammer, Nowadays, 2022, archival inkjet print. Courtesy of the artist.


On Menstruation Myths - Laia Abril
Mit On Menstruation Myths prangert Laia Abril die Schwierigkeiten an, mit denen Menstruierende in Gesellschaften konfrontiert sind, die diesen biologischen Mechanismus verachten. In Text und Bild erforscht sie die Mythen und Überzeugungen verschiedener Kulturen und vermischt dabei verwirrende Statistiken über den Alltag von Mädchen und Frauen während ihrer Zyklen. Indem sie sowohl Recherchen als auch visuelle Metaphern präsentiert, vermittelt die Installation ein besseres Verständnis für die tragischen Auswirkungen der Unkenntnis und des Schweigens, die den Menstruationskalender umgeben.

Container - Augustin Lignier
Augustin Lignier ist der zweite Preisträger des Prix Images Vevey × ECAL. Für seine Masterarbeit schloss er sich fast zwei Monate lang täglich im Inneren eines makellosen Würfels ein, der in seinem Zimmer gebaut wurde. Indem er wiederholt und zwanghaft auf den Auslöser drückt, testet er die Grenzen seines Körpers, um seine Beziehung zum fotografischen Gerät zu prüfen. Aus diesem performativen und konzeptuellen Ansatz resultiert Container, ein Projekt, das die entfremdende Beziehung zwischen dem Fotografen und seiner Kamera hinterfragt.

Each poison, a pillow - Stefanie Moshammer
Each Poison, A Pillow kombiniert Dokumentation und intime Erinnerungen und spricht ohne Umschweife ein Tabuthema an: den Alkoholismus von Frauen. Ausgehend von ihrer Kindheit und im Dialog mit ihrer Mutter entwirft Stefanie Moshammer eine Installation, die die Besonderheiten dieser Sucht mithilfe verschiedener Medien wie Fotografie, Video, Textilien, wissenschaftlichen Studien, Werbung und Screenshots thematisiert. Dieses umfangreiche Projekt ist auch Gegenstand eines Buches, das von Éditions Images Vevey herausgegeben wird.

A sudden gust of wind (after Hokusai) - Jeff Wall.
In Zusammenarbeit mit dem unabhängigen Verleger TBW Books setzt der bekannte kanadische bildende Künstler Jeff Wall seine großformatige Fotografie A Sudden Gust of Wind (after Hokusai) in ein Buchobjekt um. Sobald die 98 losen Blätter, die in diesem Buch versammelt sind, an einer Wand hängen, werden sie durch die Luftströme in der Umgebung in leichte Bewegungen versetzt und verweisen auf die Originalfotografie: vier Personen und eine Schultasche mit Papieren, die vom Wind weggetragen werden - eine Inszenierung, die von einem Druck des japanischen Künstlers Hokusai inspiriert wurde.


On Mmenstruation Myths - Laia Abril
Avec On Menstruation Myths, Laia Abril dénonce les difficultés auxquelles font face les personnes qui ont leurs règles dans des sociétés qui méprisent ce mécanisme biologique. Par le texte et l’image, elle explore les mythes et croyances de diverses cultures, mélangeant des statistiques déconcertantes sur le quotidien de filles et de femmes durant leurs cycles. Présentant à la fois des recherches et des métaphores visuelles, l’installation permet de mieux comprendre les répercussions tragiques de la méconnaissance et du silence qui entourent le calendrier menstruel.

Container - Augustin Lignier
Augustin Lignier est le deuxième lauréat du Prix Images Vevey × ECAL. Pour son travail de Master, pendant près de deux mois, il s’enferme quotidiennement à l’intérieur d’un cube immaculé construit dans sa chambre. En appuyant de façon répétitive et obsessionnelle sur le déclencheur, il teste les limites de son corps pour éprouver sa relation au dispositif photographique. De cette approche performative et conceptuelle résulte Container, un projet questionnant la relation aliénante qui lie le photographe et son appareil.

Each poison, a pillow - Stefanie Moshammer
Combinant documentation et souvenirs intimes, Each Poison, A Pillow aborde sans détour un sujet tabou : l’alcoolisme au féminin. En partant de son enfance et en dialoguant avec sa mère, Stefanie Moshammer conçoit une installation évoquant les particularités de cette dépendance par le biais de divers médias,tels que la photographie, la vidéo, le textile, des études scientifiques, de la publicité ou encore des captures d’écran. Ce projet d’envergure fait également l’objet d’un livre publié par les Éditions Images Vevey.

A sudden gust of wind (after Hokusai) - Jeff Wall
En collaboration avec l’éditeur indépendant TBW Books, le célèbre plasticien canadien Jeff Wall transpose sa photographie grand format A Sudden Gust of Wind (after Hokusai) en livre-objet. Une fois accrochées à un mur, les 98 feuilles volantes rassemblées dans cet ouvrage s’animent de légers mouvements induits par les flux d’air ambiants, faisant référence à la photographie originale : quatre personnages et un cartable de papiers emportés par le vent, une mise en scène inspirée d’une estampe de l’artiste japonais Hokusai.


I miti delle mestruazioni - Laia Abril
In Miti sulle mestruazioni, Laia Abril denuncia le difficoltà incontrate dalle donne mestruate nelle società che disprezzano questo meccanismo biologico. Attraverso testi e immagini, l'autrice esplora i miti e le credenze di varie culture, combinando statistiche sconcertanti sulla vita quotidiana delle ragazze e delle donne durante il ciclo. Presentando sia ricerche che metafore visive, l'installazione permette di comprendere meglio le tragiche ripercussioni della mancanza di conoscenza e del silenzio che circondano il calendario mestruale.

Contenitore - Augustin Lignier
Augustin Lignier è il secondo vincitore del Prix Images Vevey × ECAL. Per la sua tesi di Master, ha trascorso quasi due mesi al giorno all'interno di un cubo immacolato costruito nella sua camera da letto. Premendo ripetutamente e ossessivamente il pulsante di scatto, ha messo alla prova i limiti del suo corpo per sperimentare il suo rapporto con il dispositivo fotografico. Il risultato di questo approccio performativo e concettuale è Container, un progetto che mette in discussione il rapporto alienante tra fotografo e macchina fotografica.

Ogni veleno, un cuscino - Stefanie Moshammer
Combinando documentazione e ricordi intimi, Each Poison, A Pillow affronta in modo diretto un argomento tabù: l'alcolismo nelle donne. Attingendo alle sue esperienze d'infanzia e a un dialogo con la madre, Stefanie Moshammer ha progettato un'installazione che evoca le particolarità di questa dipendenza attraverso una varietà di media, tra cui fotografia, video, tessuti, studi scientifici, pubblicità e catture di schermo. Questo progetto su larga scala è anche il soggetto di un libro pubblicato da Éditions Images Vevey.

Un'improvvisa folata di vento (dopo Hokusai) - Jeff Wall
In collaborazione con l'editore indipendente TBW Books, il celebre artista canadese Jeff Wall trasforma la sua fotografia di grande formato A Sudden Gust of Wind (after Hokusai) in un oggetto-libro. Una volta appesi a una parete, i 98 fogli sciolti di questo libro prendono vita con lievi movimenti indotti dalle correnti d'aria dell'ambiente, facendo riferimento alla fotografia originale: quattro personaggi e una borsa di fogli trasportati dal vento, una messa in scena ispirata a una stampa dell'artista giapponese Hokusai.

On Menstruation Myths - Laia Abril
With On Menstruation Myths, Laia Abril denounces the difficulties faced by menstruating women in societies that despise this biological mechanism. Through text and image, she explores the myths and beliefs of various cultures, mixing disconcerting statistics on the daily lives of girls and women during their cycles. Presenting both research and visual metaphors, the installation helps us better understand the tragic repercussions of the lack of knowledge and silence surrounding the menstrual calendar.

Container - Augustin Lignier
Augustin Lignier is the second winner of the Prix Images Vevey × ECAL. For his Master's thesis, he locked himself inside an immaculate cube in his bedroom for almost two months. Repeatedly and obsessively pressing the shutter release, he tests the limits of his body to test his relationship to the photographic device. The result of this performative and conceptual approach is Container, a project that questions the alienating relationship between photographer and camera.

Each poison, a pillow - Stefanie Moshammer
Combining documentation and intimate memories, Each Poison, A Pillow takes a straightforward approach to a taboo subject: female alcoholism. Drawing on her childhood experiences and a dialogue with her mother, Stefanie Moshammer has created an installation evoking the particularities of this addiction through a variety of media, including photography, video, textiles, scientific studies, advertising and screenshots. This large-scale project is also the subject of a book published by Éditions Images Vevey.

A sudden gust of wind (after Hokusai) - Jeff Wall
In collaboration with independent publisher TBW Books, renowned Canadian artist Jeff Wall transposes his large-format photograph A Sudden Gust of Wind (after Hokusai) into a book-object. Once hung on a wall, the 98 loose leaves gathered in this book come to life with slight movements induced by ambient airflows, making reference to the original photograph: four characters and a satchel of papers carried away by the wind, a staging inspired by a print by the Japanese artist Hokusai.

(F Text: L'Appartement, Vevey)

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Albarrán Cabrera. Lo Indestructible | Fundación Foto Colectania | Barcelona
Juni
28
bis 7. Jan.

Albarrán Cabrera. Lo Indestructible | Fundación Foto Colectania | Barcelona

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Fundación Foto Colectania | Barcelona
28. Juni 2023 - 7. Januar 2024

Lo Indestructible
Albarrán Cabrera


The Mouth of Krishna #271, 2015 | © Albarran Cabrera


Foto Colectania präsentiert "Lo Indestructible", die erste monografische Ausstellung von Albarrán Cabrera in einem Kunstzentrum.

Das Künstlerduo hat ein Universum von erlesener Schönheit rund um Zeit, Identität und Erinnerung geschaffen.

Ihr Werk zeichnet sich durch die Vielfalt der von ihnen verwendeten fotografischen Techniken aus, die ihren Bildern eine ganz besondere Ästhetik und handwerkliche Qualität verleihen.

Die Ausstellung, die fast 90 Fotografien aus seinen emblematischsten Serien versammelt, wurde bei Foto Colectania dank der maßgeblichen Mitarbeit der Stiftung Banco Sabadell organisiert.

Ángel Albarrán und Anna Cabrera arbeiten seit 1996 als Fotografen zusammen. Beeinflusst von westlichen und östlichen Denkern, Filmemachern, Schriftstellern und Künstlern, nutzen sie das Medium der Fotografie, um vorgefasste Meinungen über Zeit, Ort und Identität zu hinterfragen. Auf diese Weise gelingt es ihnen, einen neuen Begriff von Wahrnehmung als Schlüsselelement für das Verständnis nicht nur der Kunst, sondern der Lebenserfahrung selbst zu gewinnen.

"Die Fotografie hilft uns, die Realität zu verstehen, die Bilder sind wie visuelle Notizen in einem Notizbuch", erklärt Albarrán Cabrera. Sein poetisches Universum lädt uns auf eine traumhafte Reise ein. Die Anfänge des Fluges, eingefangen zwischen den Aushöhlungen des Dickichts, das Gleiten über die glatte Wasseroberfläche, perlschwarze oder schneeweiße Federn, funkelnde, samtige Blütenblätter... Seine Bilder zwischen Realität und Illusion untersuchen unsere Beziehung zu einer greifbaren Welt. Zeit, Erinnerung und eine fast physische Präsenz der Schönheit ziehen sich durch die Arbeiten dieser Fotografen.

Um dies zu erreichen, verwendet Albarrán Cabrera verschiedene fotografische Verfahren: Platin-/Palladiumdruck, Silbergelatine, Cyanotypie, Pigmentdruck usw., was ihren Bildern eine besondere Textur verleiht und ihr Angebot einzigartig macht: "Wir verstehen die Fotografie als ein Objekt und das fotografische Medium als ein Werkzeug, das uns erlaubt, von einem Konzept zu einem Bild und schließlich zu diesem spezifischen Objekt zu gelangen. Wir sind nicht daran interessiert, dass das Bild die Realität wiedergibt, sondern wir versuchen, ein Objekt zu schaffen, das genügend Informationen und Interesse bietet, um Teil der Erzählungen des Betrachters zu werden. Dabei ist jeder Prozess mit seinen spezifischen Merkmalen in der Lage, eine Realität mit eigenem Stil zu schaffen.

Die Arbeiten von Albarrán Cabrera befinden sich in öffentlichen und privaten Sammlungen, und seine redaktionellen Veröffentlichungen finden national und international große Beachtung.

Die Ausstellung zeigt eine Auswahl von mehr als 90 Bildern aus seinen wichtigsten Serien, die er in fast zwei Jahrzehnten fotografischer Arbeit geschaffen hat: The Mouth of Krishna, The Indestructible, This is you here, Kairos und Nyx.

Die Kernserie und diejenige mit der größten Anzahl von Werken in der Ausstellung ist The Mouth of Krishna, inspiriert von der Legende des Gottes Krishna als Kind: Während andere Kinder Früchte von einem Baum pflückten, pflückte Krishna die Früchte vom Boden und aß sie. Seine Mutter schimpfte mit ihm und verlangte, dass er seinen Mund öffnete, und darin sah sie die überwältigende Weite des Universums. Diese Geschichte ist die Metapher, die als Ausgangspunkt für The Mouth of Krishna dient, eine Serie mit offenem Ende, die das Ergebnis einer Untersuchung der Vielfältigkeit, Struktur und Wahrhaftigkeit der von uns wahrgenommenen Realität ist.

Die übrigen Serien der Autoren sind aus dieser Serie hervorgegangen, als Ableger eines bestimmten Themas, das im Laufe der Zeit seine eigene Bedeutung erlangt hat.

Darüber hinaus werden in der Ausstellung Elemente gezeigt, die Teil des komplexen Herstellungsprozesses der Fotografien sind, für den Albarrán Cabrera mehrere Tage braucht. Und eine Auswahl seiner Fotobücher, von denen einige bereits vergriffen sind.

Es handelt sich um die erste monografische Ausstellung der Autoren in unserem Land in einem Kunstzentrum, die eine Auswahl von Fotografien aus den Sammlungen der Künstler, der Galería Elvira González und der Fundación Foto Colectania selbst zusammenführt.


Foto Colectania présente "Lo Indestructible", la première exposition monographique d'Albarrán Cabrera dans un centre d'art.

Le duo d'artistes a créé un univers d'une exquise beauté autour du temps, de l'identité et de la mémoire.

Leur travail se caractérise par la diversité des techniques photographiques qu'ils utilisent et qui confèrent à leurs images une esthétique très particulière et une charge artisanale.

L'exposition, qui rassemble près de 90 photographies de ses séries les plus emblématiques, a été organisée à Foto Colectania grâce à la collaboration principale de la Fondation Banco Sabadell.

Ángel Albarrán et Anna Cabrera collaborent en tant que photographes depuis 1996. Influencés par des penseurs, des cinéastes, des écrivains et des artistes occidentaux et orientaux, ils utilisent le médium photographique pour remettre en question les idées préconçues sur le temps, le lieu et l'identité. Son travail parvient ainsi à atteindre une nouvelle notion de la perception en tant qu'élément clé de la compréhension non seulement de l'art, mais aussi de l'expérience de la vie elle-même.

"La photographie nous aide à comprendre la réalité, les images sont comme des notes visuelles dans un carnet", déclare Albarrán Cabrera. Son univers poétique nous invite à un voyage onirique. Des prémices de vol saisies entre les creux des fourrés, des glissements sur la surface lisse de l'eau, des plumes d'un noir nacré ou d'un blanc neigeux, des pétales veloutés et étincelants... Ses images, entre réalité et illusion, interrogent notre rapport à un monde tangible. Le temps, la mémoire et la présence presque physique de la beauté traversent le travail de ces photographes.

Pour y parvenir, Albarrán Cabrera utilise de multiples procédés photographiques : impression au platine/palladium, gélatine argentique, cyanotype, impression pigmentée, etc., ce qui donne à leurs images une texture particulière et rend leur proposition très unique : "Nous comprenons la photographie comme un objet, et le médium photographique comme un outil qui nous permet de passer d'un concept à une image et enfin à cet objet spécifique. Nous ne cherchons pas à ce que l'image reproduise la réalité, mais nous essayons de créer un objet qui possède suffisamment d'informations et d'intérêt pour s'intégrer dans les récits des spectateurs. C'est là que chaque processus, avec ses caractéristiques spécifiques, est capable de créer une réalité avec son propre style.

Le travail d'Albarrán Cabrera est présent dans des collections publiques et privées, et ses publications éditoriales sont bien accueillies au niveau national et international.

L'exposition présente une sélection de plus de 90 images issues de ses séries les plus importantes, qu'il a produites au cours de près de deux décennies de travail photographique : The Mouth of Krishna, The Indestructible, This is you here, Kairos et Nyx.

La série principale et celle qui compte le plus grand nombre d'œuvres dans l'exposition est The Mouth of Krishna, inspirée par la légende du dieu Krishna enfant : alors que les autres enfants cueillaient des fruits sur un arbre, Krishna ramassait les fruits sur le sol et les mangeait. Sa mère l'a grondé et lui a demandé d'ouvrir la bouche. À l'intérieur, elle a vu l'immensité écrasante de l'univers. Cette histoire est la métaphore qui sert de point de départ à La bouche de Krishna, une série ouverte, fruit d'une recherche sur la multiplicité, la structure et la vraisemblance de la réalité que nous percevons.

Les autres séries des auteurs ont été générées à partir de celle-ci, comme des ramifications d'un thème spécifique qui, au fil du temps, a acquis sa propre importance.

En outre, l'exposition présentera des éléments qui font partie du processus complexe de production des photographies, qui peut prendre plusieurs jours à Albarrán Cabrera. Et une sélection de ses livres de photos, dont certains sont déjà épuisés.

Il s'agit de la première exposition monographique des auteurs dans un centre d'art de notre pays. Elle réunira une sélection de photographies provenant des collections des artistes, de la Galería Elvira González et de la Fundación Foto Colectania elle-même.


Foto Colectania presenta "Lo Indestructible", la prima mostra monografica di Albarrán Cabrera in un centro d'arte.

Il duo artistico ha creato un universo di squisita bellezza intorno al tempo, all'identità e alla memoria.

Il loro lavoro è caratterizzato dalla diversità delle tecniche fotografiche utilizzate, che conferiscono alle loro immagini una carica estetica e artigianale molto particolare.

La mostra, che riunisce quasi 90 fotografie delle sue serie più emblematiche, è stata organizzata da Foto Colectania grazie alla collaborazione principale della Fondazione Banco Sabadell.

Ángel Albarrán e Anna Cabrera collaborano come fotografi dal 1996. Influenzati da pensatori, registi, scrittori e artisti, sia occidentali che orientali, utilizzano il mezzo fotografico per mettere in discussione idee preconcette su tempo, luogo e identità. Il suo lavoro riesce così a raggiungere una nuova nozione di percezione come elemento chiave per comprendere non solo l'arte, ma la stessa esperienza di vita.

"La fotografia ci aiuta a capire la realtà, le immagini sono come appunti visivi su un quaderno", dichiara Albarrán Cabrera. Il suo universo poetico ci invita a un viaggio onirico. Inizi di volo catturati tra le cavità della boscaglia, planate sulla superficie liscia dell'acqua, piume di un nero perlaceo o di un bianco candido, petali scintillanti e vellutati... Le sue immagini, tra realtà e illusione, indagano il nostro rapporto con un mondo tangibile. Il tempo, la memoria e la presenza quasi fisica della bellezza attraversano il lavoro di questi fotografi.

Per ottenere questo risultato, Albarrán Cabrera utilizza molteplici procedimenti fotografici: stampa al platino/palladio, gelatina d'argento, cianotipia, stampa pigmentata, ecc. che conferiscono alle loro immagini una consistenza speciale e rendono la loro proposta davvero unica: "Intendiamo la fotografia come un oggetto, e il mezzo fotografico come uno strumento che ci permette di passare da un concetto a un'immagine e infine a quell'oggetto specifico. Non ci interessa che l'immagine riproduca la realtà, ma cerchiamo di creare un oggetto che abbia abbastanza informazioni e interesse da diventare parte della narrazione dello spettatore. È qui che ogni processo, con le sue caratteristiche specifiche, è in grado di creare una realtà con un proprio stile.

Il lavoro di Albarrán Cabrera è presente in collezioni pubbliche e private e le sue pubblicazioni editoriali sono ben accolte a livello nazionale e internazionale.

La mostra presenta una selezione di oltre 90 immagini tratte dalle sue serie più importanti, realizzate nel corso di quasi due decenni di lavoro fotografico: The Mouth of Krishna, The Indestructible, This is you here, Kairos e Nyx.

La serie principale e quella con il maggior numero di opere in mostra è La bocca di Krishna, ispirata alla leggenda del dio Krishna bambino: mentre gli altri bambini coglievano la frutta da un albero, Krishna raccoglieva la frutta da terra e la mangiava. Sua madre lo rimproverò e gli chiese di aprire la bocca e lì dentro vide la sconvolgente vastità dell'universo. Questa storia è la metafora che funge da punto di partenza per La bocca di Krishna, una serie aperta, frutto di una ricerca sulla molteplicità, la struttura e la verosimiglianza della realtà che percepiamo.

Le altre serie degli autori sono state generate da questa come propaggini di un tema specifico che nel tempo ha acquisito un proprio rilievo.

Inoltre, la mostra esporrà elementi che fanno parte del complesso processo di produzione delle fotografie, che può richiedere ad Albarrán Cabrera diversi giorni per essere completato. E una selezione dei suoi libri fotografici, alcuni dei quali già esauriti.

Si tratta della prima mostra monografica nel nostro Paese degli autori in un centro d'arte e riunirà una selezione di fotografie provenienti dalle collezioni degli artisti, dalla Galería Elvira González e dalla stessa Fundación Foto Colectania.


Foto Colectania presents 'Lo Indestructible', the first monographic exhibition of Albarran Cabrera in an art center

The artistic duo has created a universe of exquisite beauty around time, identity and memory

His work is characterized by the diversity of photographic techniques that use and that give his images a very special aesthetic and artisan load

The exhibition, which gathers about 90 photographs of its most emblematic series, has been organized in Foto Colectania thanks to the main collaboration of the Banco Sabadell Foundation

Angel Albarrán and Anna Cabrera have been working collaboratively as photographers since 1996. Influenced by both Western and Eastern thinkers and artists, they use the photographic medium to question preconceived ideas about time, place and identity. In this way their work achieves a new notion of perception as a key element in understanding not only art but life experience itself.

"Photography helps us understand reality, the images are like visual annotations in a notebook," Albarrán Cabrera said. His poetic universe invites us to a dreamlike journey. Beginnings of flight caught between the hollows of the thicket, glides on the smooth surface of the waters, feathers of pearly black or of a white níveo, sparkling of velvety petals... His images, between reality and illusion, investigate our relationship with a tangible world. Time, memory and an almost physical presence of beauty run through the work of these photographers.

To achieve this, Albarrán Cabrera employs multiple photographic procedures: platinum/palladium printing, silver gelatin, cyanotype, pigmented printing, etc., which gives its images a special texture and makes its proposal very unique: "We understand photography as an object, and the photographic medium as a tool that allows us to reach from a concept to an image and at the end to that specific object. We do not want the image to reproduce reality, but we try to create an object that has enough information and interest to become part of the narratives of the looking. That is where each process with its specific characteristics is able to create a reality with its own style".

The work of Albarrán Cabrera is present in collections, both public and private, and its editorial publications are widely received nationally and internationally.

The exhibition shows a selection of more than 90 images from their most relevant series, which they have produced during almost two decades of photographic work: The Mouth of Krishna, The Indestructible, This is you here, Kairos and Nyx.

The main series and the one with the largest number of works in the show is The Mouth of Krishna, inspired by the legend of the god Krishna when he was a child: while other children plucked fruits from a tree, Krishna picked up the fruit from the ground and gave it to him. I used to eat. His mother scolded him and demanded that he open his mouth and inside there, she saw the overwhelming immensity of the universe. This story is the metaphor that serves as the starting point for The Mouth of Krishna, an open series, the result of research into the multiplicity, structure, and plausibility of the reality we perceive.

The rest of the series by the authors have been generated from this one as ramifications of a specific theme that over time has acquired a leading role of its own.

In addition, in the exhibition you will be able to see elements that are part of the complex process of producing the photographs, in which Albarrán Cabrera can spend several days. And a selection of his photobooks, some of which are already out of print.

This is the first monographic exhibition in our country of the authors in an art center and will bring together a selection of photographs from collections from the artists, the Elvira González Gallery and the Foto Colectania Foundation itself.


Foto Colectania presenta ‘Lo Indestructible’, la primera exposición monográfica de Albarrán Cabrera en un centro de arte

El dúo artístico ha creado un universo de belleza exquisita en torno al tiempo, la identidad y la memoria

Su obra se caracteriza por la diversidad de técnicas fotográficas que utilizan y que dan a sus imágenes una carga estética y artesanal muy especial

La muestra, que reúne cerca de 90 fotografías de sus series más emblemáticas, se ha organizado en Foto Colectania gracias a la colaboración principal de la Fundación Banco Sabadell

Ángel Albarrán y Anna Cabrera han trabajado de manera colaborativa como fotógrafos desde 1996. Influidos por pensadores, cineastas, escritores y artistas, tanto occidentales como orientales, utilizan el medio fotográfico para cuestionar las ideas preconcebidas sobre el tiempo, el lugar o la identidad. Su trabajo logra así, alcanzar una nueva noción de la percepción como elemento clave a la hora de entender no sólo el arte, sino la propia experiencia vital.

“La fotografía nos ayuda a comprender la realidad, las imágenes son como anotaciones visuales en un cuaderno”, declaran Albarrán Cabrera. Su universo poético nos invita a un viaje onírico. Inicios de vuelo captados entre los huecos de la espesura, deslizamientos sobre la superficie tersa de las aguas, plumas de color negro nacarado o de un blanco níveo, centelleo de pétalos aterciopelados… Sus imágenes, entre la realidad y la ilusión, indagan en nuestra relación con un mundo tangible. El tiempo, la memoria y una presencia casi física de la belleza recorren toda la obra de estos fotógrafos.

Para lograrlo, Albarrán Cabrera emplean múltiples procedimientos fotográficos: impresión en platino/paladio, gelatina de plata, cianotipo, impresión pigmentada, etc., lo que confiere a sus imágenes una textura especial y hace su propuesta muy singular: “Entendemos la fotografía como un objeto, y el medio fotográfico, como una herramienta que nos permite llegar desde un concepto a una imagen y al final a ese objeto concreto. No nos interesa que la imagen reproduzca la realidad, sino que intentamos crear un objeto que tenga información e interés suficientes para que entre a formar parte de las narrativas del que mira. Ahí es donde cada proceso con sus características concretas es capaz de crear una realidad con un estilo propio”.

La obra de Albarrán Cabrera está presente en colecciones, tanto públicas como privadas, y sus publicaciones editoriales tienen una gran acogida a nivel nacional e internacional.

La exposición muestra una selección de más de 90 imágenes de sus series más relevantes, que han realizado durante casi dos décadas de labor fotográfica: The Mouth of Krishna, The Indestructible, This is you here, Kairos y Nyx.

La serie troncal y de la que habrá mayor número de obra en la muestra es The Mouth of Krishna, inspirada en la leyenda del dios Krishna cuando era niño: mientras otros niños arrancaban frutas de un árbol, Krishna recogía la fruta del suelo y se la comía. Su madre lo regañó y le exigió que abriera la boca y allí dentro, ella vio la abrumadora inmensidad del universo. Esta historia es la metáfora que sirve de punto de partida a The Mouth of Krishna, una serie abierta, resultado de la investigación de la multiplicidad, estructura y verosimilitud de la realidad que percibimos.

El resto de series de los autores se han generado a partir de ésta como ramificaciones de un tema específico que a lo largo del tiempo ha adquirido un protagonismo propio.

Además, en la exposición se podrán ver elementos que forman parte del complejo proceso de producción de las fotografías, en el que Albarrán Cabrera pueden llegar a emplear varios días. Y una selección de sus fotolibros, algunos de los cuales están ya agotados.

Esta es la primera muestra monográfica en nuestro país de los autores en un centro de arte y reunirá una selección de fotografías de fondos procedentes de los artistas, de la Galería Elvira González y de la propia Fundación Foto Colectania.


Ángel Albarrán i Anna Cabrera han treballat de manera col·laborativa com a fotògrafs des de l’any 1996. Influïts per pensadors, cineastes, escriptors i artistes, tant occidentals com orientals, utilitzen el mitjà fotogràfic per qüestionar les idees preconcebudes sobre el temps, el lloc o la identitat. D’aquesta manera, el seu treball aconsegueix assolir una nova noció de la percepció com a element clau per entendre no només l'art, sinó la pròpia experiència vital.

“La fotografia ens ajuda a comprendre la realitat, les imatges són com notes visuals en un quadern”, subratllen Albarrán Cabrera. El seu univers poètic ens convida a fer un viatge oníric: emprendre el vol entre els buits de l'espessor, lliscar sobre la superfície plana de les aigües, plomatge de color negre nacrat o d'un blanc immaculat, centelleig de pètals vellutats… Les seves imatges, entre la realitat i la il·lusió, exploren la nostra relació amb un món tangible. El temps, la memòria i la presència gairebé física de la bellesa recorren tota l'obra d'aquests fotògrafs.

Per aconseguir-ho, Albarrán Cabrera utilitzen una gran varietat de procediments fotogràfics: impressió en platí/pal·ladi, gelatina de plata, cianotípia, impressió pigmentada, etc. Tot plegat confereix a les seves imatges una textura especial i fa que la seva proposta sigui molt singular: “Entenem la fotografia com un objecte, i el mitjà fotogràfic, com una eina que ens permet passar d’un concepte a una imatge i, finalment, a un objecte concret. No ens interessa que la imatge reprodueixi la realitat, sinó intentar crear un artefacte que tingui prou informació i interès perquè entri a formar part de la narrativa de qui se’l mira. És aquí on cada procés, amb les seves característiques concretes, és capaç de crear una realitat amb estil propi”.

L'obra d'Albarrán Cabrera és present en col·leccions públiques i privades, i les seves publicacions editorials gaudeixen d’una gran acollida, tant a nivell nacional com internacional.

L'exposició mostra una selecció de més de 90 imatges de les sèries de major rellevància que han realitzat durant gairebé dues dècades de treball fotogràfic: Mouth of Krishna, Indestructible, This is you here, Kairos i Nyx.

La sèrie troncal, i que serà la més representada a la mostra, és The Mouth of Krishna, inspirada en la llegenda del déu Krishna d’infant: quan els altres nens arrencaven les fruites d'un arbre, el Déu Krishna les recollia del terra i se les menjava. En veure-ho, la seva mare va renyar-lo i li va exigir que obrís la boca. Dins seu, ella hi va veure l’aclaparadora immensitat de l’univers.

Aquesta història és la metàfora que serveix de punt de partida a The Mouth of Krishna, una sèrie oberta, que és el resultat de la investigació de la multiplicitat, de la estructura i de la versemblança de la realitat que percebem. La resta de sèries d’Albarran Cabrera s'han generat a partir d'aquesta com a ramificacions d'un tema específic que ha adquirit un protagonisme propi al llarg del temps.

A més, a l'exposició es podran veure alguns elements que ajudaran a entendre la complexitat del procés de producció de les fotografies (per enllestir-les, Albarrán Cabrera hi poden dedicar dies), i una selecció dels seus fotollibres, alguns dels quals ja estan exhaurits.

Aquesta és la primera mostra monogràfica dels autors que es realitza en un centre d’art al nostre país, i reunirà una selecció de fotografies de fons procedents dels mateixos artistes, de la Galeria Elvira González i de la Fundació Foto Colectania.

(Text: Fundación Foto Colectania, Barcelona)

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Eine fotografische Zeitreise - Pia Zanetti | Galleria Edizioni Periferia | Luzern
Juni
27
7:00 PM19:00

Eine fotografische Zeitreise - Pia Zanetti | Galleria Edizioni Periferia | Luzern


Galleria Edizioni Periferia | Luzern
27. Juni 2023

Sylvia Egli von Matt im Gespräch mit Pia Zanetti

Eine fotografische Zeitreise
Pia Zanetti



Seit den 1960er-Jahren erzählt Pia Zanetti mit ihren Aufnahmen Geschichten, die mit Empathie und Engagement Leben und Wirken von Menschen dieser Welt festhalten. Die Galleria Edizioni Periferia zeigt aktuell einen Querschnitt aus ihrem Schaffen und plant eine umfangreiche Publikation, die im Herbst 2023 erscheinen soll. Einblicke in ein bewegtes Leben dieser Fotografin.


Depuis les années 1960, Pia Zanetti raconte des histoires avec ses photos, qui immortalisent avec empathie et engagement la vie et les activités des habitants de ce monde. La Galleria Edizioni Periferia présente actuellement un aperçu de son œuvre et prévoit une publication complète qui devrait paraître à l'automne 2023. Un aperçu de la vie mouvementée de cette photographe.


Dagli anni Sessanta Pia Zanetti racconta storie con le sue fotografie, che con empatia e impegno catturano la vita e il lavoro di persone in tutto il mondo. La Galleria Edizioni Periferia espone attualmente uno spaccato del suo lavoro e ha in programma una pubblicazione completa che uscirà nell'autunno del 2023. Approfondimenti sulla vita movimentata di questa fotografa.


Since the 1960s, Pia Zanetti has been telling stories with her photographs, capturing the lives and actions of people around the world with empathy and commitment. Galleria Edizioni Periferia is currently showing a cross-section of her work and is planning a comprehensive publication to be released in the fall of 2023. Insights into an eventful life of this photographer.

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»BRAVO«-Starschnitte. Eine Sammlung von Legenden | Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen | Rüsselheim
Juni
25
bis 1. Okt.

»BRAVO«-Starschnitte. Eine Sammlung von Legenden | Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen | Rüsselheim

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Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen | Rüsselheim
25. Juni - 1. Oktober 2023

»BRAVO«-Starschnitte. Eine Sammlung von Legenden


Brigitte Bardot, BRAVO 13-23/1959


Die Ausstellung in den Opelvillen öffnet den Blick in die popkulturelle Stargeschichte der 1960er- bis 2000er-Jahre. Anhand von Sammelobjekten und ausgewählten »BRAVO«-Starschnitten werden Rockstar-Legenden und längst vergessene Sternchen aus Film, Fernsehen und Musik wieder wach. Erinnert wird, wie eine Zeitschrift, die über 25 Jahre eine Auflage von mehr als einer Millionen Exemplaren hatte, Jugendkultur in westdeutschen Zimmern abbildete. Beatles, ABBA, Udo Lindenberg oder James Dean – alle klebten lebensgroß an Wänden von Heranwachsenden.

Für die kuratorische Unterstützung bedanken wir uns bei der Leihgeberin, der Sparkassenstiftung Lüneburg, die im Frühjahr 2017 erstmals in einer Ausstellung unter dem Titel »Der Bravo-Starschnitt« über 100 Starschnitte in der Kunsthalle Lüneburg in der KulturBäckerei zeigte.


L'exposition dans les Opelvillen ouvre les yeux sur l'histoire des stars de la culture pop des années 1960 à 2000. Des objets de collection et une sélection de coupures de stars de "BRAVO" font revivre des légendes de rock stars et des starlettes du cinéma, de la télévision et de la musique oubliées depuis longtemps. On se souvient de la manière dont un magazine, tiré à plus d'un million d'exemplaires pendant 25 ans, représentait la culture des jeunes dans les chambres d'Allemagne de l'Ouest. Beatles, ABBA, Udo Lindenberg ou James Dean - tous étaient collés grandeur nature sur les murs des adolescents.


Nous remercions le prêteur, la Sparkassenstiftung Lüneburg, pour son soutien en tant que conservateur. Au printemps 2017, elle a présenté pour la première fois plus de 100 coupures de stars dans une exposition intitulée "Der Bravo-Starschnitt" à la Kunsthalle Lüneburg dans la KulturBäckerei.

La mostra allestita nell'Opelvillen apre lo sguardo sulla storia delle star della cultura pop dagli anni '60 al 2000. Con l'aiuto di oggetti da collezione e di ritagli selezionati di "BRAVO", vengono riportate in vita le leggende delle rockstar e le star del cinema, della televisione e della musica ormai dimenticate. La mostra ricorda come una rivista che ha avuto una tiratura di oltre un milione di copie in 25 anni ha rappresentato la cultura giovanile nelle camere da letto della Germania Ovest. Beatles, ABBA, Udo Lindenberg o James Dean: tutti erano attaccati a grandezza naturale sulle pareti degli adolescenti.

Ringraziamo il finanziatore, la Sparkassenstiftung Lüneburg, per il suo sostegno curatoriale. Nella primavera del 2017, la Sparkassenstiftung Lüneburg ha esposto per la prima volta oltre 100 ritagli di stelle in una mostra intitolata "Der Bravo-Starschnitt" (Il taglio delle stelle Bravo) alla Kunsthalle Lüneburg nella KulturBäckerei.


The exhibition in the Opelvillen opens the view into the pop cultural star history of the 1960s to 2000s. Collectibles and selected "BRAVO" star clippings bring rock star legends and long-forgotten starlets from film, television and music back to life. The exhibition recalls how a magazine that had a circulation of more than one million copies over 25 years depicted youth culture in West German bedrooms. Beatles, ABBA, Udo Lindenberg or James Dean - all of them were stuck life-size on the walls of adolescents.

We would like to thank the lender, the Sparkassenstiftung Lüneburg, for its curatorial support. In spring 2017, the Sparkassenstiftung Lüneburg showed more than 100 star cut-outs for the first time in an exhibition entitled "Der Bravo-Starschnitt" at the Kunsthalle Lüneburg in the KulturBäckerei.

(Text: Kunst- und Kulturstiftung Opelvillen, Rüsselheim)

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Eine fotografische Zeitreise - Pia Zanetti | Galleria Edizioni Periferia | Luzern
Juni
24
5:00 PM17:00

Eine fotografische Zeitreise - Pia Zanetti | Galleria Edizioni Periferia | Luzern


Galleria Edizioni Periferia | Luzern
24. Juni 2023

Konzert: Schärli & Zytynska “duoplus” mit Gast Jacques Widmer

Eine fotografische Zeitreise
Pia Zanetti



Seit den 1960er-Jahren erzählt Pia Zanetti mit ihren Aufnahmen Geschichten, die mit Empathie und Engagement Leben und Wirken von Menschen dieser Welt festhalten. Die Galleria Edizioni Periferia zeigt aktuell einen Querschnitt aus ihrem Schaffen und plant eine umfangreiche Publikation, die im Herbst 2023 erscheinen soll. Einblicke in ein bewegtes Leben dieser Fotografin.


Depuis les années 1960, Pia Zanetti raconte des histoires avec ses photos, qui immortalisent avec empathie et engagement la vie et les activités des habitants de ce monde. La Galleria Edizioni Periferia présente actuellement un aperçu de son œuvre et prévoit une publication complète qui devrait paraître à l'automne 2023. Un aperçu de la vie mouvementée de cette photographe.


Dagli anni Sessanta Pia Zanetti racconta storie con le sue fotografie, che con empatia e impegno catturano la vita e il lavoro di persone in tutto il mondo. La Galleria Edizioni Periferia espone attualmente uno spaccato del suo lavoro e ha in programma una pubblicazione completa che uscirà nell'autunno del 2023. Approfondimenti sulla vita movimentata di questa fotografa.


Since the 1960s, Pia Zanetti has been telling stories with her photographs, capturing the lives and actions of people around the world with empathy and commitment. Galleria Edizioni Periferia is currently showing a cross-section of her work and is planning a comprehensive publication to be released in the fall of 2023. Insights into an eventful life of this photographer.

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Mythologies - Gilles Leimdorfer | La Chambre | Strasbourg
Juni
24
bis 3. Sept.

Mythologies - Gilles Leimdorfer | La Chambre | Strasbourg


La Chambre | Strasbourg
24. Juni - 3. September 2023

Mythologies
Gilles Leimdorfer



Gilles Leimdorfer, der aus der Reportagefotografie kommt, entwickelt seit mehr als 20 Jahren eine persönliche Arbeit über Frankreich. Er liebt es, die Regionen mit einem neugierigen, wohlwollenden, gelegentlich auch schrägen und humorvollen Blick zu durchstreifen. Nachdem er Säulen der französischen Identität wie die Nationale 7, die Tour de France, das Akkordeon, ... erforscht hat, ist seine neue Serie Mythologies ein Vorwand, das "ewige Frankreich" zu bereisen, indem er sich an Gemeinplätzen orientiert, um sie besser zu durchkreuzen. Um die Etappen seiner Reise durch das Land zu bezeichnen, schöpft er aus seiner Kultur und seiner Vorstellungswelt, indem er sich Referenzen aus der Geschichte, dem Kino, dem Fernsehen, den Comics, der Literatur oder dem Chanson ausleiht. Diese in der Kindheit erlernten Klischees bilden eine bestimmte Vorstellung von Frankreich, die von vielen Mitbürgerinnen und Mitbürgern geteilt wird, aber auch je nach Generation variiert. So stellt er vom Camembert bis zur Jeanne d'Arc, vom Citroën DS bis zu Proust die Legende und die Realität einander gegenüber. Seine Reise auf der Suche nach dem, was Frankreich besonders macht, führt zu mehr Fragen als Antworten und verdeutlicht die subjektive Konstruktion der "französischen Identität", die auf einer Vielzahl von kulturellen Elementen beruht, deren Auswahl und Zusammenstellung von Person zu Person unterschiedlich ist. Ohne Nostalgie oder Bedauern zeigt er Frankreich so, wie er es sieht, mit einer Zuneigung zu seinen Bewohnern und ihrer Umgebung, die sich in der Sublimierung des Banalen äußert. Der Mythos führt zur Realität, die sich ihrerseits in eine andere Erzählung verwandelt.

Gilles Leimdorfer lebt und arbeitet in Paris. Im Alter von 13 Jahren entdeckte er seine Leidenschaft für die Fotografie. Nach seinem Jurastudium arbeitet er bei der französischen Nachrichtenagentur AFP. Seine Fotos wurden in Time Magazine, Grands Reportages, Capital, Geo usw. veröffentlicht. Als Mitglied von Agenturen wie Rapho setzte er seine Arbeit über Frankreich und seine Mythen fort, für die er 2006 von Raymond Depardon eingeladen wurde, bei den Rencontres d'Arles auszustellen. Parallel dazu realisiert er Aufträge für die Unternehmenskommunikation, das Verlagswesen und die Presse.


Issu de la photographie de reportage, Gilles Leimdorfer développe depuis plus de 20 ans un travail personnel sur la France. Il aime en parcourir les régions avec un œil curieux, bienveillant, à l’occasion décalé et humoristique. Après avoir exploré des piliers de l’identité française comme la Nationale 7, le Tour de France, l’accordéon, … sa nouvelle série Mythologies est un prétexte à sillonner la « France éternelle » en s’aiguillant sur les lieux communs pour mieux les déjouer. Pour désigner les étapes de son parcours dans le pays, il puise dans sa culture et son imaginaire, empruntant des références à l’Histoire, au cinéma, à la télévision, la BD, la littérature ou la chanson. Ces clichés appris dès l’enfance constituent une certaine représentation de la France, partagée par de nombreux concitoyen·nes mais aussi variable selon les générations. Ainsi, du camembert à Jeanne d’Arc, de la Citroën DS à Proust, il met en regard la légende et la réalité. Son voyage à la recherche de ce qui fait la particularité de la France aboutit à plus de questions que de réponses et met en évidence la construction subjective de « l’identité française », qui repose sur une multitude d’éléments culturels dont le choix et l’assemblage diffèrent d’une personne à l’autre. Sans nostalgie ni regret, il montre la France telle qu’il la voit, avec une affection pour ses habitant·es et leur environnement qui se traduit par la sublimation du banal. Le mythe mène au réel, qui se transmue à son tour en un autre récit.

Gilles Leimdorfer vit et travaille à Paris. Il se découvre une passion pour la photo à l’âge de 13 ans. Après des études de droit, il entre à l’AFP. Ses photos sont publiées dans Time Magazine, Grands Reportages, Capital, Geo… Alors membre d’agences comme Rapho, il continue son travail entrepris sur la France et ses mythes, pour lequel il est invité à exposer aux Rencontres d’Arles en 2006 par Raymond Depardon. En parallèle, il réalise des commandes à destination de la communication d’entreprise, de l’édition et de la presse.


Proveniente dalla fotografia di reportage, Gilles Leimdorfer sviluppa da oltre 20 anni un lavoro personale sulla Francia. Gli piace viaggiare attraverso le regioni con un occhio curioso, benevolo e talvolta umoristico. Dopo aver esplorato i pilastri dell'identità francese come la Nationale 7, il Tour de France, la fisarmonica, ... la sua nuova serie Mythologies è un pretesto per viaggiare attraverso la "Francia eterna" concentrandosi sui luoghi comuni per meglio contrastarli. Per designare le tappe del suo viaggio attraverso il Paese, attinge alla sua cultura e alla sua immaginazione, prendendo in prestito riferimenti dalla storia, dal cinema, dalla televisione, dai fumetti, dalla letteratura e dalla canzone. Questi luoghi comuni, appresi fin dall'infanzia, costituiscono una certa rappresentazione della Francia, condivisa da molti cittadini ma che varia anche a seconda delle generazioni. Così, dal Camembert a Giovanna d'Arco, dalla Citroën DS a Proust, mette a confronto leggenda e realtà. Il suo viaggio alla ricerca di ciò che rende speciale la Francia porta a più domande che risposte e mette in evidenza la costruzione soggettiva dell'"identità francese", che si basa su una moltitudine di elementi culturali la cui scelta e il cui assemblaggio differiscono da una persona all'altra. Senza nostalgia o rimpianto, mostra la Francia come la vede lui, con un affetto per i suoi abitanti e il loro ambiente che si traduce nella sublimazione del banale. Il mito conduce alla realtà, che a sua volta si trasmette in un'altra narrazione.

Gilles Leimdorfer vive e lavora a Parigi. Ha scoperto la sua passione per la fotografia all'età di 13 anni. Dopo aver studiato legge, si è unito all'AFP. Le sue foto sono state pubblicate su Time Magazine, Grands Reportages, Capital, Geo... Come membro di agenzie come Rapho, ha continuato il suo lavoro sulla Francia e i suoi miti, per il quale è stato invitato a esporre ai Rencontres d'Arles nel 2006 da Raymond Depardon. Contemporaneamente, ha svolto incarichi per la comunicazione aziendale, l'editoria e la stampa.


Coming from reportage photography, Gilles Leimdorfer has been developing for more than 20 years a personal work on France. He likes to travel through the regions with a curious, benevolent, and sometimes humorous eye. After having explored the pillars of French identity such as the Nationale 7, the Tour de France, the accordion, ... his new series Mythologies is a pretext to criss-cross the "eternal France" by pointing out the commonplaces to better thwart them. To designate the stages of his journey in the country, he draws from his culture and his imagination, borrowing references to history, cinema, television, comics, literature or song. These clichés learned from childhood constitute a certain representation of France, shared by many of our fellow citizens but also varying according to generations. Thus, from Camembert to Joan of Arc, from the Citroën DS to Proust, he compares legend and reality. His journey in search of what makes France special leads to more questions than answers and highlights the subjective construction of the "French identity", which is based on a multitude of cultural elements whose choice and assembly differ from one person to another. Without nostalgia or regret, he shows France as he sees it, with an affection for its inhabitants and their environment that translates into the sublimation of the banal. Myth leads to reality, which in turn transmutes into another narrative.

Gilles Leimdorfer lives and works in Paris. He discovered his passion for photography at the age of 13. After studying law, he joined the AFP. His photos are published in Time Magazine, Grands Reportages, Capital, Geo... Then member of agencies like Rapho, he continues his work on France and its myths, for which he is invited to exhibit at the Rencontres d'Arles in 2006 by Raymond Depardon. At the same time, he carries out commissions for corporate communication, publishing and the press.

(Text: La Chambre, Strasbourg)

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Résonances. La collection de l’Imagerie | L’Imagerie centre d’art | Lannion
Juni
24
bis 28. Okt.

Résonances. La collection de l’Imagerie | L’Imagerie centre d’art | Lannion

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L’Imagerie centre d’art | Lannion
24. Juni - 28. Oktober 2023

Résonances. La collection de l’Imagerie


Toni Catany, Sans titre, 1985


1983 wurden im Anschluss an die Estivales photographiques du Trégor zwei Fotoabzüge von Philippe Salaün gekauft. Vierzig Jahre nach diesem ersten Kauf umfasst die Sammlung von L'Imagerie nun mehr als 800 Abzüge. Sie ist das Ergebnis des Willens derjenigen, die L'Imagerie betreiben, die Arbeit von Künstlern zu unterstützen, aber auch eine Spur des Aufenthalts dieser Fotografen in Lannion zu bewahren. Die Sammlung von L'Imagerie, die sowohl durch Schenkungen als auch durch Käufe direkt bei den Künstlern oder über Galerien zusammengestellt wurde, umfasst heute zahlreiche bedeutende Fotografen des 20. und frühen 21. Jahrhunderts, von denen einige in den nationalen öffentlichen Sammlungen nicht vertreten sind. Trotz ihrer Bedeutung - sowohl in Bezug auf den Umfang als auch auf die Qualität - wurde sie jedoch nur selten der Öffentlichkeit gezeigt, außer bei seltenen Gelegenheiten.

Die rund 100 Werke, die für diese Ausstellung ausgewählt wurden, ermöglichen es, sich der Sammlung anhand mehrerer Themen zu nähern, die sie durchziehen: Experimente und plastische Untersuchungen rund um das fotografische Bild, die Wiederbelebung der Dokumentarfotografie in den Jahren 1990-2000, die Bretagne als Land der Kreativität, das fotografische Selbstporträt und die Beziehung zur Malerei. Verschiedene Dokumente aus den Archiven des Kunstzentrums (Korrespondenz mit den Künstlern, Ausstellungsansichten, Einladungskarten usw.) werden ebenfalls gezeigt, um die Geschichte dieser Sammlung, die von Begegnungen und Austausch geprägt ist, besser zu erfassen. Die Sammlung kann somit als ein fernes Echo aller vergangenen Ausstellungen in L'Imagerie betrachtet werden; ein Echo, das auch heute noch nachklingt.


En 1983, deux tirages photographiques de Philippe Salaün sont achetés à la suite des Estivales photographiques du Trégor. Quarante ans après cette première acquisition, la collection de L’Imagerie compte désormais plus de huit cents tirages. Elle est l’aboutissement de la volonté de celles et ceux qui ont animé L’Imagerie de soutenir le travail des artistes, mais aussi de conserver une trace du passage de ces photographes à Lannion. Constituée à la fois par des dons et par des achats effectués directement auprès des artistes ou par l’intermédiaire de galeries, la collection de L’Imagerie réunit aujourd’hui nombre de photographes majeurs du XXe et du début du XXIe siècle, pour certains absents des collections publiques nationales. Malgré son importance – tant en volume qu’en qualité –, elle n’a pourtant été que rarement montrée au public, sauf à de rares occasions.

La centaine d’œuvres sélectionnées pour cette exposition permet d’aborder la collection selon plusieurs des thématiques qui la traversent : les expérimentations et les recherches plastiques autour de l’image photographique, le renouveau de la photographie documentaire dans les années 1990-2000, la Bretagne comme terre de création, l’autoportrait photographique et le rapport à la peinture. Différents documents issus des archives du centre d’art (correspondance avec les artistes, vues d’exposition, cartons d’invitation, etc.) sont également donnés à voir afin de mieux saisir l’histoire de cette collection, faite de rencontres et d’échanges. La collection peut ainsi être considérée comme le lointain écho de toutes les expositions passées à L’Imagerie ; un écho qui continue de résonner aujourd’hui.


Nel 1983, due stampe fotografiche di Philippe Salaün sono state acquistate in seguito agli Estivales photographiques du Trégor. A quarant'anni da quella prima acquisizione, la collezione de L'Imagerie conta oggi oltre ottocento stampe. È il culmine del desiderio di coloro che hanno gestito L'Imagerie di sostenere il lavoro degli artisti, ma anche di tenere traccia del tempo che questi fotografi hanno trascorso a Lannion. La collezione de L'Imagerie si è formata grazie a donazioni e acquisti fatti direttamente dagli artisti o attraverso le gallerie, e oggi comprende una serie di importanti fotografi del XX e dell'inizio del XXI secolo, alcuni dei quali assenti dalle collezioni pubbliche nazionali. Nonostante la sua importanza - sia in termini di volume che di qualità - è stata raramente esposta al pubblico, se non in rare occasioni.

Il centinaio di opere selezionate per questa mostra offre l'opportunità di esplorare la collezione in relazione ad alcuni temi che la attraversano: la sperimentazione e la ricerca plastica sull'immagine fotografica, la rinascita della fotografia documentaria negli anni 1990-2000, la Bretagna come terra creativa, l'autoritratto fotografico e il rapporto con la pittura. Sono inoltre esposti diversi documenti provenienti dagli archivi del centro d'arte (corrispondenza con gli artisti, vedute di mostre, biglietti d'invito, ecc.), che permettono di ricostruire la storia degli incontri e degli scambi della collezione. In questo modo, la collezione può essere vista come un'eco lontana di tutte le mostre tenute a L'Imagerie in passato, un'eco che continua a risuonare oggi.


In 1983, two photographic prints by Philippe Salaün were purchased following the Estivales photographiques du Trégor. Forty years after this first acquisition, L'Imagerie's collection now numbers over eight hundred prints. It is the culmination of the desire of those who have run L'Imagerie to support the work of artists, but also to preserve a trace of the passage of these photographers to Lannion. Comprising both donations and purchases made directly from the artists or through galleries, L'Imagerie's collection today includes a number of major photographers of the 20th and early 21st centuries, some of whom are absent from national public collections. Despite its importance - both in terms of volume and quality - it has rarely been shown to the public, except on rare occasions.

The hundred or so works selected for this exhibition allow us to approach the collection according to several of the themes that run through it: experiments and plastic research around the photographic image, the revival of documentary photography in the years 1990-2000, Brittany as a land of creation, the photographic self-portrait and the relationship with painting. Various documents from the art center's archives (correspondence with artists, exhibition views, invitation cards, etc.) are also on view, to give a better understanding of the history of this collection, made up of encounters and exchanges. The collection can thus be seen as a distant echo of all the exhibitions held at L'Imagerie, an echo that continues to resonate today.

(Text: L'Imagerie centre d'art, Lannion)

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En Creux - Commande photographique sur le Bassin minier | CRP/Centre régional de la photographie Hauts-de-France | Douchy-les-Mines
Juni
24
bis 17. Sept.

En Creux - Commande photographique sur le Bassin minier | CRP/Centre régional de la photographie Hauts-de-France | Douchy-les-Mines

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CRP/Centre régional de la photographie Hauts-de-France | Douchy-les-Mines
24. Juni - 17. September 2023

En Creux - Commande photographique sur le Bassin minier
Clément Brugger, Isabella Hin, Hideyuki Ishibashi, Apolline Lamoril


Bleus, n°1 © Isabella Hin, Commande du CRP/Centre régional de la photographie Hauts de-France, 2023


Das CRP/ hat́ einen Auftrag an vier professionelle Fotokünstler vergeben. Als Echo auf das 10-jährige Jubiläum der Aufnahme des Bassin Minier in die Liste des UNESCO-Weltkulturerbes und das 40-jährige Bestehen des CRP/, das 2022 gefeiert wird, haben diese Gewinnerprojekte als gemeinsames Thema, dass sie alle eine Verbindung zu diesem symbolträchtigen Gebiet der Region haben. Ein Jahr lang haben Clément Brugger, Isabella Hin, Hideyuki Ishibashi und Apolline Lamoril das Gebiet erkundet. Sie entschieden sich für verschiedene Aspekte des Bassin Minier, wobei jeder von ihnen die Geschichte der Orte und der Menschen in innovativen und experimentellen Formen verarbeitete. Im Rahmen seiner Aufgabe, das künstlerische Schaffen zu unterstützen und zu begleiten, leitete das CRP/ die künstlerische Leitung dieser vier Projekte während der zehnmonatigen Produktionsphase bis zur Präsentation in Form einer Gruppenausstellung mit dem Titel "En Creux, commande photographique sur le Bassin minier".


Le CRP/ a lancé́ une commande à destination de quatre artistes photographes professionnels. En écho à l’anniversaire des 10 ans de l’inscription du Bassin minier sur la Liste du patrimoine mondial de l’UNESCO et aux 40 ans du CRP/, fêtés en 2022, ces projets lauréats ont pour thématique commune d’avoir tous un lien avec ce territoire emblématique de la région. Durant un an, Clément Brugger, Isabella Hin, Hideyuki Ishibashi et Apolline Lamoril ont éprouvé le territoire. Optant pour différents aspects emblématiques du Bassin minier chacun d’eux a su traiter par des formes innovantes et expérimentales, l’histoire des lieux et des hommes. Dans le cadre de ses missions de soutien et d’accompagnement à la création, le CRP/ a piloté la direction artistique de ces quatre projets pendant les dix mois de production jusqu’à la restitution sous la forme d’une exposition collective intitulée « En Creux, commande photographique sur le Bassin minier ».


Il CRP/ ha lanciató una commissione per quattro artisti fotografi professionisti. In occasione del decimo anniversario dell'iscrizione del Bassin minier nella Lista del Patrimonio Mondiale dell'UNESCO e del 40° anniversario del CRP/, che si celebrerà nel 2022, il tema comune dei progetti vincitori è che tutti hanno un legame con questa zona emblematica della regione. Nel corso di un anno, Clément Brugger, Isabella Hin, Hideyuki Ishibashi e Apolline Lamoril hanno messo alla prova la regione. Optando per diversi aspetti emblematici del Bassin Minier, ognuno di loro ha utilizzato forme innovative e sperimentali per esplorare la storia della zona e della sua gente. Nell'ambito del suo ruolo di sostegno e assistenza al lavoro creativo, il CRP/ è stato responsabile della direzione artistica di questi quattro progetti durante i dieci mesi di produzione, culminati in una mostra collettiva intitolata "En Creux, commande photographique sur le Bassin minier".


CRP/ launched́ a commission for four professional photographic artists. Echoing the 10-year anniversary of the Bassin Minier's inclusion on UNESCO's World Heritage List and CRP/'s 40th anniversary, celebrated in 2022, these winning projects share the common theme of all having a link with this emblematic territory of the region. Over the course of a year, Clément Brugger, Isabella Hin, Hideyuki Ishibashi and Apolline Lamoril put the region to the test. Opting for different emblematic aspects of the Bassin Minier, each of them used innovative and experimental forms to explore the history of places and people. As part of its mission to support and accompany creative work, CRP/ was responsible for the artistic direction of these four projects throughout the ten months of production, culminating in a collective exhibition entitled "En Creux, commande photographique sur le Bassin minier".

(Text: Audrey Hoareau, directrice du CRP/Directrice artistique de la commande «En Creux» et Commissaire de l’exposition)

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Christian Tagliavini | CAMERA WORK | Berlin
Juni
24
bis 19. Aug.

Christian Tagliavini | CAMERA WORK | Berlin


CAMERA WORK | Berlin
24. Juni - 19. August 2023

Christian Tagliavini


La giocoliera, 2020 | © Christian Tagliavini


Die Galerie CAMERA WORK präsentiert ab dem 24. Juni 2023 eine Ausstellung mit über 40 teils bislang unveröffentlichten Exponaten von Christian Tagliavini. Diese gibt Einblick in die komplex komponierten Serien des »photographic cracsman«. Christian Tagliavini wird exklusiv von der Galerie CAMERA WORK vertreten.

Christian Tagliavinis Kunst definiert ein außergewöhnlicher Schaffensprozess, dessen finales Resultat seine Fotografien abbilden. Der Künstler gibt seinen Arbeiten von der Konzeption bis zum abschließenden Werk Gestalt und manifestiert somit eine kreative Vision, die er mit handgefertigten Requisiten, maßgeschneiderten Kostümen und unkonventionellen Modellen zum Leben erweckt. Eine akribische Planung bestimmt jedes Projekt, angefangen mit ersten historischen Recherchen, Machbarkeitsanalysen, Skizzen, Storyboarding, Farbexperimenten und Komposition. Erst dann beginnt der Künstler, seine Vision zu verwirklichen. Tagliavini verwendet dabei verschiedene Techniken, um jedes einzelne Detail, einschließlich der Requisiten und Kulissen, von Hand zu fertigen. Die Kostüme werden nach seinen detaillierten Entwürfen, einschließlich der Stoff- und Farbauswahl, realisiert und für jedes Modell maßgeschneidert. Tagliavini widmet sich in seinen Serien »Dame Di Cartone» (2008), 1503« (2010), »Carte« (2012), »Voyages Extraordinaires« (2015), »1406« (2017) und »Circesque« (2019/20) fantastischen Themenwelten, von denen jede mit bedeutenden Hauptwerken in der Ausstellung vertreten ist. Sie erzählen Geschichten mit offenem Ende, die den Betrachter einladen, einzigartige Ideen und Empfindungen aktiv zu erleben und letztendlich das Ende selbst zu bestimmen.

Christian Tagliavini wurde 1971 in der Schweiz geboren. Seine Arbeit ist insbesondere von seiner Kindheit in Parma geprägt, wo er inmitten des Kulturreichtums der Poebene aufwuchs. Der Autodidakt Tagliavini hat ursprünglich Architektur studiert und als Grafikdesigner gearbeitet. Sein Interesse an der Fotografie wurde im Jahr 2000 bei einer Fotoausstellung in Mailand geweckt. Fasziniert von den technischen Aspekten der Fotografie probierte er zunächst verschiedene fotografische Disziplinen aus, bevor er entdeckte, dass die Inszenierungstechnik der effektivste Weg ist, jene Geschichten umzusetzen, die in seiner Vorstellung leben. Christian Tagliavinis Arbeiten sind in renommierten privaten und öffentlichen Sammlungen vertreten und werden in zahlreichen Museen weltweit ausgestellt.


La galerie CAMERA WORK présente à partir du 24 juin 2023 une exposition de plus de 40 pièces, dont certaines inédites, de Christian Tagliavini. Celle-ci donne un aperçu des séries aux compositions complexes du "photographic cracsman". Christian Tagliavini est représenté en exclusivité par la galerie CAMERA WORK.

L'art de Christian Tagliavini se définit par un processus de création exceptionnel, dont le résultat final est représenté par ses photographies. De la conception à l'œuvre finale, l'artiste donne forme à son travail, manifestant ainsi une vision créative à laquelle il donne vie grâce à des accessoires fabriqués à la main, des costumes sur mesure et des modèles non conventionnels. Une planification méticuleuse détermine chaque projet, en commençant par les premières recherches historiques, les analyses de faisabilité, les esquisses, le storyboarding, les expériences de couleurs et la composition. Ce n'est qu'ensuite que l'artiste commence à concrétiser sa vision. Tagliavini utilise alors différentes techniques pour fabriquer à la main chaque détail, y compris les accessoires et les décors. Les costumes sont réalisés d'après ses dessins détaillés, y compris le choix des tissus et des couleurs, et sont faits sur mesure pour chaque modèle. Dans ses séries "Dame Di Cartone" (2008), "1503" (2010), "Carte" (2012), "Voyages Extraordinaires" (2015), "1406" (2017) et "Circesque" (2019/20), Tagliavini se consacre à des univers thématiques fantastiques, dont chacun est représenté par des œuvres majeures dans l'exposition. Vous racontez des histoires à la fin ouverte, qui invitent le spectateur à vivre activement des idées et des sensations uniques et, en fin de compte, à en déterminer lui-même la fin.

Christian Tagliavini est né en Suisse en 1971. Son travail est notamment influencé par son enfance à Parme, où il a grandi au milieu de la richesse culturelle de la plaine du Pô. Autodidacte, Tagliavini a d'abord étudié l'architecture et travaillé comme graphiste. Son intérêt pour la photographie s'est éveillé en 2000 lors d'une exposition de photos à Milan. Fasciné par les aspects techniques de la photographie, il a d'abord essayé différentes disciplines photographiques avant de découvrir que la technique de mise en scène était le moyen le plus efficace de transposer les histoires qui vivaient dans son imagination. Les travaux de Christian Tagliavini sont représentés dans des collections privées et publiques prestigieuses et sont exposés dans de nombreux musées à travers le monde.


Dal 24 giugno 2023, la galleria CAMERA WORK presenta una mostra con oltre 40 opere di Christian Tagliavini, alcune delle quali inedite. L'esposizione offrirà una panoramica sulle serie complesse e composte del "crac fotografico". Christian Tagliavini è rappresentato in esclusiva dalla galleria CAMERA WORK.

L'arte di Christian Tagliavini è definita da uno straordinario processo creativo, il cui risultato finale è rappresentato dalle sue fotografie. L'artista dà forma al suo lavoro dalla concezione all'opera finale, manifestando una visione creativa che porta in vita con oggetti di scena fatti a mano, costumi su misura e modelli non convenzionali. Una pianificazione meticolosa definisce ogni progetto, a partire da ricerche storiche iniziali, studi di fattibilità, schizzi, storyboard, sperimentazione del colore e composizione. Solo allora l'artista inizia a realizzare la sua visione. Tagliavini utilizza una varietà di tecniche per realizzare a mano ogni singolo dettaglio, compresi gli oggetti di scena e le scenografie. I costumi sono realizzati secondo i suoi disegni dettagliati, compresa la scelta dei tessuti e dei colori, e sono fatti su misura per ogni modello. Le serie di Tagliavini "Dame Di Cartone" (2008), "1503" (2010), "Carte" (2012), "Voyages Extraordinaires" (2015), "1406" (2017) e "Circesque" (2019/20) sono dedicate a mondi fantastici a tema, ciascuno con opere significative di rilievo in mostra. Raccontano storie aperte che invitano lo spettatore a sperimentare attivamente idee e sensazioni uniche e a determinarne il finale.

Chris Tagliavini è nato in Svizzera nel 1971. Il suo lavoro è particolarmente influenzato dall'infanzia trascorsa a Parma, dove è cresciuto circondato dalla ricchezza culturale della Pianura Padana. Autodidatta, Tagliavini ha inizialmente studiato architettura e lavorato come grafico. Il suo interesse per la fotografia si risveglia nel 2000 in occasione di una mostra fotografica a Milano. Affascinato dagli aspetti tecnici della fotografia, ha sperimentato diverse discipline fotografiche prima di scoprire che la tecnica della messa in scena è il modo più efficace per realizzare le storie che vivono nella sua immaginazione. Il lavoro di Christian Tagliavini è rappresentato in rinomate collezioni private e pubbliche ed è esposto in numerosi musei di tutto il mondo.


The CAMERA WORK gallery will present an exhibition of over 40 exhibits by Christian Tagliavini, some of them previously unpublished, starting June 24, 2023. This provides insight into the complexly composed series of the "photographic cracsman". Christian Tagliavini is exclusively represented by CAMERA WORK Gallery.

Christian Tagliavini's art is defined by an extraordinary creative process, the final result of which is represented by his photographs. The artist gives shape to his work from conception to the final piece, manifesting a creative vision that he brings to life with handmade props, custom-made costumes and unconventional models. Meticulous planning defines each project, beginning with initial historical research, feasibility analysis, sketching, storyboarding, color experimentation and composition. Only then does the artist begin to realize his vision. Along the way, Tagliavini uses a variety of techniques to handcraft every detail, including props and sets. Costumes are realized according to his detailed designs, including fabric and color choices, and are custom-made for each model. Tagliavini's series "Dame Di Cartone" (2008), "1503" (2010), "Carte" (2012), "Voyages Extraordinaires" (2015), "1406" (2017) and "Circesque" (2019/20) are dedicated to fantastical themed worlds, each with significant major works in the exhibition. They tell open-ended stories that invite viewers to actively experience unique ideas and sensations, and ultimately determine the ending themselves.

Christian Tagliavini was born in Switzerland in 1971. His work is particularly influenced by his childhood in Parma, where he grew up surrounded by the cultural richness of the Po Valley. A self-taught photographer, Tagliavini originally studied architecture and worked as a graphic designer. His interest in photography was awakened in 2000 at a photography exhibition in Milan. Fascinated by the technical aspects of photography, he first tried different photographic disciplines before discovering that the staging technique is the most effective way to realize those stories that live in his imagination. Christian Tagliavini's work is represented in prestigious private and public collections and is exhibited in numerous museums worldwide.

(Text: Camera Work, Berlin)

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Mythologies - Gilles Leimdorfer | La Chambre | Strasbourg
Juni
23
6:00 PM18:00

Mythologies - Gilles Leimdorfer | La Chambre | Strasbourg


La Chambre | Strasbourg
23. Juni 2023

Mythologies
Gilles Leimdorfer



Gilles Leimdorfer, der aus der Reportagefotografie kommt, entwickelt seit mehr als 20 Jahren eine persönliche Arbeit über Frankreich. Er liebt es, die Regionen mit einem neugierigen, wohlwollenden, gelegentlich auch schrägen und humorvollen Blick zu durchstreifen. Nachdem er Säulen der französischen Identität wie die Nationale 7, die Tour de France, das Akkordeon, ... erforscht hat, ist seine neue Serie Mythologies ein Vorwand, das "ewige Frankreich" zu bereisen, indem er sich an Gemeinplätzen orientiert, um sie besser zu durchkreuzen. Um die Etappen seiner Reise durch das Land zu bezeichnen, schöpft er aus seiner Kultur und seiner Vorstellungswelt, indem er sich Referenzen aus der Geschichte, dem Kino, dem Fernsehen, den Comics, der Literatur oder dem Chanson ausleiht. Diese in der Kindheit erlernten Klischees bilden eine bestimmte Vorstellung von Frankreich, die von vielen Mitbürgerinnen und Mitbürgern geteilt wird, aber auch je nach Generation variiert. So stellt er vom Camembert bis zur Jeanne d'Arc, vom Citroën DS bis zu Proust die Legende und die Realität einander gegenüber. Seine Reise auf der Suche nach dem, was Frankreich besonders macht, führt zu mehr Fragen als Antworten und verdeutlicht die subjektive Konstruktion der "französischen Identität", die auf einer Vielzahl von kulturellen Elementen beruht, deren Auswahl und Zusammenstellung von Person zu Person unterschiedlich ist. Ohne Nostalgie oder Bedauern zeigt er Frankreich so, wie er es sieht, mit einer Zuneigung zu seinen Bewohnern und ihrer Umgebung, die sich in der Sublimierung des Banalen äußert. Der Mythos führt zur Realität, die sich ihrerseits in eine andere Erzählung verwandelt.

Gilles Leimdorfer lebt und arbeitet in Paris. Im Alter von 13 Jahren entdeckte er seine Leidenschaft für die Fotografie. Nach seinem Jurastudium arbeitet er bei der französischen Nachrichtenagentur AFP. Seine Fotos wurden in Time Magazine, Grands Reportages, Capital, Geo usw. veröffentlicht. Als Mitglied von Agenturen wie Rapho setzte er seine Arbeit über Frankreich und seine Mythen fort, für die er 2006 von Raymond Depardon eingeladen wurde, bei den Rencontres d'Arles auszustellen. Parallel dazu realisiert er Aufträge für die Unternehmenskommunikation, das Verlagswesen und die Presse.


Issu de la photographie de reportage, Gilles Leimdorfer développe depuis plus de 20 ans un travail personnel sur la France. Il aime en parcourir les régions avec un œil curieux, bienveillant, à l’occasion décalé et humoristique. Après avoir exploré des piliers de l’identité française comme la Nationale 7, le Tour de France, l’accordéon, … sa nouvelle série Mythologies est un prétexte à sillonner la « France éternelle » en s’aiguillant sur les lieux communs pour mieux les déjouer. Pour désigner les étapes de son parcours dans le pays, il puise dans sa culture et son imaginaire, empruntant des références à l’Histoire, au cinéma, à la télévision, la BD, la littérature ou la chanson. Ces clichés appris dès l’enfance constituent une certaine représentation de la France, partagée par de nombreux concitoyen·nes mais aussi variable selon les générations. Ainsi, du camembert à Jeanne d’Arc, de la Citroën DS à Proust, il met en regard la légende et la réalité. Son voyage à la recherche de ce qui fait la particularité de la France aboutit à plus de questions que de réponses et met en évidence la construction subjective de « l’identité française », qui repose sur une multitude d’éléments culturels dont le choix et l’assemblage diffèrent d’une personne à l’autre. Sans nostalgie ni regret, il montre la France telle qu’il la voit, avec une affection pour ses habitant·es et leur environnement qui se traduit par la sublimation du banal. Le mythe mène au réel, qui se transmue à son tour en un autre récit.

Gilles Leimdorfer vit et travaille à Paris. Il se découvre une passion pour la photo à l’âge de 13 ans. Après des études de droit, il entre à l’AFP. Ses photos sont publiées dans Time Magazine, Grands Reportages, Capital, Geo… Alors membre d’agences comme Rapho, il continue son travail entrepris sur la France et ses mythes, pour lequel il est invité à exposer aux Rencontres d’Arles en 2006 par Raymond Depardon. En parallèle, il réalise des commandes à destination de la communication d’entreprise, de l’édition et de la presse.


Proveniente dalla fotografia di reportage, Gilles Leimdorfer sviluppa da oltre 20 anni un lavoro personale sulla Francia. Gli piace viaggiare attraverso le regioni con un occhio curioso, benevolo e talvolta umoristico. Dopo aver esplorato i pilastri dell'identità francese come la Nationale 7, il Tour de France, la fisarmonica, ... la sua nuova serie Mythologies è un pretesto per viaggiare attraverso la "Francia eterna" concentrandosi sui luoghi comuni per meglio contrastarli. Per designare le tappe del suo viaggio attraverso il Paese, attinge alla sua cultura e alla sua immaginazione, prendendo in prestito riferimenti dalla storia, dal cinema, dalla televisione, dai fumetti, dalla letteratura e dalla canzone. Questi luoghi comuni, appresi fin dall'infanzia, costituiscono una certa rappresentazione della Francia, condivisa da molti cittadini ma che varia anche a seconda delle generazioni. Così, dal Camembert a Giovanna d'Arco, dalla Citroën DS a Proust, mette a confronto leggenda e realtà. Il suo viaggio alla ricerca di ciò che rende speciale la Francia porta a più domande che risposte e mette in evidenza la costruzione soggettiva dell'"identità francese", che si basa su una moltitudine di elementi culturali la cui scelta e il cui assemblaggio differiscono da una persona all'altra. Senza nostalgia o rimpianto, mostra la Francia come la vede lui, con un affetto per i suoi abitanti e il loro ambiente che si traduce nella sublimazione del banale. Il mito conduce alla realtà, che a sua volta si trasmette in un'altra narrazione.

Gilles Leimdorfer vive e lavora a Parigi. Ha scoperto la sua passione per la fotografia all'età di 13 anni. Dopo aver studiato legge, si è unito all'AFP. Le sue foto sono state pubblicate su Time Magazine, Grands Reportages, Capital, Geo... Come membro di agenzie come Rapho, ha continuato il suo lavoro sulla Francia e i suoi miti, per il quale è stato invitato a esporre ai Rencontres d'Arles nel 2006 da Raymond Depardon. Contemporaneamente, ha svolto incarichi per la comunicazione aziendale, l'editoria e la stampa.


Coming from reportage photography, Gilles Leimdorfer has been developing for more than 20 years a personal work on France. He likes to travel through the regions with a curious, benevolent, and sometimes humorous eye. After having explored the pillars of French identity such as the Nationale 7, the Tour de France, the accordion, ... his new series Mythologies is a pretext to criss-cross the "eternal France" by pointing out the commonplaces to better thwart them. To designate the stages of his journey in the country, he draws from his culture and his imagination, borrowing references to history, cinema, television, comics, literature or song. These clichés learned from childhood constitute a certain representation of France, shared by many of our fellow citizens but also varying according to generations. Thus, from Camembert to Joan of Arc, from the Citroën DS to Proust, he compares legend and reality. His journey in search of what makes France special leads to more questions than answers and highlights the subjective construction of the "French identity", which is based on a multitude of cultural elements whose choice and assembly differ from one person to another. Without nostalgia or regret, he shows France as he sees it, with an affection for its inhabitants and their environment that translates into the sublimation of the banal. Myth leads to reality, which in turn transmutes into another narrative.

Gilles Leimdorfer lives and works in Paris. He discovered his passion for photography at the age of 13. After studying law, he joined the AFP. His photos are published in Time Magazine, Grands Reportages, Capital, Geo... Then member of agencies like Rapho, he continues his work on France and its myths, for which he is invited to exhibit at the Rencontres d'Arles in 2006 by Raymond Depardon. At the same time, he carries out commissions for corporate communication, publishing and the press.

(Text: La Chambre, Strasbourg)

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IRAN inside out | WILLY-BRANDT-HAUS | Berlin
Juni
23
bis 27. Aug.

IRAN inside out | WILLY-BRANDT-HAUS | Berlin


WILLY-BRANDT-HAUS | Berlin
23. Juni - 27. August 2023

IRAN inside out
Forough Alaei, Mashid Mohadjerin, Beatrice Minda, Sarah Sasani, Shirana Shahbazi


© Beatrice Minda


Die Gruppenausstellung IRAN inside out zeigt zeitgenössische Fotografien deutscher und iranischer Fotografinnen, die sich mit Fragen der Selbstbestimmung im Spannungsfeld zwischen Tradition und Moderne auseinander-setzen. Alle fünf beteiligten Künstlerinnen leben im Iran, stammen aus dem Iran oder haben längere Zeit im Iran gearbeitet. Egal ob vor Ort oder aus der (sicheren) Distanz: eigene Erfahrungen, Historie, Familiengeschichten und die Situation anderer Frauen im Land sind Ausgangspunkt für ihre fotografischen und Video-Arbeiten.

Die Serien sind seit 2010 entstanden und thematisieren die gesellschaftliche Situation im Land. Die Künstlerinnen verorten sich in dieser Gesellschaft und ihre Positionen thematisieren die Auseinandersetzung mit Tradition im Konflikt mit der Moderne. Dabei hat jede Fotografin ihren individuellen künstlerischen Ansatz gewählt, um ihre eigenen Erfahrungen und Momentaufnahmen festzuhalten. Diesen Blick auf die Situation im Iran sowohl von innen heraus als auch aus der Ferne greift der Titel IRAN inside out auf und blickt auf die Umbrüche und Entwicklungen im Land.

Kuratiert von Andy Heller und Mirja Linnekugel


L'exposition de groupe IRAN inside out présente des photographies contemporaines de femmes photographes allemandes et iraniennes qui se penchent sur les questions d'autodétermination entre tradition et modernité. Les cinq artistes participantes vivent en Iran, sont originaires d'Iran ou ont travaillé pendant une longue période en Iran. Que ce soit sur place ou à distance (sûre), leurs propres expériences, l'histoire, les histoires familiales et la situation d'autres femmes dans le pays sont le point de départ de leurs travaux photographiques et vidéo.

Les séries ont été créées depuis 2010 et traitent de la situation sociale dans le pays. Les artistes se situent dans cette société et leurs positions thématisent la confrontation avec la tradition en conflit avec la modernité. Chaque photographe a choisi sa propre approche artistique afin d'immortaliser ses propres expériences et instantanés. Le titre IRAN inside out reprend ce regard sur la situation en Iran, tant de l'intérieur que de loin, et jette un coup d'œil sur les bouleversements et les évolutions du pays.

Organisé par Andy Heller et Mirja Linnekugel


La mostra collettiva IRAN inside out presenta fotografie contemporanee di fotografe tedesche e iraniane che affrontano questioni di autodeterminazione nel campo della tensione tra tradizione e modernità. Tutte e cinque le artiste partecipanti vivono in Iran, provengono dall'Iran o hanno lavorato in Iran per molto tempo. Sul posto o a distanza (di sicurezza): le loro esperienze, la storia, le storie di famiglia e la situazione di altre donne nel Paese sono il punto di partenza per le loro opere fotografiche e video.

Le serie sono state create a partire dal 2010 e affrontano la situazione sociale del Paese. Le artiste si collocano in questa società e le loro posizioni tematizzano il confronto con la tradizione in conflitto con la modernità. Ogni fotografa ha scelto il proprio approccio artistico per catturare le proprie esperienze e le proprie istantanee. Il titolo IRAN inside out riprende questa visione della situazione in Iran, sia dall'interno che da lontano, e guarda agli sconvolgimenti e agli sviluppi del Paese.

A cura di Andy Heller e Mirja Linnekugel


The group exhibition IRAN inside out shows contemporary photographs by German and Iranian women photographers who deal with questions of self-determination in the field of tension between tradition and modernity. All five participating artists live in Iran, come from Iran or have worked in Iran for a longer period of time. Whether on site or from a (safe) distance: their own experiences, history, family stories and the situation of other women in the country are the starting point for their photographic and video works.

The series have been created since 2010 and address the social situation in the country. The artists situate themselves in this society and their positions address the confrontation with tradition in conflict with modernity. Each photographer has chosen her individual artistic approach to capture her own experiences and snapshots. Taking up this view of the situation in Iran both from within and from afar, the title IRAN inside out looks at the upheavals and developments in the country.

Curated by Andy Heller and Mirja Linnekugel

(Text: WILLY-BRANDT-HAUS, Berlin)

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The First Finger (chapter II) - Tolia Astakhishvili | Haus am Waldsee | Berlin
Juni
23
bis 24. Sept.

The First Finger (chapter II) - Tolia Astakhishvili | Haus am Waldsee | Berlin


Haus am Waldsee | Berlin
23. Juni - 24. September 2023

The First Finger (chapter II)
Tolia Astakhishvili


Tolia Astakhishvili und James Richards, I Remember (Depth of Flattened Cruelty), 2023, Filmstill, Videoinstallation, 10 Min., Courtesy die Künstler*innen; Cabinet, London; Isabella Bortolozzi, Berlin; LC Queisser, Tbilisi (HÖHER AUFGELÖSTE DATEI AUF ANFRAGE)


In ihrer Einzelausstellung The First Finger (chapter II) transformiert Tolia Astakhishvili (*1974 in Tbilisi, Georgien) das Haus am Waldsee im Zuge einer raumgreifenden Installation. Neben baulichen Interventionen, Zeichnungen, Malereien, Text und Videos umfasst die Ausstellung neue kollaborative Arbeiten mit Zurab Astakhishvili, Dylan Peirce und James Richards sowie Beiträge von Antonin Artaud, Alvin Baltrop, Kirsty Bell, Nat Marcus, Vera Palme, Andreas Rousounelis, Judith Scott, Ser Serpas und Giorgi Zhorzholiani.

Am Anfang von The First Finger steht das Bild einer physischen Grenzerfahrung: Ein extremer Kälte ausgesetzter Körper muss Prioritäten setzen, um sich als Ganzes zu schützen. Für sein Überleben rationiert er seine Energie und opfert Stück für Stück, Finger für Finger, seine  verzichtbaren Gliedmaßen, um den Blutfluss zu den wichtigsten Organen im Zentrum  zu gewährleisten. Diese körperliche Reduzierung auf einen lebenserhaltenden Kern bildet für Astakhishvili den Anknüpfungspunkt für die titelgebende Metapher der Ausstellung, die grundlegende Überlegungen zu den Bedingungen von Leben und Lebendigkeit, Schutz und Verzicht anstößt.

In ihrer Arbeit und mit Hilfe verschiedener Ausdrucksformen befasst sich Tolia Astakhishvili intensiv mit Fragen des Raums; wie sich dieser konstituiert und wie er gelebte Realitäten spiegelt. Ihre Arbeiten spüren den Strukturen und Narrativen existierender Gebäude nach und beschwören durch temporäre Ein- und Umbauten reale und imaginäre Geschichten herauf. Auch im Haus am Waldsee widmet sich Tolia Astakhishvili der materiellen Beschaffenheit der Institution, erkundet ihre architektonischen Schichten und Randbereiche. Mittels vorgefundener Materialien und baulicher Interventionen verdichtet sie die Räume des ehemaligen Wohnhauses zu einer eindringlichen und fragilen Umgebung, in der sie die existenzielle Bedingtheit des Menschen in seiner Beziehung zum Raum erkundet.

Insbesondere Wohnräume stehen oft sinnbildlich für Orte des Rückzugs, die das Private schützen und in denen physische Integrität gewahrt werden kann. In ihrer Ausstellung lässt Astakhishvili diese Vorstellung brüchig werden. So ist zu erahnen, dass „das Zuhause“ weder ein stabiles Konzept ist, noch ein sicherer Ort sein muss, der existenziellen Halt gibt, sondern mitunter auch ein Ort des Widerstands, des Konflikts oder der Gewalt sein kann. Diese spannungsvolle Beziehung zwischen Individuum und Raum sowie den mentalen und physischen Wechselwirkungen zwischen einer abgeschlossenen Umgebung und seinen Bewohner*innen macht Astakhishvili in ihrer Ausstellung erfahrbar.

Ausgehend von intimen, feinen Zeichnungen spürt sie den Atmosphären der Umgebung nach, verdichtet und verändert sie. Durch die Umgestaltung architektonischer Strukturen, wie dem Errichten von Wänden aus Rigips, dem Einsetzen neuer Fenster oder der Verengung von Durchgängen, navigiert sie alternative Möglichkeiten zur Bewegung und Orientierung im Raum. Diese neu definierten Trennungen und Distanzen ermöglichen und erfordern es, die eigene körperliche und geistige Beziehung zu einem Außen neu auszutarieren.

Architektur und Malerei gehen fließend ineinander über und lösen die Grenzen zwischen Texturen beinahe vollends auf. Objekte und Sounds verweisen gleichzeitig auf Spuren des Auf- und Abbaus, auf nicht mehr anwesende Existenzen sowie abstrakte Träume, Emotionen und Visionen. Astakhishvili lässt verschiedene Orte und Realitäten der Imagination und der Wirklichkeit zusammentreffen und nebeneinander koexistieren. Materielle Spuren werden zu ambivalenten Markierungen von Vergangenem und offenbaren das bauliche Gefüge als Behältnis von sich überlagernden Geschichten und Bildern. Auch Werke anderer Künstler*innen sind Teil dieser Konstellation und erweitern Astakhishvilis Prozesse der Schichtung und Verdichtung.

So ergibt sich in den Räumen ein fragiles und spannungsreiches Gefüge, das sich jeglicher Konzentration auf ein Zentrum entzieht. Die poetische Kraft und formale Stringenz dieser mehrdeutigen Umgebung lädt dazu ein, die verschiedenen Bewusstseinsebenen, die in ihr aufscheinen, sowie das Verhältnis von Mensch und Architektur tiefer zu ergründen.


Dans son exposition individuelle The First Finger (chapter II), Tolia Astakhishvili (*1974 à Tbilisi, Géorgie) transforme la Haus am Waldsee au cours d'une installation qui occupe tout l'espace. Outre des interventions architecturales, des dessins, des peintures, des textes et des vidéos, l'exposition comprend de nouveaux travaux collaboratifs avec Zurab Astakhishvili, Dylan Peirce et James Richards, ainsi que des contributions d'Antonin Artaud, Alvin Baltrop, Kirsty Bell, Nat Marcus, Vera Palme, Andreas Rousounelis, Judith Scott, Ser Serpas et Giorgi Zhorzholiani.

Au début de The First Finger, il y a le visuel d'une expérience physique limite : un corps exposé à un froid extrême doit établir des priorités pour se protéger dans son ensemble. Pour sa survie, il rationne son énergie et sacrifie petit à petit, doigt par doigt, ses membres renonçables afin d'assurer le flux sanguin vers les organes les plus importants du centre. Pour Astakhishvili, cette réduction physique à un noyau vital constitue le point de départ de la métaphore qui donne son titre à l'exposition et qui suscite des réflexions fondamentales sur les conditions de vie et de vitalité, de protection et de renoncement.

Dans son travail et à l'aide de différentes formes d'expression, Tolia Astakhishvili s'intéresse de près aux questions d'espace ; comment celui-ci se constitue et comment il reflète les réalités vécues. Ses travaux retracent les structures et les récits des bâtiments existants et évoquent des histoires réelles et imaginaires par le biais d'aménagements et de transformations temporaires. Dans la Haus am Waldsee également, Tolia Astakhishvili se consacre à la nature matérielle de l'institution, explore ses couches architecturales et ses zones périphériques. Au moyen de matériaux trouvés sur place et d'interventions architecturales, elle condense les pièces de l'ancienne maison d'habitation en un environnement pénétrant et fragile, dans lequel elle explore la condition existentielle de l'homme dans sa relation à l'espace.

Les pièces d'habitation, en particulier, sont souvent emblématiques des lieux de retraite qui protègent la sphère privée et dans lesquels l'intégrité physique peut être préservée. Dans son exposition, Astakhishvili rend cette idée fragile. On peut ainsi deviner que le "chez-soi" n'est pas un concept stable, ni forcément un lieu sûr qui offre un soutien existentiel, mais qu'il peut parfois aussi être un lieu de résistance, de conflit ou de violence. Dans son exposition, Astakhishvili rend perceptible cette relation tendue entre l'individu et l'espace ainsi que les interactions mentales et physiques entre un environnement clos et ses habitants*.

À partir de dessins intimes et délicats, elle traque, condense et modifie les atmosphères de l'environnement. En transformant des structures architecturales, comme l'érection de murs en placoplâtre, l'insertion de nouvelles fenêtres ou le rétrécissement de passages, elle navigue vers des possibilités alternatives de déplacement et d'orientation dans l'espace. Ces séparations et distances redéfinies permettent et exigent de rééquilibrer sa propre relation physique et mentale avec un extérieur.

L'architecture et la peinture se fondent l'une dans l'autre de manière fluide et dissolvent presque complètement les frontières entre les textures. Les objets et les sons renvoient simultanément à des traces de construction et de déconstruction, à des existences qui ne sont plus présentes ainsi qu'à des rêves abstraits, des émotions et des visions. Astakhishvili fait se rencontrer et coexister différents lieux et réalités de l'imaginaire et de la réalité. Les traces matérielles deviennent des marqueurs ambivalents du passé et révèlent la structure architecturale comme le réceptacle d'histoires et de visuels qui se superposent. Les œuvres d'autres artistes* font également partie de cette constellation et élargissent les processus de stratification et de densification d'Astakhishvili.

Il en résulte dans les salles une structure fragile et pleine de tensions qui échappe à toute concentration sur un centre. La force poétique et la rigueur formelle de cet environnement ambigu invitent à explorer plus profondément les différents niveaux de conscience qui y apparaissent, ainsi que la relation entre l'homme et l'architecture.


Nella sua mostra personale The First Finger (capitolo II), Tolia Astakhishvili (*1974 a Tbilisi, Georgia) trasforma la Haus am Waldsee nel corso di un'ampia installazione. Oltre agli interventi strutturali, ai disegni, ai dipinti, ai testi e ai video, la mostra comprende nuovi lavori in collaborazione con Zurab Astakhishvili, Dylan Peirce e James Richards, nonché contributi di Antonin Artaud, Alvin Baltrop, Kirsty Bell, Nat Marcus, Vera Palme, Andreas Rousounelis, Judith Scott, Serpas e Giorgi Zhorzholiani.

All'inizio di The First Finger c'è l'immagine di un'esperienza fisica di confine: un corpo esposto al freddo estremo deve stabilire delle priorità per proteggersi nel suo insieme. Per sopravvivere, raziona l'energia e sacrifica pezzo per pezzo, dito per dito, gli arti sacrificabili per garantire l'afflusso di sangue agli organi più importanti del centro. Per Astakhishvili, questa riduzione del corpo a un nucleo vitale costituisce il punto di partenza per la metafora che dà il titolo alla mostra e che induce a riflessioni fondamentali sulle condizioni di vita e di vitalità, di protezione e di rinuncia.

Nel suo lavoro e attraverso varie forme espressive, Tolia Astakhishvili si occupa intensamente di questioni legate allo spazio: come si costituisce e come riflette le realtà vissute. Le sue opere tracciano le strutture e le narrazioni degli edifici esistenti ed evocano storie reali e immaginarie attraverso installazioni e trasformazioni temporanee. Alla Haus am Waldsee, Tolia Astakhishvili si dedica anche alla natura materiale dell'istituzione, esplorandone gli strati architettonici e le aree periferiche. Utilizzando materiali trovati e interventi strutturali, l'artista condensa gli spazi dell'ex residenza in un ambiente inquietante e fragile in cui esplora la condizionalità esistenziale degli esseri umani nel loro rapporto con lo spazio.

Gli spazi abitativi, in particolare, sono spesso emblematici di luoghi di ritiro che proteggono la sfera privata e in cui è possibile preservare l'integrità fisica. Nella sua mostra, Astakhishvili lascia che questa nozione diventi fragile. Si può intuire che la "casa" non è un concetto stabile né necessariamente un luogo sicuro che fornisce sostegno esistenziale, ma a volte può essere anche un luogo di resistenza, conflitto o violenza. Astakhishvili rende tangibile nella sua mostra questa relazione tesa tra l'individuo e lo spazio, così come le interazioni mentali e fisiche tra un ambiente chiuso e i suoi abitanti.

Partendo da disegni intimi e delicati, l'artista traccia le atmosfere dell'ambiente circostante, condensandole e modificandole. Rimodellando le strutture architettoniche, come l'erezione di pareti di cartongesso, l'inserimento di nuove finestre o il restringimento dei passaggi, l'autrice naviga in possibilità alternative di movimento e orientamento nello spazio. Queste divisioni e distanze ridefinite permettono e richiedono di riequilibrare il proprio rapporto fisico e mentale con l'esterno.

Architettura e pittura si fondono fluidamente, dissolvendo quasi completamente i confini tra le texture. Gli oggetti e i suoni rimandano contemporaneamente a tracce di costruzione e decostruzione, a esistenze non più presenti e a sogni, emozioni e visioni astratte. Astakhishvili permette a diversi luoghi e realtà dell'immaginazione e della realtà di incontrarsi e coesistere. Le tracce materiali diventano marcatori ambivalenti del passato e rivelano il tessuto strutturale come un contenitore di storie e immagini sovrapposte. Anche le opere di altri artisti fanno parte di questa costellazione e ampliano i processi di stratificazione e condensazione di Astakhishvili.

Il risultato è una struttura fragile e tesa nelle stanze che sfida qualsiasi concentrazione su un centro. La forza poetica e il rigore formale di questo ambiente ambiguo ci invitano a scandagliare più a fondo i diversi livelli di coscienza che vi compaiono, così come il rapporto tra uomo e architettura.


Tolia Astakhishvili (*1974 in Tbilisi, Georgia) transforms the Haus am Waldsee with an expansive installation that constitutes her solo exhibition The First Finger (chapter II). In addition to structural interventions, drawings, paintings, text, and videos, the exhibition includes new collaborative works with Zurab Astakhishvili, Dylan Peirce, and James Richards, as well as contributions by Antonin Artaud, Alvin Baltrop, Kirsty Bell, Nat Marcus, Vera Palme, Andreas Rousounelis, Judith Scott, Ser Serpas, and Giorgi Zhorzholiani.

The First Finger begins with the image of an existential physical threat: a body exposed to extreme cold must set priorities in order to protect itself as a whole. For its survival, it rations its energy and sacrifices its most expendable extremities bit by bit, finger by finger, to ensure blood flow to the most important organs in the centre. For Astakhishvili, this reduction of a body to a life-sustaining core provides the starting point for the exhibition’s titular metaphor, prompting fundamental reflections on the conditions of life and liveliness, protection and abandonment.

In her work and through a wide variety of media, Tolia Astakhishvili is intensely concerned with questions of space; how it is constituted, and how it reflects lived realities. Her works trace the structures and narratives of existing buildings and evoke real and imaginary histories through temporary installations and alterations. At Haus am Waldsee, Tolia Astakhishvili also devotes herself to the material nature of the institution, exploring its architectural layers and peripheral areas. Using found materials and structural interventions, she condenses the interior of the former residence into a haunting and fragile environment in which she explores the existential conditionality of human beings in their relationship to space.

Domestic spaces in particular are often emblematic of places of refuge that protect the private and where physical integrity can be maintained. In her exhibition, Astakhishvili allows this notion to become fragile and suggests that “home” is neither a stable concept nor necessarily a safe place that provides existential support. On the contrary, it can be a place of resistance, conflict, or violence. Tolia Astakhishvili makes this tension between the individual and its surrounding space tangible in her exhibition, as well as the mental and physical interactions between a closed environment and its inhabitants.

Starting with intimate, delicate drawings, she traces, condenses, and alters the atmospheres of her surroundings. By intervening in existing architectural structures, such as by building sheetrock walls, inserting new windows, or narrowing passageways, she navigates alternative possibilities for movement and orientation. Architecture and painting merge fluidly, almost completely dissolving the boundaries between textures. Objects and sounds simultaneously refer to traces of construction and deconstruction, to existences no longer present as well as abstract dreams, emotions, and visions. Astakhishvili allows different imaginary places and realities to encounter and coexist with the real world. Material traces become ambivalent markers of the past, revealing our built environment as a container of overlapping histories and images. Works by other artists are also part of this constellation and expand Tolia Astakhishvili’s processes of layering and condensation.

The result is a fragile and tense arrangement within the rooms of Haus am Waldsee, defying any concentration on a centre. The poetic power and formal stringency of this environment invites us to fathom more deeply the different layers of consciousness sedimented in its material structure as well as engage with its spatial tensions.

(Text: Haus am Waldsee, Berlin)

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A Play of Light and Shadow - Ara Güler | Foam | Amsterdam
Juni
23
bis 8. Nov.

A Play of Light and Shadow - Ara Güler | Foam | Amsterdam


Foam | Amsterdam
23. Juni - 8. November 2023

A Play of Light and Shadow
Ara Güler


Galata Docks, Istanbul, 1962 © Ara Güler / Ara Güler Museum.


In den vier Abschnitten "The Iconic", "The Historic", "The Ambassador" und "The Personal" taucht der Besucher in Gülers fotografische Praxis ein, von seiner ikonischen Arbeit als Fotojournalist bis hin zu seinen bemerkenswerten experimentellen Arbeiten. Seine stimmungsvollen Schwarz-Weiß-Fotografien zeigen seine tiefe Liebe zu Istanbul und der Türkei. Die Ausstellung wird von der gleichnamigen Publikation A Play of Light and Shadow begleitet, die Beiträge von mehreren Spezialisten auf diesem Gebiet enthält.

Die Ausstellung ist eine enge Zusammenarbeit zwischen Foam, Ko-Kurator Ahmet Polat und dem Ara Güler Museum.

Ara Güler (1928-2018) war ein bekannter Fotojournalist und eine treibende Kraft in der türkischen Fotografie. Er wurde als "Das Auge Istanbuls" gefeiert, und seine ergreifenden Schwarz-Weiß-Bilder von den Einwohnern, den Straßen und den Docks dieser Stadt sind nach wie vor seine berühmtesten Werke. Ara Güler verewigte im Laufe seiner glanzvollen Karriere zahlreiche berühmte Künstler und politische Persönlichkeiten.


À travers quatre sections, Iconique, Historique, Ambassadeur et Personnel, le visiteur est plongé dans la pratique photographique de Güler, de son travail emblématique de photojournaliste à son remarquable travail expérimental. Ses photographies évocatrices en noir et blanc témoignent de son amour profond pour Istanbul et la Turquie. L'exposition sera également accompagnée de la publication éponyme A Play of Light and Shadow, avec des contributions de plusieurs spécialistes dans ce domaine.

L'exposition est le fruit d'une étroite collaboration entre Foam, le co-commissaire Ahmet Polat et le musée Ara Güler.

Ara Güler (1928-2018) était un photojournaliste de premier plan et une force motrice de la photographie turque. Célébré comme "l'œil d'Istanbul", ses images poignantes en noir et blanc des habitants, des rues et des docks de cette ville restent ses œuvres les plus célèbres. Ara Güler a immortalisé de nombreux artistes et personnalités politiques célèbres tout au long de son illustre carrière.


Attraverso quattro sezioni, The Iconic, The Historic, The Ambassador e The Personal, il visitatore si immerge nella pratica fotografica di Güler, dal suo lavoro iconico come fotoreporter al suo notevole lavoro sperimentale. Le sue suggestive fotografie in bianco e nero mostrano il suo profondo amore per Istanbul e la Turchia. La mostra sarà accompagnata dall'omonima pubblicazione A Play of Light and Shadow, con contributi di diversi specialisti del settore.

La mostra è frutto di una stretta collaborazione tra Foam, il co-curatore Ahmet Polat e il Museo Ara Güler.

Ara Güler (1928-2018) è stato un importante fotoreporter e una forza trainante della fotografia turca. Celebrato come "l'occhio di Istanbul", le sue toccanti immagini in bianco e nero degli abitanti, delle strade e dei moli di questa città rimangono le sue opere più celebri. Ara Güler ha immortalato numerosi artisti e personaggi politici famosi nel corso della sua illustre carriera.


Through four sections, The Iconic, The Historic, The Ambassador, and The Personal, the visitor is immersed in Güler’s photographic practice from his iconic work as a photojournalist to his remarkable experimental work. His evocative black-and-white photographs show his profound love for Istanbul and Turkey. The exhibition will also be accompanied by the eponymous publication A Play of Light and Shadow, with contributions from several specialists in the field.

The exhibition is a close collaboration between Foam, co-curator Ahmet Polat and the Ara Güler Museum.

Ara Güler (1928-2018) was a prominent photojournalist and a driving force in Turkish photography. Celebrated as ‘The Eye of Istanbul’, his poignant black and white images of this city’s inhabitants, streets and docks remain his most celebrated works. Ara Güler immortalized numerous famous artists and political figures throughout his illustrious career.

(Text: Foam, Amsterdam)

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VALIE EXPORT | Albertina | Wien
Juni
23
bis 1. Okt.

VALIE EXPORT | Albertina | Wien


Albertina | Wien
23. Juni - 1. Oktober 2023

VALIE EXPORT


VALIE EXPORT | Aktionshose: Genitalpanik, 1969 | Siebdruck, Plakat | © VALIE EXPORT | Bildrecht, Wien 2023 | Courtesy Galerie Thaddaeus Ropac and the artist | Foto: © Peter Hassmann, Bildrecht, Wien 2023


Die Performance- und Medienkünstlerin VALIE EXPORT ist Pionierin: Mit feministischer Agenda hat EXPORT früh die Rolle der Frau und Künstlerin untersucht und aufgezeigt, wie sich patriarchale Strukturen dem weiblichen Körper auf schmerzhafte Weise einschreiben. Der Körper ist in EXPORTs bahnbrechendem Werk untrennbar mit seiner Darstellung in visuellen Medien verknüpft. EXPORTs kritische wie tiefgreifende Analyse technischer Abbildungsprozesse legt offen, wie Massenmedien geschlechtsspezifische Identitätsbilder erst konstruieren und festschreiben.

Die Ausstellung spannt den Bogen von EXPORTs bahnbrechenden frühen feministischen Aktionen, wie dem TAPP und TASTKINO (1968) über ihre provokanten Performances (ASEMIE, 1973) und vielschichtigen Installationen I (beat (it)) (1980) bis hin zu der über mehrere Jahre konsequent verfolgten Werkgruppe der Körperkonfigurationen (1972-82). Ein Schwerpunkt der Ausstellung liegt auf der Relevanz der Fotografie für das Schaffen der Künstlerin. Ob zu dokumentarischen Zwecken, als Experiment oder als eigenständiges Werk spielt die Fotografie eine zentrale Rolle für EXPORTs feministische und gesellschaftspolitische Fragestellungen. An der Schnittstelle zu Film, Video- und Body-Art erlaubt sie neue Einblicke in das Werk der Künstlerin. Das Verhältnis von Subjekt und Raum, Performance und Bild, Körper und Blick sowie Weiblichkeit und Repräsentation ist hierfür bezeichnend.


L'artiste de la performance et des médias VALIE EXPORT est une pionnière : avec un agenda féministe, EXPORT a exploré très tôt le rôle de la femme et de l'artiste et a montré comment les structures patriarcales s'inscrivent douloureusement dans le corps féminin. Dans l'œuvre révolutionnaire d'EXPORT, le corps est indissociable de sa représentation dans les médias visuels. L'analyse critique et approfondie d'EXPORT sur les processus de représentation technique révèle comment les médias de masse construisent et fixent les images d'identité spécifiques au sexe.

L'exposition s'étend des premières actions féministes révolutionnaires d'EXPORT, comme le TAPP et le TASTKINO (1968), à ses performances provocantes (ASEMIE, 1973) et ses installations complexes I (beat (it)) (1980), jusqu'au groupe d'œuvres des configurations corporelles (1972-82), suivies de manière conséquente sur plusieurs années. L'exposition met l'accent sur la pertinence de la photographie dans le travail de l'artiste. Que ce soit à des fins documentaires, expérimentales ou en tant qu'œuvre à part entière, la photographie joue un rôle central dans les questionnements féministes et sociopolitiques d'EXPORT. À la croisée du film, de la vidéo et du body art, elle permet de jeter un regard nouveau sur l'œuvre de l'artiste. La relation entre le sujet et l'espace, la performance et le visuel, le corps et le regard ainsi que la féminité et la représentation en sont des exemples significatifs.


La performance e media artist VALIE EXPORT è una pioniera: con un'agenda femminista, EXPORT è stata una precoce esploratrice del ruolo delle donne e degli artisti, rivelando come le strutture patriarcali si inscrivano dolorosamente nel corpo femminile. Nel lavoro innovativo di EXPORT, il corpo è inestricabilmente legato alla sua rappresentazione nei media visivi. L'analisi critica e profonda dei processi tecnici di rappresentazione di EXPORT rivela come i mass media costruiscano e codifichino immagini di identità di genere.

La mostra ripercorre le prime azioni femministe innovative di EXPORT, come TAPP e TASTKINO (1968), passando per le sue performance provocatorie (ASEMIE, 1973) e le installazioni multistrato I (beat (it)) (1980), fino al gruppo di opere Body Configurations (1972-82), che sono state portate avanti con costanza per diversi anni. Uno dei punti focali della mostra è l'importanza della fotografia nel lavoro dell'artista. Che sia a scopo documentario, come esperimento o come opera indipendente, la fotografia svolge un ruolo centrale nelle questioni femministe e socio-politiche di EXPORT. All'interfaccia con il cinema, il video e la body art, essa permette di dare un'occhiata al lavoro dell'artista. Il rapporto tra soggetto e spazio, performance e immagine, corpo e sguardo, femminilità e rappresentazione ne è la caratteristica.


Performance and media artist VALIE EXPORT is a pioneer: with a feminist agenda, EXPORT was an early explorer of the role of women and artists, revealing how patriarchal structures painfully inscribe themselves on the female body. In EXPORT's groundbreaking work, the body is inextricably linked to its representation in visual media. EXPORT's critical as well as profound analysis of technical processes of representation reveals how mass media first construct and codify gendered images of identity.

The exhibition spans EXPORT's groundbreaking early feminist actions, such as the TAPP and TASTKINO (1968), through her provocative performances (ASEMIE, 1973) and multi-layered installations I (beat (it)) (1980), to the body configurations group of works (1972-82), consistently pursued over several years. One focus of the exhibition is on the relevance of photography to the artist's oeuvre. Whether for documentary purposes, as an experiment, or as an independent work, photography plays a central role in EXPORT's feminist and sociopolitical issues. At the interface with film, video and body art, it allows new insights into the artist's work. The relationship between subject and space, performance and image, body and gaze, and femininity and representation is characteristic of this.

(Text: Albertina, Wien)

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Vorhang auf. Theaterfotografie von Ruth Walz | Museum der Moderne | Salzburg
Juni
23
bis 12. Nov.

Vorhang auf. Theaterfotografie von Ruth Walz | Museum der Moderne | Salzburg

  • Museum der Moderne - Altstadt (Rupertinum) (Karte)
  • Google Kalender ICS

Museum der Moderne | Salzburg
24. Juni - 12. November 2023

Vorhang auf. Theaterfotografie von Ruth Walz


Ruth Walz, Jessye Norman in „Erwartung“, 1995, Silbergelatineabzug auf Barytpapier, © Ruth Walz


Ruth Walz (1941 Bremen, DE) ist eine deutsche Theaterfotografin, deren langjährige Zusammenarbeit mit Regisseuren wie Pierre Audi, Klaus Michael Grüber und Peter Stein legendär ist. Nach langer Festanstellung an der Berliner Schaubühne ist Walz bis zum heutigen Tag regelmäßig für die Salzburger Festspiele tätig. Hier traf sie auf Künstler wie Robert Wilson und William Kentridge und fand in der imposanten Felsenreitschule aufregende Perspektiven. Berühmt sind beispielsweise die aus dem Jahr 1986 stammenden Aufnahmen der Premiere von Prometheus gefesselt mit Bruno Ganz in der Titelrolle. Diesem Ausnahmeschauspieler wird in der Ausstellung ebenso ein Kapitel gewidmet wie dem Motiv des Vorhangs, das Walz abwechslungsreich variiert.

Theaterfotografie ist herausfordernd, denn es geht darum, das Mienenspiel der Schauspieler_innen ebenso zu treffen wie die Gesamtwirkung von Raum, Kulisse und Ensemble. Bei Walz bekommt man das ganze Theater zu sehen. Mit ihren Bildausschnitten definiert die Fotografin stets neue Rahmen und verleiht auf diese Weise der flüchtigen Kunst Ewigkeit.

Kuratorinnen: Kerstin Stremmel, Barbara Herzog


Ruth Walz (1941 Bremen, DE) est une photographe de théâtre allemande dont la longue collaboration avec des metteurs en scène comme Pierre Audi, Klaus Michael Grüber et Peter Stein est légendaire. Après avoir été longtemps employée à la Schaubühne de Berlin, Walz travaille encore aujourd'hui régulièrement pour le festival de Salzbourg. Elle y a rencontré des artistes comme Robert Wilson et William Kentridge et a trouvé des perspectives passionnantes dans l'imposante Felsenreitschule. Les enregistrements de la première de Prometheus gefesselt, avec Bruno Ganz dans le rôle-titre, datant de 1986, sont par exemple célèbres. L'exposition consacre un chapitre à cet acteur d'exception ainsi qu'au motif du rideau, que Walz varie à l'infini.

La photographie de théâtre est un défi, car il s'agit de rendre le jeu d'expression des acteurs tout autant que l'effet global de l'espace, des coulisses et de l'ensemble. Chez Walz, c'est tout le théâtre que l'on voit. Avec ses cadrages, la photographe définit toujours de nouveaux cadres et confère ainsi l'éternité à l'art éphémère.

Les commissaires d'exposition : Kerstin Stremmel, Barbara Herzog


Ruth Walz (1941 Brema, DE) è una fotografa teatrale tedesca la cui pluriennale collaborazione con registi come Pierre Audi, Klaus Michael Grüber e Peter Stein è leggendaria. Dopo una lunga permanenza alla Schaubühne di Berlino, Walz lavora ancora regolarmente per il Festival di Salisburgo. Qui ha incontrato artisti come Robert Wilson e William Kentridge e ha trovato prospettive stimolanti nell'imponente Felsenreitschule. Famose, ad esempio, sono le registrazioni del 1986 della prima di Prometeo affascinato con Bruno Ganz nel ruolo del protagonista. La mostra dedica un capitolo a questo attore eccezionale e al motivo del sipario, che Walz varia in vari modi.

La fotografia teatrale è impegnativa perché si tratta di catturare le espressioni facciali degli attori e l'effetto complessivo dello spazio, del set e dell'ensemble. Con Walz, si può vedere l'intero teatro. Con le sue immagini ritagliate, la fotografa definisce costantemente nuove cornici e in questo modo conferisce eternità all'arte effimera.

Curatori: Kerstin Stremmel, Barbara Herzog


Ruth Walz (1941 Bremen, DE) is a German theater photographer whose longtime collaborations with directors such as Pierre Audi, Klaus Michael Grüber, and Peter Stein are legendary. After a long permanent position at the Berlin Schaubühne, Walz continues to work regularly for the Salzburg Festival to this day. Here she met artists such as Robert Wilson and William Kentridge and found exciting perspectives in the imposing Felsenreitschule. Famous, for example, are the recordings from 1986 of the premiere of Prometheus Captivated with Bruno Ganz in the title role. A chapter in the exhibition is devoted to this exceptional actor, as well as to the motif of the curtain, which Walz varies in a variety of ways.

Theater photography is challenging, because it is a matter of capturing the actors' facial expressions as well as the overall effect of the space, set, and ensemble. With Walz, you get to see the whole theater. With her cropped images, the photographer constantly defines new frames and in this way lends eternity to ephemeral art.

Curators: Kerstin Stremmel, Barbara Herzog

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

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Vorhang auf. Theaterfotografie von Ruth Walz | Museum der Moderne | Salzburg
Juni
22
7:00 PM19:00

Vorhang auf. Theaterfotografie von Ruth Walz | Museum der Moderne | Salzburg

  • Museum der Moderne - Altstadt (Rupertinum) (Karte)
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Museum der Moderne | Salzburg
22. Juni 2023

Vorhang auf. Theaterfotografie von Ruth Walz


Ruth Walz, Jessye Norman in „Erwartung“, 1995, Silbergelatineabzug auf Barytpapier, © Ruth Walz


Ruth Walz (1941 Bremen, DE) ist eine deutsche Theaterfotografin, deren langjährige Zusammenarbeit mit Regisseuren wie Pierre Audi, Klaus Michael Grüber und Peter Stein legendär ist. Nach langer Festanstellung an der Berliner Schaubühne ist Walz bis zum heutigen Tag regelmäßig für die Salzburger Festspiele tätig. Hier traf sie auf Künstler wie Robert Wilson und William Kentridge und fand in der imposanten Felsenreitschule aufregende Perspektiven. Berühmt sind beispielsweise die aus dem Jahr 1986 stammenden Aufnahmen der Premiere von Prometheus gefesselt mit Bruno Ganz in der Titelrolle. Diesem Ausnahmeschauspieler wird in der Ausstellung ebenso ein Kapitel gewidmet wie dem Motiv des Vorhangs, das Walz abwechslungsreich variiert.

Theaterfotografie ist herausfordernd, denn es geht darum, das Mienenspiel der Schauspieler_innen ebenso zu treffen wie die Gesamtwirkung von Raum, Kulisse und Ensemble. Bei Walz bekommt man das ganze Theater zu sehen. Mit ihren Bildausschnitten definiert die Fotografin stets neue Rahmen und verleiht auf diese Weise der flüchtigen Kunst Ewigkeit.

Kuratorinnen: Kerstin Stremmel, Barbara Herzog


Ruth Walz (1941 Bremen, DE) est une photographe de théâtre allemande dont la longue collaboration avec des metteurs en scène comme Pierre Audi, Klaus Michael Grüber et Peter Stein est légendaire. Après avoir été longtemps employée à la Schaubühne de Berlin, Walz travaille encore aujourd'hui régulièrement pour le festival de Salzbourg. Elle y a rencontré des artistes comme Robert Wilson et William Kentridge et a trouvé des perspectives passionnantes dans l'imposante Felsenreitschule. Les enregistrements de la première de Prometheus gefesselt, avec Bruno Ganz dans le rôle-titre, datant de 1986, sont par exemple célèbres. L'exposition consacre un chapitre à cet acteur d'exception ainsi qu'au motif du rideau, que Walz varie à l'infini.

La photographie de théâtre est un défi, car il s'agit de rendre le jeu d'expression des acteurs tout autant que l'effet global de l'espace, des coulisses et de l'ensemble. Chez Walz, c'est tout le théâtre que l'on voit. Avec ses cadrages, la photographe définit toujours de nouveaux cadres et confère ainsi l'éternité à l'art éphémère.

Les commissaires d'exposition : Kerstin Stremmel, Barbara Herzog


Ruth Walz (1941 Brema, DE) è una fotografa teatrale tedesca la cui pluriennale collaborazione con registi come Pierre Audi, Klaus Michael Grüber e Peter Stein è leggendaria. Dopo una lunga permanenza alla Schaubühne di Berlino, Walz lavora ancora regolarmente per il Festival di Salisburgo. Qui ha incontrato artisti come Robert Wilson e William Kentridge e ha trovato prospettive stimolanti nell'imponente Felsenreitschule. Famose, ad esempio, sono le registrazioni del 1986 della prima di Prometeo affascinato con Bruno Ganz nel ruolo del protagonista. La mostra dedica un capitolo a questo attore eccezionale e al motivo del sipario, che Walz varia in vari modi.

La fotografia teatrale è impegnativa perché si tratta di catturare le espressioni facciali degli attori e l'effetto complessivo dello spazio, del set e dell'ensemble. Con Walz, si può vedere l'intero teatro. Con le sue immagini ritagliate, la fotografa definisce costantemente nuove cornici e in questo modo conferisce eternità all'arte effimera.

Curatori: Kerstin Stremmel, Barbara Herzog


Ruth Walz (1941 Bremen, DE) is a German theater photographer whose longtime collaborations with directors such as Pierre Audi, Klaus Michael Grüber, and Peter Stein are legendary. After a long permanent position at the Berlin Schaubühne, Walz continues to work regularly for the Salzburg Festival to this day. Here she met artists such as Robert Wilson and William Kentridge and found exciting perspectives in the imposing Felsenreitschule. Famous, for example, are the recordings from 1986 of the premiere of Prometheus Captivated with Bruno Ganz in the title role. A chapter in the exhibition is devoted to this exceptional actor, as well as to the motif of the curtain, which Walz varies in a variety of ways.

Theater photography is challenging, because it is a matter of capturing the actors' facial expressions as well as the overall effect of the space, set, and ensemble. With Walz, you get to see the whole theater. With her cropped images, the photographer constantly defines new frames and in this way lends eternity to ephemeral art.

Curators: Kerstin Stremmel, Barbara Herzog

(Text: Museum der Moderne, Salzburg)

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SOMEWHERE IN THE BODY - Áine Stapleton | Château Hornegg au Lac | Zürich
Juni
22
bis 2. Juli

SOMEWHERE IN THE BODY - Áine Stapleton | Château Hornegg au Lac | Zürich

Château Hornegg au Lac | Zürich
22. Juni - 2. Juli

SOMEWHERE IN THE BODY
Áine Stapleton

Reservierung Freikarte


Áine Stapleton, Somewhere in the Body, 2022, courtesy of the artist


SOMEWHERE IN THE BODY ist eine experimentelle Tanzfilminstallation von Áine Stapleton, in deren Mittelpunkt Lucia Joyce steht - eine talentierte Tänzerin und Tochter des gefeierten irischen Schriftstellers James Joyce. Die Produktion untersucht, wie Lucia und ihre Tanzkarriere die Entstehung der ikonischen Erzählung Finnegans Wake ihres Vaters beeinflusst haben, in der sie in verschiedenen Gestalten auftritt.

Das Thema Licht zieht sich wie ein roter Faden durch Lucias Leben; ihr Name, der von der heiligen Lucia, der Schutzpatronin der Blinden, abgeleitet ist, bedeutet so viel wie "Lichtspenderin".

Die Produktion erforscht die verschiedenen Charaktere von Lucia sowie Verweise auf ihre Tanzkarriere und die Präsenz männlicher Figuren wie Onkel, Brüder und Vaterfiguren im Buch. Sie untersucht auch die Verweise von Joyce auf die Rolle tanzender Frauen im Laufe der Geschichte und den männlichen Blick. Der Film präsentiert exquisite und nuancierte Darbietungen der Tanzkünstler Colin Dunne und Katie Vickers, basierend auf Texten, die sich auf Lucias Charaktere im Buch beziehen. Lichtskulpturen des Mitwirkenden, Lichtkünstler Pat Kramer, erscheinen im Film und bilden einen Teil der Installation. Der Film, mit der Erzählstimme des Joycean-Scholars Finn Fordham, enthüllt die psychischen Räume, die von Lucia und ihrem Vater bewohnt werden.

Laufzeit des Films: 32 Minuten

SOMEWHERE IN THE BODY wird im Château Hornegg au Lac im Zürcher Seefeld präsentiert, das sich in unmittelbarer Nähe zu mehreren Häuser befindet, in denen die Familie Joyce in den frühen 1900er Jahren wohnte. Diese Präsentation von Somewhere in the Body wird von Culture Ireland und der Embassy of Ireland in Switzerland unterstützt und vom Kunsthaus Aussersihl kuratiert.


SOMEWHERE IN THE BODY est une installation de film de danse expérimentale d'Áine Stapleton, centrée sur Lucia Joyce - une danseuse talentueuse et fille du célèbre écrivain irlandais James Joyce. La production explore la manière dont Lucia et sa carrière de danseuse ont influencé la création du récit emblématique Finnegans Wake de son père, dans lequel elle apparaît sous différentes formes.

Le thème de la lumière est le fil conducteur de la vie de Lucia ; son nom, dérivé de celui de sainte Lucie, patronne des aveugles, signifie quelque chose comme "donneuse de lumière".

La production explore les différents personnages de Lucia ainsi que les références à sa carrière de danseuse et la présence de figures masculines telles que les oncles, les frères et les figures paternelles dans le livre. Elle explore également les références de Joyce au rôle des femmes qui dansent au cours de l'histoire et au regard masculin. Le film présente des performances exquises et nuancées des artistes de la danse Colin Dunne et Katie Vickers, basées sur des textes qui se réfèrent aux personnages de Lucie dans le livre. Des sculptures lumineuses du contributeur, l'artiste de la lumière Pat Kramer, apparaissent dans le film et font partie de l'installation. Le film, avec la voix narrative du Joycean Scholar Finn Fordham, révèle les espaces psychiques habités par Lucia et son père.

Durée du film : 32 minutes

SOMEWHERE IN THE BODY est présenté au Château Hornegg au Lac dans le Seefeld zurichois, qui se trouve à proximité immédiate de plusieurs maisons dans lesquelles la famille Joyce a vécu au début des années 1900. Cette présentation de Somewhere in the Body est soutenue par Culture Ireland et l'Embassy of Ireland in Switzerland et organisée par le Kunsthaus Aussersihl.


SOMEWHERE IN THE BODY è un'installazione sperimentale di Áine Stapleton incentrata su Lucia Joyce, ballerina di talento e figlia del celebre scrittore irlandese James Joyce. La produzione esplora il modo in cui Lucia e la sua carriera di ballerina hanno influenzato la creazione dell'iconico racconto del padre Finnegans Wake, in cui appare in varie vesti.

Il tema della luce attraversa come un filo conduttore la vita di Lucia; il suo nome, derivato da Santa Lucia, patrona dei ciechi, significa qualcosa come "dispensatrice di luce".

Lo spettacolo esplora i vari personaggi di Lucia, i riferimenti alla sua carriera di ballerina e la presenza di figure maschili come zii, fratelli e figure paterne nel libro. Esplora anche i riferimenti di Joyce al ruolo delle donne danzatrici nel corso della storia e allo sguardo maschile. Il film presenta performance squisite e ricche di sfumature degli artisti della danza Colin Dunne e Katie Vickers, basate su testi relativi ai personaggi di Lucia nel libro. Le sculture di luce dell'artista Pat Kramer, che vi ha contribuito, appaiono nel film e fanno parte dell'installazione. Il film, con la voce narrante dello studioso joyciano Finn Fordham, rivela gli spazi psichici abitati da Lucia e da suo padre.

Durata del film: 32 minuti

SOMEWHERE IN THE BODY viene presentato allo Château Hornegg au Lac, nel quartiere Seefeld di Zurigo, che si trova nelle immediate vicinanze di alcune case in cui la famiglia Joyce visse all'inizio del 1900. Questa presentazione di Somewhere in the Body è sostenuta da Culture Ireland e dall'Ambasciata d'Irlanda in Svizzera ed è curata dalla Kunsthaus Aussersihl.


SOMEWHERE IN THE BODY is an experimental dance film installation by Áine Stapleton centred around Lucia Joyce, a talented dancer and daughter of the celebrated Irish writer James Joyce. The production explores how Lucia influenced the creation of her father's iconic tale, Finnegans Wake, in which she appears in various guises. The theme of light runs through this work as it did throughout Lucia’s life; her name, taken from Saint Lucia the patron saint of the blind, is described as meaning “light giver."

The production delves into Lucia's various characters in the book and explores references to her dance career, as well as the presence of male figures such as uncles, brothers, and fatherly characters. It also examines Joyce's references to dancing women throughout the ages and the male gaze. The film features exquisite and nuanced performances by dance artists Colin Dunne and Katie Vickers, based on texts related to Lucia's characters in the book. Additionally, light sculptures by co-collaborator, light artist Pat Kramer, appear in the film and form part of the installation. With a unique soundscape based on Finnegans Wake and narration by Joycean Scholar Finn Fordham, Somewhere in the Body reveals the psychic spaces inhabited by Lucia and her father.

SOMEWHERE IN THE BODY is presented at the 'Château Hornegg au Lac’ in Seefeld,  Zurich, which is in close proximity to several houses where the Joyce family lived in the early 1900s. This presentation of Somewhere in the Body is supported by Culture Ireland and the Embassy of Ireland in Switzerland and curated by Kunsthaus Aussersihl.

(Text: Áine Stapleton)

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Parrathon - Martin Parr | IPFO Haus der Fotografie | Olten
Juni
22
bis 10. Sept.

Parrathon - Martin Parr | IPFO Haus der Fotografie | Olten

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IPFO - Haus der Fotografie | Olten
22. Juni - 10. September 2023

Parrathon
Martin Parr


British flags at a fair, Sedlescombe, England, 2000 | © Martin Parr/Magnum Photos


Parrathon - eine obsessive fotografische Suche nach dem Vulgären, dem Kaputten und dem Absurden, die Martin Parr antreibt und Motive hervorbringt, die die Betrachtenden zum Schmunzeln und Staunen bringen. Es ist auch eine Zeitreise, beginnen seine Arbeiten in den 70er Jahren des letzten Jahrhunderts und lassen uns so zurückblicken in eine leichte Zeit, eine Zeit des Konsums vor, während und nach den Discmans und inmitten von Zigarettenqualm im Restaurant.

Auf der fotografischen Reise begegneten ihm die malerische englische Stadt Hebden Bridge in der Pennine in Yorkshire, in der er über einen Zeitraum von fünf Jahren vor allem die sich im Niedergang befindenden Aspekte des traditionellen Lebens dokumentierte. Später zog es ihn in Städte wie Dubai, Durban, Miami und Moskau, um auf Veranstaltungen wie Modenschauen, Kunstmessen, Luxusgütermärkten und Rennbahnen den Reichtum, ein in seinen Augen ebenso sensibles Thema wie das der Armut, zu untersuchen.

Mit Serien wie The Non-Conformists, Common Sense, Luxury, Bored Couples, Death by Selfie, Mexico, Small World, Bad Weather, Everybody Dance Now, Establishment, The Cost of Living, The Last Resort, Think of England und Self-Portrait treffen wir ab dem 22. Juni auf Schwarz-Weiss-Fotografien auf der einen Seite und farbenfrohe Sujets, die ihm in den 80ern zum Durchbruch verhalfen, auf der anderen Seite.

Mit der Ausstellung im IPFO Haus der Fotografie werden erstmals Fotografien von Parr zu sehen sein, die er 2003 für das NZZ FOLIO in Olten aufgenommen hat. Dafür war er zu Besuch am Bahnhof, in der Migros oder in den Shisha-Bars der Stadt, um hier den Zeitgeist der Kleinstadt zu dokumentieren und uns nun, 20 Jahre später, auf eine Zeitreise zu schicken.

Die Ausstellung wurde von Andrea Holzherr (Magnum Photos) kuratiert und vor Ort durch Miriam Edmunds unterstützt.


Parrathon - une recherche photographique obsessionnelle du vulgaire, du cassé et de l'absurde qui anime Martin Parr et produit des motifs qui font sourire et étonnent ceux qui les regardent. C'est aussi un voyage dans le temps, ses travaux commencent dans les années 70 du siècle dernier et nous permettent ainsi de nous replonger dans une époque légère, une époque de consommation avant, pendant et après les Discmans et au milieu de la fumée de cigarette au restaurant.

Au cours de son voyage photographique, il a rencontré la pittoresque ville anglaise de Hebden Bridge, dans les Pennines du Yorkshire, où il a surtout documenté, sur une période de cinq ans, les aspects en déclin de la vie traditionnelle. Plus tard, il s'est rendu dans des villes comme Dubaï, Durban, Miami et Moscou pour étudier la richesse, un sujet aussi sensible à ses yeux que celui de la pauvreté, lors d'événements tels que des défilés de mode, des foires d'art, des marchés de produits de luxe et des hippodromes.

Avec des séries comme The Non-Conformists, Common Sense, Luxury, Bored Couples, Death by Selfie, Mexico, Small World, Bad Weather, Everybody Dance Now, Establishment, The Cost of Living, The Last Resort, Think of England et Self-Portrait, nous retrouverons à partir du 22 juin des photographies en noir et blanc d'une part et des sujets hauts en couleur qui lui ont permis de percer dans les années 80 d'autre part.

Avec l'exposition à l'IPFO Haus der Fotografie, on pourra voir pour la première fois des photographies de Parr qu'il a prises en 2003 pour le NZZ FOLIO à Olten. Pour cela, il s'est rendu à la gare, à la Migros ou dans les bars à chicha de la ville, afin de documenter ici l'esprit du temps de la petite ville et de nous faire maintenant, 20 ans plus tard, voyager dans le temps.

L'exposition a été organisée par Andrea Holzherr (Magnum Photos) et soutenue sur place par Miriam Edmunds.


Parrathon - una ricerca fotografica ossessiva del volgare, del rotto e dell'assurdo che guida Martin Parr e che produce motivi che fanno sorridere e meravigliare gli spettatori. È anche un viaggio nel tempo, le sue opere iniziano negli anni '70 del secolo scorso e ci permettono di guardare indietro a un tempo leggero, un tempo di consumo prima, durante e dopo i Discman e tra il fumo delle sigarette al ristorante.

Nel suo viaggio fotografico ha incontrato la pittoresca cittadina inglese di Hebden Bridge, nella regione pennina dello Yorkshire, dove per un periodo di cinque anni ha documentato soprattutto gli aspetti decadenti della vita tradizionale. In seguito è stato attratto da città come Dubai, Durban, Miami e Mosca per esplorare la ricchezza, un tema delicato ai suoi occhi quanto quello della povertà, in occasione di eventi come sfilate di moda, fiere d'arte, mercati di beni di lusso e ippodromi.

Con serie come The Non-Conformists, Common Sense, Luxury, Bored Couples, Death by Selfie, Mexico, Small World, Bad Weather, Everybody Dance Now, Establishment, The Cost of Living, The Last Resort, Think of England e Self-Portrait, a partire dal 22 giugno incontriamo da un lato fotografie in bianco e nero e dall'altro i soggetti colorati che lo hanno aiutato a sfondare negli anni Ottanta.

La mostra all'IPFO House of Photography sarà la prima ad esporre le fotografie che Parr ha scattato per il NZZ FOLIO di Olten nel 2003. Per questo, ha visitato la stazione ferroviaria, la Migros o i bar di shisha della città per documentare lo zeitgeist della piccola città e ora, 20 anni dopo, per inviarci in un viaggio nel tempo.

La mostra è stata curata da Andrea Holzherr (Magnum Photos) e supportata in loco da Miriam Edmunds.


Parrathon - an obsessive photographic search for the vulgar, the broken and the absurd that drives Martin Parr and produces motifs that make viewers smile and wonder. It is also a journey through time, his works begin in the 70s of the last century and thus make us look back to a light time, a time of consumption before, during and after the Discmans and amidst cigarette smoke in the restaurant.

On his photographic journey he encountered the picturesque English town of Hebden Bridge in the Pennine region of Yorkshire, where over a period of five years he documented mainly the declining aspects of traditional life. He was later drawn to cities such as Dubai, Durban, Miami and Moscow to investigate wealth, a subject as sensitive in his eyes as that of poverty, at events such as fashion shows, art fairs, luxury goods markets and racecourses.

With series such as The Non-Conformists, Common Sense, Luxury, Bored Couples, Death by Selfie, Mexico, Small World, Bad Weather, Everybody Dance Now, Establishment, The Cost of Living, The Last Resort, Think of England, and Self-Portrait, starting June 22, we encounter black-and-white photographs on the one hand and colorful subjects that helped him make his breakthrough in the '80s on the other.

The exhibition at the IPFO House of Photography will be the first to show photographs by Parr that he took up in Olten in 2003 for the NZZ FOLIO. For this, he visited the train station, the Migros or the shisha bars of the town to document the zeitgeist of the small town and now, 20 years later, to send us on a journey through time.

The exhibition was curated by Andrea Holzherr (Magnum Photos) and supported on location by Miriam Edmunds.

(Text: IPFO Haus der Fotografie, Olten)

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GREETINGS FROM... Alles Chimäre - Natascha Auenhammer | ZEBRA - Zentrum für klassische und moderne Fotografie | Wien
Juni
21
bis 14. Juli

GREETINGS FROM... Alles Chimäre - Natascha Auenhammer | ZEBRA - Zentrum für klassische und moderne Fotografie | Wien

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ZEBRA - Zentrum für klassische und moderne Fotografie | Wien
21. Juni - 14. Juli 2023

GREETINGS FROM... Alles Chimäre
Natascha Auenhammer

Die Ausstellung findet im Rahmen von Foto Wien statt.



Wie sehen Postkarten von fremden Orten, und doch sind es optische Illusionen. Sie sind alle in Österreich entstanden. Alles Chimäre, Trugbilder! Die Wahrheit findet man auf den Rückseiten.

Die Realität hat keine Bedeutung, wenn die Illusion wirkungsvoll ist.

All diese Dinge sind interessant und erwecken Seh-nsüchte, Begierden, Süchte danach, etwas zu sehen und zu erleben. Wir alle wollen Weltbürger sein.

Und auf der anderen Seite wollen wir glänzen, unseren Freunden und Bekannten mitteilen, da war ich, ich habe es gesehen, Greetings from Griechenland, Italien, Thailand. Es geht auch um das, was man nicht sieht oder aber zu sehen glaubt. Die Auflösung dieser Bilder(rätsel), wo diese Ansichten wirklich entstanden sind, die gibt es auf den Rückseiten der Postkarten zu finden.

Ganz nach Alfred Hitchcocks Credo: Die Realität hat keine Bedeutung, wenn die Illusion wirkungsvoll ist, ist diese Serie entstanden.


Vous voyez des cartes postales de lieux inconnus, et pourtant ce sont des illusions d'optique. Vous avez toutes été créées en Autriche. Toutes des chimères, des mirages ! La vérité se trouve au verso.

La réalité n'a pas d'importance si l'illusion est efficace.

Toutes ces choses sont intéressantes et éveillent des envies, des désirs, des addictions de voir et de vivre quelque chose. Nous voulons tous être des citoyens du monde.

Et d'un autre côté, nous voulons briller, dire à nos amis et connaissances, j'étais là, je l'ai vu, Greetings from Greece, Italy, Thailand. Il s'agit aussi de ce que l'on ne voit pas ou que l'on croit voir. La résolution de ces visuels (énigmes), où ces vues ont réellement été prises, se trouve au dos des cartes postales.

Cette série a été réalisée conformément au credo d'Alfred Hitchcock : la réalité n'a pas d'importance si l'illusion est efficace.


Vediamo cartoline di luoghi stranieri, eppure sono illusioni ottiche. Sono state tutte realizzate in Austria. Tutte chimere, miraggi! La verità si trova sul retro.

La realtà non ha significato quando l'illusione è efficace.

Tutte queste cose sono interessanti e suscitano desideri, voglie, dipendenze di vedere e sperimentare qualcosa. Tutti noi vogliamo essere cittadini del mondo.

E d'altra parte, vogliamo brillare, dire ai nostri amici e conoscenti: "Ero lì, l'ho visto", "Saluti dalla Grecia, dall'Italia, dalla Thailandia". Si tratta anche di ciò che non si vede o di ciò che si crede di vedere. La soluzione di queste immagini (indovinelli), la vera origine di questi panorami, si trova sul retro delle cartoline.

Questa serie è stata creata secondo il credo di Alfred Hitchcock: la realtà non ha senso se l'illusione è efficace.


How to see postcards of foreign places, and yet they are optical illusions. They were all made in Austria. All chimeras, mirages! The truth is found on the backs.

Reality has no meaning when the illusion is effective.

All these things are interesting and arouse desires, cravings, addictions to see and experience something. We all want to be citizens of the world.

And on the other hand we want to shine, to tell our friends and acquaintances, there I was, I saw it, Greetings from Greece, Italy, Thailand. It's also about what you don't see or what you think you see. The solution of these pictures (riddles), where these views really originated, can be found on the backs of the postcards.

According to Alfred Hitchcock's credo: Reality has no meaning if the illusion is effective, this series was created.

(Text: Nathascha  Auenhammer, Wien)

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Fokus! Jetzt! Maria Austria – Fotografin im Exil | Jüdisches Museum Wien
Juni
21
bis 14. Jan.

Fokus! Jetzt! Maria Austria – Fotografin im Exil | Jüdisches Museum Wien

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Jüdisches Museum Wien
21. Juni - 14. Januar 2024

Fokus! Jetzt! Maria Austria – Fotografin im Exil

Die Ausstellung findet im Rahmen der Foto Wien statt.


Tänzerin Yvonne Georgi wirft Fotos in die Luft. 1950 | © Maria Austria / Maria Austria Institute, Amsterdam


Die Fotografin Maria Austria, eigentlich Marie Östreicher, wurde 1915 in Karlsbad geboren und kam Mitte der 1930er-Jahre zum Studium an der Graphischen Lehr- und Versuchsanstalt nach Wien. Kurz arbeitete sie hier als Pressefotografin, emigrierte jedoch 1937 in die Niederlande. Eine Zukunft im antisemitischen Österreich wäre schwierig gewesen während in Amsterdam bereits ihre Schwester lebte. Mit Lisbeth Östreicher, einer am Bauhaus in Dessau ausgebildeten Textildesignerin, gründete sie dort das Studio Model en Foto Austria (Mode- und Fotostudio Austria).

Nach dem Überfall der Nazis auf die Niederlande überlebte Maria Austria versteckt im Untergrund und schloss sich der Widerstandsbewegung an. 1945 gründete sie mit ihrem Mann und weiteren Kollegen die Fotoagentur Particam. Als Pressefotografin dokumentierte sie die Themen ihrer Zeit, von den Zerstörungen durch den Krieg über Straßenfotografie bis zu Porträts von Künstler:innen und Prominenten. Ihre Serie Het Achterhuis von 1954 mit Fotos vom Versteck von Anne Frank und Aufnahmen von Otto Frank etwa berühren noch heute ganz unmittelbar. In späteren Jahren spezialisierte sie sich auf Theaterfotografie.

Die Arbeiten der herausragenden, aber hierzulande noch weitgehend unbekannten Fotografin Maria Austria, wie sie sich in ihrem Künstlernamen nannte, werden in Österreich erstmalig in einer Einzelausstellung gezeigt. Ausgehend von den frühen Arbeiten aus ihren Wiener Jahren bildet diese die Höhepunkte ihrer Tätigkeit von den 1930er- bis Mitte der 1970er-Jahre ab.

Kuratorin: Andrea Winklbauer

Architektur: Robert Rüf

Gestaltung: Bueronardin


La photographe Maria Austria, de son vrai nom Marie Östreicher, est née en 1915 à Karlovy Vary et est venue à Vienne au milieu des années 1930 pour étudier à la Graphische Lehr- und Versuchsanstalt. Elle y a brièvement travaillé comme photographe de presse, mais a émigré aux Pays-Bas en 1937. Un avenir dans l'Autriche antisémite aurait été difficile, alors que sa sœur vivait déjà à Amsterdam. Avec Lisbeth Östreicher, une designer textile formée au Bauhaus à Dessau, elle y a fondé le Studio Model en Foto Austria (Studio de mode et de photographie Austria).

Après l'invasion des Pays-Bas par les nazis, Maria Austria survécut cachée dans la clandestinité et rejoignit le mouvement de résistance. En 1945, elle a fondé avec son mari et d'autres collègues l'agence photographique Particam. En tant que photographe de presse, elle a documenté les thèmes de son époque, des destructions causées par la guerre aux portraits d'artistes et de célébrités, en passant par la photographie de rue. Sa série Het Achterhuis de 1954, avec des photos de la cachette d'Anne Frank et des photos d'Otto Frank, nous touche encore aujourd'hui. Plus tard, elle s'est spécialisée dans la photographie de théâtre.

Les travaux de cette photographe exceptionnelle, mais encore largement inconnue dans notre pays, Maria Austria, comme elle se faisait appeler par son nom d'artiste, sont présentés pour la première fois en Autriche dans le cadre d'une exposition individuelle. Partant des premiers travaux de ses années viennoises, celle-ci retrace les temps forts de son activité, des années 1930 au milieu des années 1970.

Commissaire d'exposition : Andrea Winklbauer

Architecture : Robert Rüf

Conception : Bueronardin


La fotografa Maria Austria, in realtà Marie Östreicher, nacque nel 1915 a Karlsbad e venne a Vienna a metà degli anni Trenta per studiare alla Graphische Lehr- und Versuchsanstalt. Qui lavora per un breve periodo come fotografa per la stampa, ma nel 1937 emigra nei Paesi Bassi. Un futuro nell'Austria antisemita sarebbe stato difficile, mentre la sorella viveva già ad Amsterdam. Insieme a Lisbeth Östreicher, una designer tessile formatasi al Bauhaus di Dessau, fonda lo Studio Model en Foto Austria (Studio di Moda e Foto Austria).

Dopo l'invasione nazista dei Paesi Bassi, Maria Austria si nasconde nella clandestinità e si unisce al movimento di resistenza. Nel 1945 fondò l'agenzia fotografica Particam con il marito e altri colleghi. Come fotografa per la stampa, documentò i temi del suo tempo, dalla distruzione causata dalla guerra alla fotografia di strada e ai ritratti di artisti e celebrità. La sua serie Het Achterhuis del 1954, con le foto del nascondiglio di Anne Frank e gli scatti di Otto Frank, ad esempio, hanno un impatto diretto ancora oggi. Negli anni successivi si è specializzata nella fotografia teatrale.

Le opere della straordinaria ma ancora largamente sconosciuta fotografa Maria Austria, come si faceva chiamare nel suo nome d'artista, vengono presentate per la prima volta in Austria in una mostra personale. Partendo dai primi lavori degli anni viennesi, la mostra presenta i punti salienti del suo lavoro dagli anni Trenta alla metà degli anni Settanta.

Curatore: Andrea Winklbauer

Architettura: Robert Rüf

Design: Bueronardin


The photographer Maria Austria, actually Marie Östreicher, was born in Karlovy Vary in 1915 and came to Vienna in the mid-1930s to study at the Higher Federal Institution for Graphic Education and Research. After working briefly as a press photographer, she emigrated to Amsterdam in 1937, where she founded the Studio Model en Foto Austria (Fashion and Photo Studio Austria) with her sister Lisbeth, a textile designer educated at the Bauhaus Dessau. Following the Nazi invasion of the Netherlands, she went underground and helped the resistance by making passport photos for counterfeit passports. In 1945, she established the Particam Pictures photo agency with her husband and other colleagues. As a press photographer, she documented the issues of her time, from the destruction caused by war to street photography and portraits of artists and celebrities. Her series Het Achterhuis from 1954, with photos of Anne Frank’s hiding place, still has a direct impact today. In later years she specialized in theatrical photography.

A selection of her photos was already featured as part of the exhibition Vienna’s Shooting Girls – Jewish Women Photographers from Vienna in 2012 at the Jewish Museum Vienna. Now the first solo exhibition of this outstanding exponent of post-war photography, who remains largely unknown in this country, is being shown in Austria. Starting from the early works from her years in Vienna, this represents the highlights of her photographic activity from the 1930s to the mid-1970s.

Curator: Andrea Winklbauer

Architecture: Robert Rüf

Exhibition design: Bueronardin

(Text: Jüdisches Museum Wien)

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La libertà e l’impegno - Mario Dondero | Palazzo Reale | Milano
Juni
21
bis 6. Sept.

La libertà e l’impegno - Mario Dondero | Palazzo Reale | Milano


Palazzo Reale | Milano
21. Juni - 6. September 2023

La libertà e l’impegno
Mario Dondero


Pastori nomadi nel Sahara, Assamaka, Niger, 1966 | © Mario Dondero


Zum ersten Mal wird in Mailand eine umfassende Retrospektive des fotografischen Werks von Mario Dondero (1928-2015) gezeigt, einem der Protagonisten der italienischen Fotografie in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts und einem führenden Fotojournalisten der internationalen Szene. Jahrhunderts und einer der führenden Fotojournalisten der internationalen Szene. Die von der Stadt Mailand - Kultur geförderte und von Palazzo Reale und Silvana Editoriale in Zusammenarbeit mit dem Mario Dondero Archiv produzierte Ausstellung wird von Raffaella Perna kuratiert und im Appartamento dei Principi gezeigt.

Die Ausstellung bietet einen umfassenden Überblick über Donderos Werk anhand einer Auswahl von Bildern, die zu Reportagen und Fotoreportagen gehören und während seiner langen Karriere von den 1950er bis zu den 1910er Jahren entstanden sind. Neben vielen seiner ikonischsten Fotografien zeigt die Ausstellung auch einige bisher nicht gezeigte Aufnahmen aus dem Archiv des Autors, darunter Porträts von Pier Paolo Pasolini und Laura Betti.

Die Ausstellung im Palazzo Reale verfolgt das Ziel, Donderos lange Karriere anhand einer Erzählung nachzuzeichnen, die einem doppelten Ausstellungskriterium folgt, nämlich chronologisch und thematisch zugleich. Die in den zehn Räumen des Appartamento dei Principi gezeigte Ausstellung ist als eine Erzählung konzipiert, die sich durch ebenso viele Etappen schlängelt, von denen jede als Mikro-Ausstellung konzipiert ist: von den Fotografien seiner ersten Reisen nach Portugal in den 1950er Jahren bis zu den Aufnahmen in Kabul in den 2000er Jahren.


La vaste rétrospective de l'œuvre photographique de Mario Dondero (1928-2015), l'un des protagonistes de la photographie italienne de la seconde moitié du XXe siècle et photojournaliste de premier plan sur la scène internationale, est exposée pour la première fois à Milan. Promue par la municipalité de Milan - Culture, et produite par le Palazzo Reale et Silvana Editoriale en collaboration avec les Archives Mario Dondero, l'exposition est organisée par Raffaella Perna et se tiendra dans l'Appartamento dei Principi.

L'exposition vise à offrir une vue d'ensemble de l'œuvre de Dondero, à travers une sélection d'images appartenant à des reportages et des photoreportages réalisés tout au long de sa carrière, des années 1950 aux années 1910. Outre un grand nombre de ses photographies les plus emblématiques, l'exposition présente plusieurs clichés inédits provenant des archives de l'auteur, notamment des portraits de Pier Paolo Pasolini et de Laura Betti.

L'exposition au Palazzo Reale vise à retracer la longue carrière de Dondero à travers un récit qui suit un double critère d'exposition, à la fois chronologique et thématique. L'exposition présentée dans les dix salles de l'Appartamento dei Principi est conçue comme un récit qui se déroule en autant d'étapes, chacune conçue comme une micro-exposition : des photographies de ses premiers voyages au Portugal dans les années 1950 aux prises de vue réalisées à Kaboul dans les années 2000.


Per la prima volta esposta a Milano l’ampia retrospettiva del lavoro fotografico di Mario Dondero (1928-2015), uno dei protagonisti della fotografia italiana della seconda metà del Novecento e fotoreporter di spicco nel panorama internazionale. Promossa da Comune di Milano – Cultura, e prodotta da Palazzo Reale e Silvana Editoriale in collaborazione con l’archivio Mario Dondero, la mostra è curata da Raffaella Perna e sarà allestita nell’Appartamento dei Principi.

L’esposizione mira a offrire uno sguardo complessivo sull’opera di Dondero, attraverso una selezione di immagini appartenenti a reportage e servizi fotografici realizzati lungo l’intero arco della sua lunga carriera, dagli anni cinquanta agli anni dieci del XXI secolo. Insieme a molte tra le fotografie più iconiche, in mostra vengono presentati diversi scatti inediti, forniti dall’archivio dell’autore, tra cui alcuni ritratti di Pier Paolo Pasolini e Laura Betti.

La mostra a Palazzo Reale vuole restituire il lungo percorso di Dondero attraverso un racconto che segue un duplice criterio espositivo, cronologico e tematico insieme. Il display espositivo delle dieci sale dell’Appartamento dei Principi è concepito come una narrazione che si snoda lungo altrettante tappe, ciascuna pensata come una micro-mostra: dalle fotografie dei primi viaggi in Portogallo negli anni Cinquanta, sino agli scatti realizzati a Kabul negli anni Duemila.


On display for the first time in Milan is the extensive retrospective of the photographic work of Mario Dondero (1928-2015), one of the protagonists of Italian photography in the second half of the 20th century and a prominent photojournalist on the international scene. Promoted by the Municipality of Milan - Culture, and produced by Palazzo Reale and Silvana Editoriale in collaboration with the Mario Dondero Archive, the exhibition is curated by Raffaella Perna and will be staged in the Appartamento dei Principi.

The exhibition aims to offer a comprehensive look at Dondero's oeuvre through a selection of images belonging to reportages and photo reports made throughout his long career, from the 1950s to the 1910s. Along with many of the most iconic photographs, the exhibition features several previously unseen shots provided by the author's archive, including portraits of Pier Paolo Pasolini and Laura Betti.

The exhibition at Palazzo Reale aims to restore Dondero's long journey through a narrative that follows a dual exhibition criterion, chronological and thematic together. The exhibition display in the ten rooms of the Appartamento dei Principi is conceived as a narrative that unfolds along as many stages, each conceived as a micro-exhibition: from the photographs of his first trips to Portugal in the 1950s to the shots taken in Kabul in the 2000s.

(Text: Palazzo Reale, Milano)

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